Zerlinetta

Festival de Bayreuth 2011: Tristan und Isolde

2011-08-02T14:03:00.000+02:00

Tristan und Isolde cast 2011
Conductor Peter Schneider
Production Christoph Marthaler
Production (revival) Anna-Sophie Mahler
Costumes and stage design Anna Viebrock
Chorus director Eberhard Friedrich

Tristan Robert Dean Smith
König Marke Robert Holl
Isolde Iréne Theorin
Kurwenal Jukka Rasilainen
Melot Ralf Lukas
Brangäne Michelle Breedt
Junger Seemann Clemens Bieber
Ein Hirt Arnold Bezuyen
Ein Steuermann Martin Snell

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Festival de Bayreuth 2011: Lohengrin

2011-07-28T11:30:00.000+02:00

Escribo sobre el Lohengrin de ayer, con pereza. Tal vez con esta actitud no debería escribir nada, pero es que esta edición del Festival de Bayreuth, está siendo tan flojita que me estoy aburriendo. Quizás, con el Parsifal de Gatti, de esta tarde, el festival remonte el vuelo..., no lo sé. Bueno, seguro que sí, porque esta tarde creo que sólo podr´w escuchar el acto primero (tengo cita con Tosca) y suelo estar gafada jejeje.

Andris Nelsons, dirigió de forma correcta Lohengrin. No hubo magia, pero todo estuvo en su sitio. Quizás hubo algo de batiburrillo en los concertantes del acto primero. Pero bueno, mejor que el año pasado y espero que mejore en próximas ediciones.

Annette Dash, como Elsa, repetía. Ya lo comenté el año pasado. Le viene grande, es una mozartiana cantando Wagner, que si al principio sólo grita los agudos, conforme avanza la ópera, la fatiga y la pesadez del rôle le hacen gritar absolutamente todo, además de aparecerle un vibrato molestísimo.

El rey Heinrich, estuvo interpretado por Georg Zeppenfeld engoladísimo cumplió.

La pareja de villanos (Ortrud y Telramund), del año pasado, perpetrada por Evelyn Herlitzius y Hans Joachim Ketelsen, fueron sustituídos por Petra Lang y Tómas Tómasson. ¿Ganamos con el cambio? pues la verdad es que no hubo grandes diferencias. Tómasson se gastó un tembleque continuo en todos los registros de su voz. Y Petra, que comenzó con el mejor agudo femenino dado hasta ahora en esta edición del festival, se desinfló. Fue incapaz de impostar la risa (y mira que hay cantantes que se ríen impostando la risa y sin darse cuenta) y en el duo con Elsa, más parecía una competición por ver quién gritaba más de las dos. Resultaba caricaturesco.

Dejo para el final a Klaus Florian Vogt, que aunque ya cantó alguna función el año pasado tras la "huida" de Kaufmann, este año es la estrella absoluta de este Lohengrin. Si Kaufmann, crea controversia, KFV, no le va a la zaga. Al no haber escuchado a Vogt en un teatro, me crea la duda de saber cómo se le escucha realmente. Pero siendo un un lírico-ligero, cantando Wagner (con el tiempo que lleva haciéndolo) y no haber "cascao", indica que, pese a tener una voz blancuza y no muy grande, debe correr y proyectarse muy bien en el teatro, sino no me lo explico.
Y es que Vogt posee una voz homogénea sí, pero blanca en el centro y en los agudos, que se traduce en agudos afalsetados. ¡Si es que todo es tan blanco que me viene la imagen de un niño que va ha tomar la primera comunión!

Pero es un tío inteligente, porque muchos hubieran caído en la tentación de buscar sonoridades espúreas, como engolamientos, para "sacar más voz", teniendo en cuenta lo que canta. Él no, él no fuerza, y por la escucha en radio, sólo se pierde en los concertantes. Tiene muy buena línea de canto, con uso de dinámicas intentando colorear sus interpretaciones, como ayer se escuchó en su In Fernem Land.

Para muchos, su Lohengrin es una gran recreación, porque con ese tiembre se crea un Lohengrin mágico, angelical. Pero a mi se me cae la imagen de caballero al rescate de la dama con ese timbre. Y es que esas intenciones y fraseo se me viene a bajo, cuando escucho esa "vocecilla" entre la ampulosidad y riqueza de la orquesta wagneriana.

Cuestión de gustos, pero yo lo preferiría cantando otro tipo de repertorio.

Lohengrin cast 2011
Stage director: Hans Neuenfels
Conductor: Andris Nelsons
Stage design Reinhard von der Thannen
Costumes Reinhard von der Thannen
Dramaturgy Henry Arnold
Chorus Eberhard Friedrich
Video Björn Verloh
Light Franck Evin
Video Björn Verloh
Concept cooperation Susanne Øglænd

Lohengrin Klaus Florian Vogt
Heinrich der Vogler Georg Zeppenfeld
Elsa von Brabant Annette Dasch
Friedrich von Telramund Tómas Tómasson
Ortrud Petra Lang
Der Heerrufer des Königs Samuel Youn
1. Edler Stefan Heibach
2. Edler Willem van der Heyden
3. Edler Rainer Zaun
4. Edler Christian Tschelebiew

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Festival de Bayreuth 2011: Die Meistersinger von Nürnberg

2011-07-27T10:07:00.000+02:00

Poco que comentar sobre estos Maestros Cantores, más que nada, porque no escuché la retransmisión completa (la siesta me pudo).Una producción ya conocida (creo que es el quito año que se representa) que cuenta con la dirección musical de Sebastian Weigle y la producción de Katharina Wagner. Las novedades de éste año, eran el cambio de intérprete del Veit Pogner (Georg Zeppenfeld por Artur Korn) y del Walter von Stolzing (Klaus Florian Vogt que canta hoy Lohengrin, fue sustituído por Burkhard Fritz). De lo escuchado, no me desagradó para nada Fritz, con un timbre mucho más redondo y voz con más cuerpo que KFV, valiente aunque quizás, con agudos algo estrangulados.

Al término de la función, hubo abucheos para la puesta en escena.

Die Meistersinger cast 2011

Conductor Sebastian Weigle
Production Katharina Wagner
Stage design Tilo Steffens
Costumes Michaela Barth / Tilo Steffens
Chorus Director Eberhard Friedrich

Hans Sachs James Rutherford
Veit Pogner Georg Zeppenfeld
Kunz Vogelgesang Charles Reid
Katharina WagnerKonrad Nachtigall Rainer Zaun
Sixtus Beckmesser Adrian Eröd
Fritz Kothner Markus Eiche
Balthasar Zorn Edward Randall
Ulrich Eisslinger Florian Hoffmann
Augustin Moser Stefan Heibach
Hermann Ortel Martin Snell
Hans Schwarz Mario Klein
Hans Foltz Diógenes Randes
Walther von Stolzing Burkhard Fritz
David Norbert Ernst
Eva Michaela Kaune
Magdalene Carola Guber
Ein Nachtwächter Friedemann Röhlig

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Festival de Bayreuth 2011: Tannhäuser

2011-07-26T09:47:00.000+02:00

Ayer, dia de Santiago Apóstol, se daba comienzo a una nueva edición del festival de verano por excelencia, el Festival de Bayreuth. El festival de la Verde Colina, cumple este año cien ediciones, si bien es cierto, que a pesar del número "redondo", no van a haber grandes celebraciones. Éstas, se guardan para la edición de 2013, año del bicentenario del nacimiento de Richard Wagner, con una nueva producción del Anillo (que parece que tendrá a Frank Castorf, como director de escena) y con la inclusión, por primera vez en el festival de Die Feen y Rienzi.

Esta nueva edición, tenía un handicap negativo para la que escribe. No había Anillo. La Tetralogía dirigida por Christian Thielemann, había sido el plato fuerte de los últimos años, del festival wagneriano, alcanzando un nivel de excelencia musical (no vocal) a la altura de los grandes tótem que han pasado por el podio del festival.

Este año, volveremos a escuchar Maestros Cantores, Lohengrin, Parsifal y Tristan. Y la novedad y nueva producción, era el Tannhäuser. Una ópera con cantantes desconocidos para mi, y un director musical que debutaba en Bayreuth. Por lo tanto, había que darle un margen de confianza.

Por desgracia, ese margen de confianza comenzó pronto a diluirse. Thomas Hengelbrock, director musical, ofreció una lectura muy lírica de la partitura, y con pocos contrastes (quizás, el acto primero fue el más logrado) que fue cayendo en una versión anodina y plumbea de Tannahäuser. Es el problema de las versiones muy líricas, que hay que saber mantener la tensión para que la versión no termine siendo un auténtico sopor (cosa que acurrió ayer).

Thomas Hengelbrock, del que sólo recuerdo el nombre por la Ifigenia en Tauride, del Teatro Real, según Pérez de Arteaga, no sólo era debutante en Bayreuth, sino que ¡debutaba dirigiendo Wagner! Si esto es así, no entiendo cómo se corre el riesgo por parte de las nietísimas de dar a un director nobel (especializado en barroco y clasicismo), la dirección de un Tannhaüser que además, abre el festival. Creo que es un gran error.

Por cierto, Thomas Hengelbrock, sino me equivoco, será el encargado de dirigir en el Teatro Real, La Clemenza di Tito y uno de los Parsifal...

El apartado vocal. Como casi siempre ocurre (en los últimos tiempos) en Bayreuth, un auténtico lastre. Un conocido, wagneriano a ultranza y antiverdiano a partes iguales, siempre afirmaba tras una representación verdiana con malos cantantes que, debería dejarse de cantar Verdi porque no había voces para representarlo. Bien, pues a esa máxima se podría llegar ayer, cambiando a Verdi por Wagner, tras lo escuchado. Aunque no es del todo cierto, porque si bien no estamos en una Edad Dorada del Canto Wagneriano (como en el Verdiano), si que hay cantantes para "sacar adelante" una ópera wagneriana. El problema es que no van a Bayreuth.

¿Por qué? Porque en los tiempos que corren, pocos cantantes están dispuestos a permanecer tanto tiempo en Bayreuth con los ensayos y con las representaciones, cobrando relativamente, poco. Muchos hacen acto de presencia un año, para poder decir "yo he cantado en Bayreuth" y luego desaparecen.

Esta política de los últimos tiempos de Bayreuth, apostando más por las puestas en escena que por cantantes, va a terminar mal, porque llega un momento que no compensa escuchar a canes (y mira que me gusta poco utilizar el término) para disfrutar de la orquesta de Bayreuth.

Pero vamos a lo que pudimos escuchar ayer, comenzando por la Venus de Stephanie Friede. Ayer comentaba en twitter que es la peor Venus que he escuchado en mi vida. Y es que yo ayer sentí vergüenza ajena, al escuchar a esta señora. Poseedora de un timbre horrorosamente feo (de ésto no tiene la culpa, porque cada uno tiene el material que tiene y no se puede cambiar), sin graves, con desigualdades en el registro, un agudo apretado y estridente, y una afinacion que por momentos llegó a ser nula (hubo pasajes en los que no daba una nota en su sitio ni por casualidad). Siento ser tan dura, pero es que escucharla ayer fue una auténtica tortura.

Tannhäuser, fue interpretado por el tenor sueco Lars Cleveman. Del que no tenía ninguna referencia y que buscando información a posteriori, parece ser que abandonó la carrera como cantante de rock, para meterse en el mundo de la ópera. ¿Qué decir de él? Pues que si hubiera estado un Endrik Wottrich o un Stephen Gould, no hubieramos notado la diferencia porque todos están cortados por el mismo patrón: canto engolado, paso apretado, agudos abiertos y gritados... Bueno, a lo mejor con alguno de los anteriores hubieramos tenido algún matiz más, porque Cleveman cantó toda la ópera como si recitara en voz alta la tabla de multiplicar, lo mismo le daba estar en un duo de amor, que en el concurso de canto... todo igual. Eso si aguantó (verbo típico para las crónicas de los tenores de Bayreuth) aunque llegó fatal al final.

Elisabeth fue Camilla Nylund. Una soprano demasiado lírica para el papel que tuvo verdaderos problemas para sacar adelante el rôle. Únicamente se encontró cómoda en los pasajes más líricos, pasándolo realmente mal en las partes más pesadas, recurriendo al forte y al grito. No es papel para ella.

En cuanto a las voces graves, Michael Nagy, interpretó Wolfram von Eschenbach. Se le podría achacar que es un barítono demasíado lírico para Wolfram (como decía el consorte, no es London, precisamente), pero ese no es el problema principal, porque un barítono lírico como por ej. Christian Gerhaher ha hecho buenos Wofram. El problema es que no tiene ni la sutileza ni la riqueza expresiva que se requieren para cantar el "O du mein Holder Abendstern", y que carece de unos mínimos graves para cantar el papel (sonaron muy blancos y huecos).

Quizás lo mejor de la tarde fue el bajo Günther Groissböck (Landgraf Herrmann), una auténtica voz de bajo. Y el pastorcillo, Katja Stuber, que cantó muy bien el "Frau Holda".

Por supuesto, destacar la labor de los coros de Bayreuth que brillaron a un gran nivel, salvando la representación sobre todo, en el acto tercero.

Tannhäuser (nueva producción) cast 2011
Stage director Sebastian Baumgarten
Conductor Thomas Hengelbrock
Stage design Joop van Lieshout
Costumes Nina von Mechow
Dramaturgy Carl C. Hegemann
Chorus Eberhard Friedrich
Tannhäuser: Lars Cleveman
Elisabeth - Camilla Nylund
Venus Stephanie Friede
Landgraf Herrmann Günther Groissböck
Wolfram von Eschenbach Michael Nagy
Walther von der Vogelweide Lothar Odinius
Biterolf Thomas Jesatko
Heinrich der Schreiber Arnold Bezuyen
Reinmar von Zweter Martin Snell
Ein junger Hirt Katja Stuber

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Nota final: Aunque al audio está cortado, hubo bronda y abucheos para los responsables de la puesta en escena, para la Venus, para el tenor y para el director musical.

EN DEFENSA DE LOS CANTANTES LÍRICOS ESPAÑOLES

2011-03-28T11:48:00.000+02:00

A continuación reproduzco el manifiesto que anda circulando estos dias, a favor de los cantantes líricos españoles y que se quiere presentar a la Ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde.

Recientemente ha tenido lugar la presentación de la temporada 2011/2012 del Teatro Real, la primera que ha sido completamente diseñada por el Sr. Gerard Mortier, director artístico de dicho teatro. La presencia de cantantes españoles en la programación es prácticamente inexistente, de forma similar a como ha sucedido en la presente temporada 2010/2011, donde su presencia era minoritaria incluso en la ópera española “La página en blanco”. Para la próxima temporada, el Teatro Real tampoco va a contar con los cantantes españoles, ni siquiera para interpretar los papeles principales de la ópera “Ainadamar”, obra compuesta en castellano en torno a las figuras de Federico García Lorca y Margarita Xirgú.

Sin entrar a discutir las decisiones del Sr. Mortier sobre la programación del Teatro Real y los repartos elegidos, lo que nos parece intolerable son las declaraciones que ha realizado para justificar que no se contraten cantantes españoles para las obras programadas en dicho teatro. Según han recogido distintos medios, el Sr. Mortier considera que “los cantantes españoles carecen de estilo. Cantan un aria de Verdi como si fuera de Puccini” y ha remachado estas declaraciones diciendo que les hace falta una academia para corregir esta supuesta falta de estilo.

Dado que ningún responsable del Ministerio de Cultura, del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música o del Patronato de la Fundación Teatro Real ha salido en defensa de los cantantes españoles, nos vemos obligados a expresar públicamente nuestro rechazo a las declaraciones del Sr. Mortier y a defender la calidad de nuestro trabajo. A este respecto queremos exponer, en primer lugar, que:
      1.    Los cantantes españoles de ópera tienen, al menos, la misma calidad y nivel que sus compañeros    de otras nacionalidades.
          2.    Desde el siglo XIX, España ha sido uno de los países donde mayor número de cantantes de prestigio internacional han surgido. Esto continúa siendo de aplicación en el momento presente.
          3.    Los cantantes españoles son continuamente reclamados por los teatros de ópera más importantes del mundo –Viena, París, Berlín, Roma, Nueva York, Zúrich, Ámsterdam, Salzburgo, Milán etc.- para representar en ellos todo tipo de repertorio, obteniendo gran éxito de crítica y público año tras año.
          4.    En todos los países donde existe un teatro de ópera de características similares al Teatro Real, la presencia de cantantes nacionales de esos mismos países en las obras que se representan en ellos es habitual. El Teatro Real es una excepción a esta regla: en él no se contratan cantantes españoles. Esto ha sido así en la presente temporada y así es para la temporada 2011/2012, diseñada por el Sr. Mortier.
          5.    Es la primera vez que se escucha al director artístico de un teatro de ópera descalificar la calidad interpretativa de todos los cantantes de una determinada nacionalidad, basando su crítica precisamente en la nacionalidad de dichos intérpretes. Esto es suficiente, a nuestro juicio, para desacreditar el supuesto conocimiento del Sr. Mortier sobre los cantantes y sobre estilo de canto: es obvio que nada tiene que ver con el lugar de nacimiento de las personas.

Por las razones expuestas, consideramos que el Sr. Gerard Mortier no está capacitado para dirigir el Teatro Real, pero dejando a un lado la discusión sobre sus conocimientos acerca de la voz, entendemos que el empleo de criterios absolutamente discriminatorios para la contratación de cantantes -algo que nos parece aún más grave al tratarse de un teatro público-, debería ser suficiente para provocar su destitución.
Por todo ello, los abajo firmantes solicitamos:
          1.    La destitución del Sr. Gerard Mortier como director artístico del Teatro Real, y
          2.    Que los cantantes españoles tengan las mismas oportunidades que sus compañeros de otras nacionalidades para cantar en dicho teatro, de manera que su presencia en él no sea algo excepcional, tal y como ocurre en estos momentos.

https://docs.google.com/document/d/1WuvNHkmB3uwfZjbV0vZK_mKVeP5Dz4tJp0WkGLzm_hw/edit?hl=en&authkey=CMmZ87cB&pli=1#

Los que quieran unirse al manifiesto (no es necesario ser cantante lírico), sólo tienen que pinchar en el enlace anterior, añadir nombre, apellidos y DNI; y pinchar en "Saved".

Si ya habéis firmado, revisadlo para ver si aparece vuestra firma, porque lo han borrado varias veces y a pesar de las copias de seguridad, puede haberse borrado.

I Vespri Siciliani. Teatro Regio Torino

2011-03-19T11:27:00.000+01:00

No pudimos disfrutar de la retransmisión televisiva de estas Visperas, desde fuera de Italia, pero ahí estaba la radio.

Cuatro pinceladas de lo escuchado ayer, que no tengo mucho tiempo: Kunde no tuvo su noche, puesto que la voz, desde la zona del paso hacia arriba, no le iba. Por ej, dio un falsetone para coronar la siciliana del último acto. Me hubiera gustado escuchar a Sondra, pero al final canceló debido a un resfriado, que ya le perjudicó en la noche de estreno. La sustituyó Maria Agresta, que cumplió como Elena, con momentos muy buenos, combinados con otros en los que la voz careció de apoyo y algún que otro problema de fiato. Franco Vassallo, es malo y punto (y creo que ni ha nacido en España, ni tiene nacionalidad española). Ildar Abdrazakov, se marcó un un fantástico Procida, con un gran "Oh tu Palermo". Pero lo mejor de la noche fue la orquesta y la dirección. ¡Por fin una representación de una ópera de Verdi, que suena a Verdi! Grandísima la dirección de Noseda.

La duchessa Elena Maria Agraste
Arrigo, giovane siciliano Gregory Kunde
Guido di Monforte Franco Vassallo
Giovanni da Procida Ildar Abdrazakov
Il sire di Bethune Dario Russo
Il Conte Vaudemont Dario Russo
Ninetta Giovanna Lanza
Danieli Matthias Stier
Tebaldo Cristiano Olivieri
Roberto Seth Mease Carico
Manfredo Roberto Guenno

Orchestra e Coro del Teatro Regio
direttore d'orchestra Gianandrea Noseda
maestro del coro Claudio Fenoglio

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Festival del Humor: Temporada Teatro Real 2011-212

2011-03-15T22:00:00.000+01:00

Temporada

Y su creador:

En Europa Press

El director artístico del Teatro Real, Gerard Mortier, ha calificado este martes de "exigente" la próxima temporada 2011-12, la primera que firma íntegramente y que se abrirá con 'Elektra' de Strauss, el viernes 30 de septiembre.

En un momento que tanto el director general del coliseo madrileño, Miguel Muñiz, como el presidente del Patronato, Gregorio Marañón, coincidieron en definir de "difícil" y "crítica" desde el punto de vista presupuestario, el intendente belga se ha mostrado partidario de adaptarse a estos nuevos tiempos pero sin renunciar a su "misión": "Dar carácter europeo al Teatro Real".

El presupuesto para la temporada que viene ronda los 14 millones de euros (en 2011 ha sido de 15,8 millones) y con esa cifra, Mortier se ve perfectamente capaz de asumir una programación "de calidad", que "atraiga a nuevos públicos". En su opinión, en tiempos de crisis no se puede malgastar el dinero (un 44% público y un 56% de las actividades del Teatro) en costosas puestas en escena. También está mirando mucho el caché de los artistas, con los que confiesa ser "muy duro en las negociaciones".

MAYORÍA DE ÓPERAS DEL SIGLO XX

La temporada 2011-12 cuenta con 13 óperas de las que nueve de ellas son del siglo XX, una preferencia que ya manifestó el director artístico del Real a su llegada al coliseo. Junto a 'Elektra', otros dos títulos del siglo XX ('Pelléas et Mélisande' de Debussy, en colaboración con el Liceo, y 'Lady Macbeth de Mtsensk', de Shostakovich) conforman el primer bloque de las que Mortier ha denominado "grandes óperas" de la citada centuria.

Dentro de las "obras del repertorio menos conocido", se incluyen el programa doble y nueva producción del Real 'Iolanta' de Tchaikovsky y 'Persephone' de Stravinsky (enero de 2012); 'La clemenza di Tito' de Mozart (febrero de 2012); 'I due Figaro', de Mercadante (marzo 2012) con dirección escénica de Emilio Sagi y musical de Riccardo Muti; y 'Cyrano de Bergerac' de Franco Alfano (mayo de 2012) cuyo cartel encabezará Plácido Domingo.

Mortier ha diseñado además una programación pensada para "crear nuevos públicos" con obras como 'C(h)oeurs', un proyecto de Alain Platel con música de Verdi y Wagner (marzo 2012) que será estreno mundial; 'The life and Death of Marina Abramovic', un encargo de Teatro con música de Antony & de Johnsons (abril de 2012); 'Poppea e Nerone', con música de Monteverdi orquestada por Philippe Boesmans (junio de 2012); y 'Ainadamar' de Osvaldo Golijov, una elegía sobre García Lorca (julio de 2012). En versión de concierto podrán escucharse 'La finta giardiniera' de Mozart; 'Don Quichotte' de Massenet y 'Rienzi' de Wagner.

ARTISTAS

Entre los directores musicales que se acercarán al Teatro Real por primera vez, Mortier citó a Semyon Bychkov, Hartmut Haenchen, Marc Piollet y Riccardo Muti. Por su parte, también pisarán por primera vez el coliseo madrileño los directores de escena Martin Kusej, Peter Sellars, los hermanos Ursel y Karl-Ernst Herrmann, Alain Platel, Petrika Ionesco y la propia Marina Abramovic.

En la lista de cantantes, junto al ya citado Plácido Domingo, sobresalen otros nombres como los de Deborah Polanki, Camila Tilling, Ekaterina Scherbachenko, Dominique Blanc, Yann Beuron, Willem Dafoe, Ángel Ódena o José Manuel Zapata.

Por su parte, la programación de ballet contará con la presencia de Les Ballets de Monte-Carlo, una Gala de Ballet Ruso, Danza Contemporánea de Cuba y Les Ballets C de la B. Como novedad, se inicia el ciclo 'Las noches del Real', una serie de encuentros con grandes artistas que iniciará Sir Neville Marrimer y continúan Las Mañanas Familiares, Los Domingos de Cámara, el Programa Pedagógico (se triplicarán los abonos jóvenes) y Ópera Ciudadana (charlas, conferencias, cursos, exposiciones).

¿QUÉ ES EL PATRIMONIO ESPAÑOL?

Preguntado por la ausencia en esta programación de títulos de autores españoles, Mortier preguntó rotundo: "¿Qué es el patrimonio español?" El director artístico aseguró que el patrimonio español "es mucho más grande de lo que se piensa" y recordó que la obra de Mercadante se escribió en España y puede considerarse una obra española, como también 'Ainadamar', que tiene como protagonista a Lorca.

Aún así, Mortier, que se mostró partidario de "no reducir el patrimonio español a una idea nacionalista", adelantó algunos proyectos de cara a los años venideros: un encargo a Mauricio Sotelo sobre textos de Lorca; otro a la compositora sevillana Elena Mendoza sobre textos de Onetti; o un espectáculo de flamenco con Israel Galván sobre los gitanos.

Otra novedad que anunció Mortier, que está convencido de que en los próximos cinco años que figuran en su contrato "el equilibrio se instalará", es la presencia del Festival de Pascua de Salzburgo que dirige Simon Rattle con tres títulos: 'Parsifal', en 2013; 'Salomé' en 2014; y 'Carmen' en 2015.

Por otra parte, respecto a la escasez de artistas españoles en la programación, el intendente belga no ha dudado en afirmar que "ningún director de ópera ha hecho tanto" por los artistas españoles como él y ha criticado que, a pesar de las "buenas voces" que hay en España "falta estilo". "Cantan Verdi como Puccini y el estilo mozartiano es muy malo", señala. "Necesitamos crear una escuela lírica. Ese es mi sueño", ha añadido.

Para el director general del INAEM, Félix Palomero, la temporada 2011-12 del Teatro Real tiene una "altísima calidad" y una "amplia paleta estilística en una línea de apertura al nuevo público sin renunciar al de siempre".

En el BOE del Teatro Real, o lo que es lo mismo El País:

El director belga se ha mostrado muy confiado en el éxito que alcanzará su propuesta, pero no ha querido ocultar que se trata de una programación "exigente". "Creo en el público, siempre ha acudido allá donde he trabajado. Y además, queremos atraer a nuevos espectadores al teatro. No entiendo que a principios del siglo XXI nos asusten todavía los compositores muertos del siglo XX. Hay que abrir nuestra reflexión", ha pedido. Y eso, aunque la coyuntura económica y el conservadurismo de algunos abonados pueden casar mal con los títulos que ha pensado para su segunda temporada al frente del Real.
(...)
Para el repertorio menos conocido, destacó Mortier I due Figaro de Mercadante. "No está Rossini, pero tenemos a Mercadante que es tan genial y además hay que descubrirlo", lanzó el director flamenco. Además, subrayó la inclusión de la Clemenza di Tito como una de sus "mejores producciones", concretamente la calificó como su "osito Teddy".

En El Economista:

Escepticismo ante la programación

Con estos mimbres, las críticas no se han demorado demasiado entre la Asociación de los amigos de la Ópera de Madrid. Acostumbrado a ellas, Gerard Mortier tendrá que soportar el enfado de quienes no entienden por qué no hay óperas españolas o por qué se ha olvidado de los intérpretes patrios. Una razón que no se entiende, cuando en sus inicios, fue Mortier adalid de lo autóctono y por ende el mayor defensor de la creación de una ópera en Flandes -lo que dejó reflejado en una suerte de panfleto publicado por él mismo bajo el título "Escándalo cultural flamenco"-.

Claro, que hay de todo como en botica. El día que el flamenco abandonó la dirección del Festival de Salzburgo sus opositores descansaron insertando una esquela a toda página con su nombre.

¿Reimos o lloramos?

No voy a comentar nada más que lo publicado en prensa, que ya es bastante.

Por cierto, ya tiene grupo en Facebook

Les Huguenots, en Madrid

2011-03-02T12:50:00.001+01:00

La representación de una ópera como Les Huguenots, en nuestros días, es un auténtico acontecimiento, marcado en rojo en el calendario de muchos aficionados en el mundo. Este año, primero en Madrid y en junio, en Bruselas, son las citas con esta emblemática ópera de Meyerbeer, paradigma de una ópera que ya no existe.

Es por eso que se esperaba con gran expectación las representaciones en el Teatro madrileño, que se han realizado en versión concierto. La carencia de una puesta en escena, que acompañe y esté al servicio de esta gran ópera, tiene el aspecto positivo, que el director de escena de turno, no la masacre. Pero también tiene uno negativo, y es que con la duración de la obra y debido a la música que contiene, puede caer en el aburrimiento más soporífero, sino cuenta con una dirección orquestal que saque el jugo, la belleza, el contraste, de esta auténtica enciclopedia musical que son Les Huguenots.

Meyerbeer, crea una partitura ecléctica, con elementos barrocos, como esas reminiscencias a Bach, a los recitativos handelianos, o el uso del obligato con instrumentos como la viola d´amore en la romanza de Raoul; melodias populares francesas como en la cavatina de Urbain; la tradición de la ópera francesa, con los ballet y grandes coros; las melodías italianas y la armonía alemana. Todo estos elementos conforman una orquestación suntuosa e inusual, una ópera de contrastes, de grandes escenas combinadas con momentos intimistas, pero todo ello, en grandes cuadros de conjunto, sin la división en números más cerrados, de la ópera italiana. Probablemente, es en cuarto acto donde se observan con más claridad, estos contrastes, con la escena de La Bendición de las Espadas, y el Gran Duo de Raoul y Valentine.

En Madrid, el encargado de dar vida a esa partitura orquestal, fue el director Renato Palumbo, que tuvo que lidiar con la Orquesta del Teatro Real , lo cual ya es bastante. Palumbo no se enfrentaba por primera vez a Huguenots, puesto que en 2002, ya los dirigió en Martina Franca. El mayor problema de su dirección es la falta de tensión generalizada, cayendo en bastantes momentos en el aburrimiento. Sólo parecía salir de ese tedio en los momentos de vigor, en los concertantes, pero tuvo verdaderos problemas en los momentos más intimistas incapaz de mostrar la delicadeza de Meyerbeer.

El Coro Inermezzo, titular del Teatro Real, fue reforzado con el Coro de la Comunidad de Madrid. Recordemos que el coro es una parte importantísima de ésta ópera y podemos decir que salieron airosos de esta piedra de toque, en la que la parte femenina estuvo mejor que la masculina.

Uno de los mayores problemas para poner hoy en día, unos Hugonotes en escena, y quizás el más importante, es encontrar un elenco de cantantes que pueda cantar cada uno de los personajes de esta ópera. De hacer interpretaciones memorables, ya ni hablamos. Casi hay que conformarse con que saquen sus personajes adelante. Comencemos con el tenor, verdadero protagonista de Huguenots, Raoul de Nangis, que fue creado para Adolph Nourrit, uno de los mayores exponentes de la escuela tenoril antigua y alumno de García. Para cantar Raoul, se necesita un tenor con gran extensión y con grandes medios, pudiendo hablar de un tenor spinto pero que sea un tenor di grazia, para afrontar una partitura endiablada. Debe soportar el peso orquestal y sobrepasarlo, así como los continuos concertantes y coros.

Es por la dificultad de la partitura, que le papel de Raoul (que también interpretó Duprez, y por tanto, con los agudos a voz plena) que tenores tan dispares hayan interpretado el role, desde un Lauri-Volpi, un Corelli o un Giacomini, a tenores con muchísimo menos peso vocal como Blake, o en los últimos años Gregory Kunde (que lo retomará el año que viene), Osborn o como en Madrid, Eric Cutler. Cutler, es un lírico-ligero, con un instrumento pequeño, y con una voz muy nasal que liberó en pocos momentos. La voz, por supuesto, quedó tapada en los momentos concertantes y sólo lució y de forma muy modesta, en los momentos más intimistas, aunque tuvo momentos críticos por ejemplo, en el Gran Duo. También tuvo problemas con los agudos, que se le quedaban atrás.

Valentine, fue interpretada por Jiuliana Di Giacomo. Recordemos que Meyerbeer escribió Valentine para la soprano Marie Cornélie Falcon, que dio nombre a esa tipología de soprano, una mezcla de soprano drámatica y mezzo, con una impportante coloratura. Di Giacomo posee una voz importante, con peso, con graves, pero que por arriba se descontrolaba, con agudos abiertos y gritados. Es muy joven y tiene material, pero técnicamente tiene que trabajar mucho, porque ese registro agudo no es de recibo.

Annick Massis, volvió a interpretar a la Reina Marguerite. Massis es una soprano ligerísima, sin ningún peso vocal, carente de algo parecido a un centro, timbre paupérrimo, completamente perdida en la coloratura de su aria principal (O beau pays de la Touraine), un horror.

El trio femenino fue completado por Karine Deshayes, interpretando el paje Urbain. Cumplidora, es como mejor se la podría definir, con su cavatina "Nobles seigneurs, salut". No cantó el Rondó (que fue añadido por Meyerbeer para Marietta Alboni), que fue cortado, al igual que se cortaron el ballet del acto tercero y el aria de Raoul del último acto.

Dimitry Ulyanov interpretó a Marcel, y quizás fue éste el cantante que mejor parado salió de la función. Posee una verdadera voz de bajo, algo raro en los tiempos que corren, sin problemas en los graves ni por arriba. Aunque es cierto que tiene un cierto entubamiento y sonidos algo guturales. Probablemente, lo mejor de la noche fue el canto de la Coral "Segneur, rempart et seul soutien", dando muestra de la rotundidad de sus medios vocales.

Más flojos resultaron el Conde de Saint-Bris de Marco Spotti, dedicándose a poner voz de ~~ogro~~ bajo, y el flojísimo barítono Dimitris Tiliakos con unos agudos abiertos.

Y por último añadir, algo que me cabreó bastante ayer, aunque pueda parecer algo menor, en comparación con todo lo escrito arriba: la falta de que las voces sonaran empastadas. Fue un auténtico suplicio escuchar las partes concertantes, con voces que iban cada una por su cuenta, y ayer fue la tónica general.

Recordemos el reparto completo:

MEYERBEER: Los hugonotes (versión concierto).
-A. Massis (Marguerite de Valois)
-J. Di Giacomo (Valentine)
-K. Deshayes (Urbain)
-E. Cutler (Raoul de Nagis)
-M. Spotti (El conde de Saint-Bris)
-D. Tiliakos (El conde Nevers)
-D. Ulyanov (Marcel)
Coro Titular del Teatro Real,
Coro de la Comunidad de Madrid
Orquesta Titular del Teatro Real.
Dir.: R. Palumbo.

Acto I y II : http://www.megaupload.com/?d=1AFQAYY8

Acto III: http://www.megaupload.com/?d=3ETNYWGN

Acto IV y V: http://www.megaupload.com/?d=ZKSYK40K

IL BUATORE BUATO

2011-02-24T13:38:00.002+01:00

Difícil, muy difícil hablar y comentar hechos y situaciones en las que no se está presente, que se desarrollan en otro país y que, sólo se conoce por lo que se recoge en medios periodísticos, blogs y foros. Por todo lo anterior, soy una “atrevida” por querer comentar lo que está sucediendo en el Teatro alla Scala de Milán. Pero no me resisto, aunque mi opinión se aleje de la realidad.

Como bien sabréis, se está representado estos días en la Scala, Tosca. Y casi todos los días, hay noticia. Caídas del cartel, abucheos para el director de orquesta, para los cantantes… y en la función del día 22 de febrero,¡abucheos para los abucheadores!

Empecemos por el principio. Se representa la errática producción de Bondy del Met, aunque con ciertas modificaciones (recordemos que es una coproducción del Met, Mónaco y la Scala). El maestro Daniele Gatti, renuncia a dirigirla trece meses antes, por motivos artísticos y se busca como sustituto al joven director, y titular del Palau de les Arts, Omer Meir Wellber. Unos días antes del a “prima”, comienzan los rumores de que tanto Kaufmann, como la soprano Oksana Dyka (ya abucheada en Pagliacci), se van a caer del cartel. La noticia se confirma, argumentándose que la baja de los cantantes (a la que hay que añadir la del tenor del segundo reparto, Marco Berti) es debida a un virus…

El 15 de febrero es la “prima”, esa noche cantan Sondra Radvanovsky (que andaba en Torino, con los ensayos de Las Visperas Sicilianas) y Aleksandrs Antonenko. Al final de la función, abucheos centrados en Omer Meir Wellber. Lissner arremete contra los abucheadores. El debate se centra en si los loggioni abucheadores se han pasado o tienen razón. El 17, aparece Dyka y Carlo Ventre (de nuevo baja de Kaufmann), de nuevo abucheos. A la tercera va la vencida y canta Kaufmann, que no se salva de los abucheos. Por último, el día 22, parte del público educado (y pongo educado, en contraposición de maleducados, que es como muchos consideran a aquellos que expresan su disconformidad por medio del abucheo), increpan y casi llegan a las manos con esa parte del público que ha abucheado.

Pero, ¿por qué se abuchea? Existe una parte del público que considera legítima la forma del abucheo, como una forma evidente de mostrar su disconformidad de lo que ocurre en escena. No es nuevo, se puede hablar de una tradición en el mundo de la ópera. Para otra parte del público, los “educados” como yo les llamo, este tipo de manifestaciones son totalmente inadecuadas e incluso las califican como “carcas, retrógradas y maleducadas”. Dentro de este grupo de abucheadores, existen grupos “duros” de aficionados, que tendría como equivalencia en el mundo taurino, el famoso Tendido del Siete, en Las Ventas de Madrid, y en el caso de La Scala, el Loggione. Aficionados que yo creo son necesarios en el mundo de la ópera, aunque en ocasiones no se esté de acuerdo con lo que hacen.

Esta temporada de la Scala está siendo movidita. Recordemos Pagliacci-Cavalleria, que comenzó con una huelga de trabajadores del teatro que obligaron a suspender la primera función. Pero no sólo eso, recordemos también la sonora bronca que recibieron José Cura , Oksana Dyka y el director Daniel Harding. Y ahora lo que está sucediendo en estas funciones de Tosca, comenzando por la prima, en la que se caen los “primeros espadas”. No es la primera vez, que primeras figuras actuales, por h o por b, no cantan la prima… Otros, como Alagna se atrevieron a cantar aunque salieron escaldados…

¿Por qué tanta contestación? ¿Es únicamente por el bajo nivel de los cantantes y directores? ¿Se abuchea esa falta de seriedad (se anunciaban unas horas antes quienes cantarían) en un teatro como la Scala? ¿Se está intentando volver a un teatro como lo era antaño que “daba y quitaba”? ¿Se está abucheando a Lissner de forma indirecta? Preguntas difíciles de responder, por ésta que escribe.

Desde luego, escuchada, Pagliacci-Cavalleria los abucheos a Cura están más que justificados. Respecto a la soprano y Harding, quizás en otras ocasiones no lo hubieran hecho. Pero también es cierto, que en otros tiempos más “duros” también se hubieran llevado su ración de abucheos. Y en Tosca, por lo que pude escuchar ayer, ocurre tres cuartos de lo mismo, con un “Vissi d´arte” por parte de Dyka, digamos que muy deficiente. Y un Jonas Kaufmann, que cantó como canta siempre, pero que quizás, al ser Puccini (y ya sabemos que para cantar Puccini, necesitas una técnica a prueba de bombas) puso en evidencia todavía más sus problemas vocales. ¿Abucheos censurables? A mi modo de ver no. Si se critica la baja calidad artística, completamente de acuerdo, pero abucheos por que sí o, utilizar a cantantes y directores como rehenes de otras cosas que nada tienen que ver con la ópera, no puedo estar de acuerdo. Y por supuesto, totalmente censurable, esos enfrentamientos entre aficionados que casi llegan a las manos.

Tosca no ha sido, ni va a ser retransmitida. El único audio que he escuchado proviene del programa La Barcaccia, de ayer:

EDITO: Han aparecido 2 videos, con audio de la función

Vídeos de lamadonnadegliangeli

Gregory Kunde, regresa a Barcelona (¿de nuevo Percy?)

2011-02-20T09:54:00.000+01:00

El tenor norteamericano, que en estos últimos días se encontraba en Torino, ensayando Arrigo de Las Visperas Sicilianas, regresa de nuevo a Barcelona. Todo parece indicar que será el encargado de sustituir a José Manuel Zapata, en las próximas funciones de Anna Bolena que quedan por representar en el Liceu de Barcelona. Recordemos que ya fue el encargado de sustituir a José Bros, como Percy en la primera de esta tanda de representaciones de Bolena, en el Liceu.

¡Feliz San Valentín!

2011-02-14T13:56:00.000+01:00

Vídeo de CurzonRoad

O del mio amato ben perduto incanto!
Lungi è dagli occhi miei
chi m'era gloria e vanto!
Or per le mute stanze
sempre lo cerco e chiamo
con pieno il cor di speranze?
Ma cerco invan, chiamo invan!
E il pianger m'è sì caro,
che di pianto sol nutro il cor.

Mi sembra, senza lui, triste ogni loco.
Notte mi sembra il giorno;
mi sembra gelo il foco.
Se pur talvolta spero
di darmi ad altra cura,
sol mi tormenta un pensiero:
Ma, senza lui, che farò?
Mi par così la vita vana cosa
senza il mio ben.

¡Ay! de mi bien amado he perdido el encanto!
Lejos está de mis ojos
quien me era gloria y orgullo.
Ahora por las silenciosas habitaciones
siempre la busco y llamo
con el corazón lleno de esperanzas...
Pero busco en vano, llamo en vano.
Y el llorar me es tan querido,
que sólo de llanto nutro el corazón.

Me parece, sin él, triste cada lugar.
La noche me parece el día;
el hielo me parece fuego.
Si a veces espero
darme cura,
sólo me atormenta un pensamiento:
pero, sin él, ¿qué haré?
Me parece así la vida
cosa vana sin mi amado.

Angela Gheorghiu: Aida y Jonas Kaufmann: Radames

2011-02-12T09:07:00.000+01:00

Vídeo de Darjaius

Y Antonio Pappano, dirigiendo, en una grabación discográfica para la EMI (además de un recital y un disco con arias de Mozart). Así lo ha confirmado la propia Gheorghiu en una entrevista para qobuz:

Confirmez-vous le projet d’enregistrement d’Aïda pour EMI ?
— Oui, avec Jonas Kaufmann encore et Antonio Pappano à la direction. J’ai aussi un projet de récital avec des airs très sérieux. Et peut-être un disque Mozart.

Roberto Alagna y las boleradas

2011-02-07T11:14:00.000+01:00

Vídeos de myyellowlabfan
Vídeo de Phebus74

Vídeo de twistty100

Es que me gana. Adoro cuando Alagna se mete en cosas "raras" como el disco de Luis Mariano, el de Sicilianas o éste, titulado Latino. ¡Quiero este disco YA!

Anna Bolena en el Liceu

2011-02-06T10:48:00.001+01:00

Creo recordar que, para una entrada que realicé referida a una retransmisión de Bayreuth, utilicé, como título de la entrada, "¡Qué les corten la cabeza!". Pues bien, ese título le hubiera venido ni que pintado para expresar lo que se pudo escuchar el viernes noche por CatMùsica, en el Liceu.

Edita Gruberova, interpretó la reina que da nombre a esta ópera de la trilogía Tudor de Donizetti. Edita, que "jugaba en casa" (el Liceu, es uno de esos teatros en los que se la tiene auténtica devoción), recibió oavaciones, bravos y vítores, en una interpretación horrorosa, de Bolena. A Grube sólo le quedan los pianos. La voz está seca, sin ningún armónico, con una emisión durísima, metálica, que hace que sea un suplicio escucharla. Sólo me queda la duda de si en directo, la voz suena distinta (algo así como lo que ocurría a Kraus en sus últimos años de carrera, en los que la voz escuchada en vivo, distaba mucho de la que recogían los micrófonos de grabación). Pero de una cosa que se le escuchó ayer, no tienen la culpa los micrófonos: los portamentos. Es incapaz de alcanzar las notas agudas sin utilizarlos y a veces ni eso, como en el final del "Coppia iniqua", donde se quedó calada. Además tuvo la ventaja de un maestro batutero que le dio todo el tiempo del mundo para el "lucimiento" de la soprano.

La otra gran protagonista es la mezzo letona, Elina Garança. Fue la única que demostró qué es el belcanto. Una voz bonita, que sabe qué tiene que hacer, con una cuidada línea de canto y que en un terreno "imparcial" sería la auténtica vencedora en el duo de reinas. Pero hay algo que me ocurre con ella, y esto es totalmente subjetivo, y es que no me dice nada, la noto muy plana en su interpretación. Pero como digo, esto es totalente subjetivo.

José Bros, se encargo de Percy. Como dijo el consorte, hay que ser muy valiente... para salir a cantar como tiene la voz, porque además optó por hacer la versión con agudos. Bros cada vez que supera la zona del pasaje, sufre y sufre mucho, porque la voz se le abre, sus agudos abiertos y gritados son casi cosa habitual en los últimos tiempos. Yo a veces me pregunto si el oyente habitual de ópera sabe distinguir entre un agudo abierto y gritado, de uno timbrado y colocado, teniendo en cuenta las cosas que se leen (de muchos críticos/periodistas, ni me lo planteo...). Por cierto, para los que andan diciendo que, debido a que un tenor, ensancha la voz (por ej., pasar de lírico-ligero a lírico) hace que se resienta la zona del pasaje y del agudo, que se escuchen a éste señor: http://www.youtube.com/watch?v=C4NJJH1AROs.La zona del pasaje y del agudo se resienten cuando no hay técnica. Y lamentablemente si escuchamos a Bros hace diez años, ya tiene abiertos los pasajes y el agudo. Es mas, la voz no le gira. En un momento de ascensión al agudo, tuvo que truncar la nota para poder bajar otra vez. ¿Donde está el problema? Que la legión de seguidores que tiene en los foros donde silencian a cualquier "disidente", hace que parezca un cantante decente y digno de ser escuchado. Pero es mentira. La cruda realidad es que a Bros se le perdonan cosas que a cualquier otro tenor, no digamos si le hace sombra, le costaría el despelleje. Ya lo hacen cantando perfecto...

Colombara, como Enrico. Llega un momento en el que ya no sabe cómo colocar la voz para buscar graves. Alguno de ellos, parecían eruptos. Además, durante el primer acto, la voz parecía que tenía una lija de grado medio en la garganta, con unos rascones más que evidentes.

Del resto del reparto, Prina, quiso demostrar que tenía más graves que Orfila, y lo hizo con unos graves que no tiene, poniendo voz de "señora camionera" (con todos mis respetos para las camioneras). Y como ya dije más arriba, Andriy Yurkevych, como maestro batutero, con una dirección tediosa al servicio de la dama.

No voy a subir la grabación completa de la ópera, puesto que, me dio muchísimos problemas a la hora de grabar, pero su voy a poner unos "jailaits" de la función del viernes:

Da quel di:

Duo y final acto primero:

Duo Anna-Seymour acto segundo:

Duo Enrico-Seymour acto tercero:

Vivi tu, acto tercero:

Al dolce guidami, acto tercero:

Coppia iniquia, acto tercero:

Una voz para Leonora

2011-02-03T13:26:00.000+01:00

Vídeo de Zerbinetta2000

Michele Capalbo

Tosca, desde el Met

2011-01-30T14:01:00.000+01:00

Tosca - Puccini

Floria Tosca, a celebrated singer ..... Sondra Radvanovsky (Soprano)
Mario Cavaradossi, a painter ..... Marcelo Álvarez (Tenor)
Baron Scarpia, chief of police ..... Falk Struckmann (Baritone)
Cesare Angelotti, former Consul of the Roman Rep. ..... Peter Volpe (Bass)
A Sacristan ..... Paul Plishka (Bass)
Spoletta, a police agent ..... Dennis Petersen (Tenor)
Sciarrone, a gendarme ..... James Courtney (Bass)
A Jailer ..... Harold Wilson (Bass)
Chorus and Orchestra of Metropolitan Opera
Marco Armiliato - Conductor

Metropolitan Opera, New York

Acto primero: http://www.megaupload.com/?d=WNEX5MNR

Acto segundo y tercero: http://www.megaupload.com/?d=QG6FPT1M

Pass:zerlinetta

La Forza del Destino, en Parma

2011-01-29T12:56:00.000+01:00

Probablemente, la de anoche fue la “prima” más tranquila de las óperas que se llevan representadas esta temporada en Parma (contando el Festival Verdi), si bien La Forza del destino, abría la Stagione Lirica, del Teatro Regio. Si bien es cierto que, antes si habían surgido problemas, como las sustituciones de Daniela Dessì por Dimitra Theodossiu , y Francesco Hong por Aquiles Machado.

Dimitra Theodossiu, que debutaba como Leonora, tuvo una noche irregular. Combinó momentos maravillosos, con pianos, medias voces… con un agudo estridente y abierto, que afearon su interpretación. Pero es una soprano con temperamento y personalidad, cosa que si consiguiera arreglar esos problemas, puede ser una buena Leonora. Aún así, hubo peticiones incluso de bis, para su “Pace, pace”.

Aquiles Machado, se encargó de dar vida a Álvaro (que creo que también debutaba). Bueno es un decir, porque cantó de forma monótona y rutinaria, sin transmitir absolutamente nada. Todo cantado en forte, porque no tiene la voz para el personaje. Vocalmente, no le encontré muchas diferencias con respecto a la última vez que le escuché, hará ¿2 años?, en La Leyenda del Beso, en el Teatro de la Zarzuela. Sigue teniendo el agudo abierto y desparramado, aunque intenta cubrirlo, no lo consigue. Me sorprenden los comentarios que he leído últimamente, sobre su recuperación vocal (algo así como lo de Alagna) porque como digo, yo no noté esa mejora. Lo único que ha cambiado, es su aspecto físico, que ha adelgazado muchísimo.

El barítono Vladimir Stoyanov, cantó Carlo di Vargas. Fue, junto a la Theodossiu, lo mejor de la noche. Tampoco es que fuera una interpretación que pasará a los “Annales verdianos”, pero en los tiempos que corren la verdad, es que no me disgustó. Es un barítono (vamos, no un señor que pone voz de barítono), que posee la voz para cantar el rôle, aunque Su Carlo no es que tuviera muchos matices. Aún así, se comió a Aquiles en el duo final.

El resto del reparto bastante horroroso, con un Scandiuzzi (Padre guardiano), que además de su emisión de gola, no dio una nota en su sitio. Muy olvidables, la Preziosilla de Mariana Pentcheva y el Fra Melitone de Carlo Lepore. (¿He dicho alguna vez que ODIO toda la parte de Preziosilla y Melitone?)

La dirección musical corrió a cargo de Gianluigi Gelmetti, que consiguió que la orquesta no sonara “chimpumpera” como en anteriores ocasiones, pero poco más…

De la puesta en escena, de esas que no molestan. Yo la verdad, es que cada vez más, les presto menos atención...

El reparto completo es el siguiente:

LA FORZA DEL DESTINO
Melodramma in quattro atti
su libretto di Francesco Maria Piave
dal dramma Don Álvaro o La fuerza del sino
di Ángel Perez de Saavedra
Musica GIUSEPPE VERDI
Edizione critica a cura di Philipp Gossett e William Holmes, the University of Chicago Press, Chicago e Universal Music Publishing Ricordi srl, Milano
Personaggi Interpreti
Marchese di Calatrava ZIYAN ATFEH
Donna Leonora DIMITRA THEODOSSIOU

Don Carlo di Vargas VLADIMIR STOYANOV
Don Alvaro AQUILES MACHADO
Preziosilla MARIANA PENTCHEVA

Padre guardiano ROBERTO SCANDIUZZI

Fra Melitone CARLO LEPORE
Curra ADRIANA DI PAOLA
Un alcade ALESSANDRO BIANCHINI
Mastro Trabuco MYUNG HO KIM
Un chirurgo GABRIELE BOLLETTA

Maestro concertatore e direttore
GIANLUIGI GELMETTI
Regia, scene, costumi, coreografia e luci
STEFANO PODA
Maestro del coro
MARTINO FAGGIANI
ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Nuovo allestimento del Teatro Regio di Parma

Personaggi	Interpreti
Marchese di Calatrava	ZIYAN ATFEH
Donna Leonora	DIMITRA THEODOSSIOU
Don Carlo di Vargas	VLADIMIR STOYANOV
Don Alvaro	AQUILES MACHADO
Preziosilla	MARIANA PENTCHEVA
Padre guardiano	ROBERTO SCANDIUZZI
Fra Melitone	CARLO LEPORE
Curra	ADRIANA DI PAOLA
Un alcade	ALESSANDRO BIANCHINI
Mastro Trabuco	MYUNG HO KIM
Un chirurgo	GABRIELE BOLLETTA

La grabación corresponde al AUDIO de la función, porque si habéis visto los videos, el streaming del video es bastante malo. Si alguien está interesado por el video, que lo pida y lo subiré.

Atto primo - Atto secondo: http://www.megaupload.com/?d=MGW5EQL6

Atto terzo: http://www.megaupload.com/?d=YHU11VJT

Atto quarto: http://www.megaupload.com/?d=7TPZLRC1

Gala 70 aniversario de Plácido Domingo

2011-01-22T13:26:00.001+01:00

A veces parece que el mundo de la ópera se divide entre "Dominguistas" y "Antidominguistas", o eso es lo que nos quieren hacer creer algunos. Me niego. Existe un grupo de aficionados , entre los que servidora se encuentra, a los que les gusta mucho Domingo en determinados personajes y en otros, pues como que no. Y también creo que en los últimos años, está haciendo cosas que no debería hacer, como por ejemplo, recurrir a papeles de barítono para seguir añadiendo rôles a la larguísima lista de personajes interpretados por el gran Domingo (porque sí, es grande). Que Plácido está a la vuelta de todo y puede hacer lo que le venga en gana, nadie lo discute, pero a veces parece que está prohibido valorar negativamente esos experimentos. En fin. ¡Ojalá tuvieramos en la actualidad un tenor como el Domingo, de los años 70!

Pero hablemos de la gala homenaje. Una gala en la que se echaron de menos muchos nombres... Y en los que sí estuvieron presentes muchos ganadores de Operalia, y algunos que no actuaron como Aragall, Elena Obratzova y Angela Gheorghiu. El programa fue el siguiente:

Primera Parte

Freudig begrüßen wir die edle Halle - Tannhauser - Coro y Orquesta del Teatro Real
Da geht er hin - Der rosenkavallier - Deborah Polaski
Ich sah das Kind an seiner Mutter Brust - Parsifal - Angela Denoke
Du bist der Lenz - Die Walküre - Anja Kampe
Au fond du temple saint - Pescadores de Perlas - Paul Groves y Bryn Terfel
Obertura - La Forza del Destino - Orqhesta Teatro Real
Credo in un Dio crudel - Otello - Juan Pons
O don fatale - Don Carlo - Dolora Zajick
Te Deum - Tosca - Bryn Terfel y Coro del Teatro Real

Segunda parte

Va pensiero - Nabucco - Coro y Orquesta del Teatro Real
Ella giammai m'amo - Don Carlo - René Pape
Qual fiamma avea nel guardo! - Pagliacci - Inva Mula
Nemico della patria - Andrea Chenier - Lado Atanelli
Sola, perduta, abbandonata - Manon Lescaut - Ainhoa Arteta
L'alba separa dalla luce l'ombra - Tosti - José Bros
Meine lippen sie kussen so heiB - Giuditta - Sonya Yoncheva
Tres horas antes del dia - La marchenera - Ana María Martínez
Madamina il catalogo e questo - Don Giovanni - Erwin Schrott
PLA-CI-DO (regalo de Tan Dun, estreno absoluto)
Tutto nel mondo è burla - Falstaff - Maite Alberola, Lado Atanelli, Raúl Gimenez, Paul Groves, Xavier Moreno, Inva Mula, Natascha Petrinsky, Juan Pons, Dolora Zajick, Miguel Ángel Zapater, Coro del Tetro Real.

De la primera parte, destacaron sobre todo La Zajick con su O Don Fatale, pese a un apurillo al final del aria; Terfel tanto en el duo de Pescadores como en el Te Deum y sorprendentemente bien Juan Pons en el Credo de Iago.

La segunda parte del concierto, comenzó con Pape y su aria de Felipe II. Pape sólo anduvo cómodo por el centro, rebuscando graves en la zona de abajo que no encontró (evidentes cambios en la voz, cuando engolaba y cuando dejaba de engolar), e intentó medias voces que no siempre salieron. Mula, perdidísima como Nedda. Arteta, pese a la evolución de su voz, de su sentimiento y emoción en Manon Lescaut, no puede cantarla; carece de los graves necesarios y la voz sufrió en la mayoría de subidas al agudo en el que se le descontrolaba el vibrato. Bros no está para cantar, ni Percy , ni Tosti, ni mucho menos el Rodolfo de Bohème, como le comentó a Albert Garceran en una entrevista. Ayer rozó el gallo en la canción de Tosti al querer dar un La; y es que esa voz está abierta y eso no se puede achacar a un resfriado. Sonya Yoncheva, una mezcla de Yoryu y Netre y última ganadora de Operalia, muy bien en la opereta. Y Erwin, salvo algún engolamiento, mejor que las últimas veces que lo he escuchado, aunque es de juzgado de guardia cómo terminó el aria. Lo de Tan Dun, pa´el que le guste

La sorpresa final para Plácido, fue la intervención de Teresona (showomantotal!!!!) que hizo emocionar a Plácido y al que le cantó el "Happy Birthday" a lo Marilyn.

Entrevista a Plácido Domingo, realizada por Iñaki Gabilondo: http://www.megaupload.com/?d=ZBDMSLHW
Primera parte de la Gala: http://www.megaupload.com/?d=LOQOTCPL
Segunda parte de la Gala: http://www.megaupload.com/?d=YLQDC3E1

Pass: zerlinetta

Cavalleria Rusticana-Pagliacci. Teatro alla Scala

2011-01-19T00:46:00.000+01:00

PAGLIACCI

opera in 1 prologo e 2 atti di Ruggero Leoncavallo

Nedda, Oksana Dyka

Canio, José Cura

Tonio, Ambrogio Maestri

Beppe / Arlecchino, Celso Albelo

Silvio, Mario Cassi

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano

direttore, Daniel Harding

regia, Mario Martone

scene, Sergio Tramonti

costumi, Ursula Patzak

http://www.megaupload.com/?d=3U4G3ZUQ

CAVALLERIA RUSTICANA

melodramma in 1 atto di Giovanni Targioni-Tozzetti e Guido Menasci

musica di Pietro Mascagni

Santuzza, Luciana D'Intino

Lola, Giuseppina Piunti

Turiddu, Salvatore Licitra

Alfio, Claudio Sgura

Mamma Lucia, Elena Zilio

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano

direttore, Daniel Harding

regia, Mario Martone

scene, Sergio Tramonti

costumi, Ursula Patzak

http://www.megaupload.com/?d=1H6GNU6U

Pass: zerlinetta

Rayuela

2011-01-17T11:15:00.000+01:00

Había una caja como de zapatos y la Maga de rodillas puso el disco tanteando
en la oscuridad y la caja de zapatos zumbó levemente, un lejano acorde se instaló
en el aire al alcance de las manos. Gregorovius empezó a llenar la pipa, todavía
un poco escandalizado. No le gustaba Schoenberg pero era otra cosa, la hora, el
chico enfermo, una especie de transgresión. Eso, una transgresión. Idiota, por lo
demás. Pero a veces le daban ataques así en que un orden cualquiera se vengaba
del abandono en que lo tenía. Tirada en el suelo, con la cabeza casi metida en la
caja de zapatos, la Maga parecía dormir.
De cuando en cuando se oía un ligero ronquido de Rocamadour, pero
Gregorovius se fue perdiendo en la música, descubrió que podía ceder y dejarse
llevar sin protesta, de legar por un rato en un vienés muerto y enterrado. La
Maga fumaba, tirada en el suelo, su rostro sobresalía una y otra vez en la sombra,
con los ojos cerrados y el pelo sobre la cara, las mejillas brillantes como si
estuviera llorando, pero no debía estar llorando, era estúpido imaginar que
pudiera estar llorando, más bien contraía los labios rabiosamente al oír el golpe
seco en el cielo raso, el segundo golpe, el tercero. Gregorovius se sobresaltó y
estuvo a punto de gritar al sentir una mano que le sujetaba el tobillo.
—No haga caso, es el viejo de arriba.
—Pero si apenas oímos nosotros.
—Son los caños —dijo misteriosamente la Maga—. Todo se mete por ahí, ya
nos ha pasado otras veces.
—La acústica es una ciencia sorprendente —dijo Gregorovius.
—Ya se cansará —dijo la Maga—. Imbécil.
Arriba seguían golpeando. La Maga se enderezó furiosa, y bajó todavía más el
volumen del amplificador. Pasaron ocho o nueve acordes, un pizzicato, y
después se repitieron los golpes.
—No puede ser —dijo Gregorovius—. Es absolutamente imposible que el tipo
oiga nada.
—Oye más fuerte que nosotros, eso es lo malo.
—Esta casa es como la oreja de Dionisos.
—¿De quién? El muy infeliz, justo en el adagio. Y sigue golpeando,
Rocamadour se va a despertar.
—Quizá sería mejor...
—No, no quiero. Que rompa el techo. Le voy a poner un disco de Mario del
Mónaco para que aprenda, lástima que no tengo ninguno. El cretino, bestia de
porquería.

Rayuela, Capítulo 28. (Julio Cortázar)

Vídeo de stand1989

Marilyn Horne, 77 años

2011-01-16T10:38:00.000+01:00

Vídeo de conmaleta
Hoy la gran mezzo norteamericana cumple 77 años. ¡Brava!

P.D. Tras conocer la opinión que tiene sobre ella, un conocido "crítico de voces", hace que me reafirme, en que no tiene ni p*** idea. He dicho.

Black el payaso...

2011-01-14T11:23:00.000+01:00

O de cómo un payaso, se convierte en rey.

Hacer de un mísero payaso, un soberano triunfador;
cambiar en éxito el fracaso, ésta es la fuerza del amor.
Correr el áspero camino, sin que se entibie nuestro ardor
vencer con ímpetu al destino,
¡Esta es la fuerza del amor!.
Como una rosa encendida viniste a mi soledad,
para ofrecerle a mi vida una nueva claridad.
Como una rosa encendida, el triunfo supe obtener
y he de llevarla prendida a tu gloria, mujer.
Lograr que el ánimo despierte,
frente a la angustia y el dolor;
mirar con júbilo a la muerte ...
¡Esta es la fuerza del amor!

BLACK EL PAYASO (1942).Zarzuela en un prólogo y tres actos. Liberto de Francisco Serrano Anguita y música de Pablo Sorozábal.
Romanza de Black "Hacer de mi un mísero payaso", interpretada por Renato Cesari.

La edad de la inocencia

2011-01-10T13:47:00.001+01:00

Era una tarde de enero de comienzos de los años setenta. Christine Nilsson cantaba Fausto en el teatro de la Academia de Música de Nueva York.
Aunque ya había rumores acerca de la cons¬trucción -a distancias metropolitanas bastante remotas, "más allá de la calle Cuarenta"- de un nue¬vo Teatro de la Opera que competiría en suntuosidad y esplendor con los de las grandes capitales euro¬peas, al público elegante aún le bastaba con llenar todos los inviernos los raídos palcos color rojo y dorado de la vieja y acogedora Academia. Los más tradicionales le tenían cariño precisamente por ser pequeña e incómoda, lo que alejaba a los "nuevos ricos" a quienes Nueva York empezaba a temer, aunque, al mismo tiempo, le simpatizaban. Por su parte, los sentimentales se aferraban a la Academia por sus reminiscencias históricas, y a su vez los melómanos la adoraban por su excelente acústica, una cualidad tan problemática en salas construidas para escuchar música.
Madame Nilsson debutaba allí ese invierno, y lo que la prensa acostumbraba a llamar "un públi¬co excepcionalmente conocedor" había acudido a escucharla, atravesando las calles resbaladizas y llenas de nieve en berlinas particulares, espaciosos landós familiares, o en el humilde pero prácti¬co coupé Brown. Ir a la ópera en este último vehículo era casi tan decoroso como hacerlo en carruaje propio; y retirarse de igual manera tenía la inmensa ventaja de permitir (con una alusión jocosa a los principios democráticos) trepar en el primer transporte Brown de la fila, en vez de esperar hasta que apareciera la nariz congelada por el frío y congestionada por el alcohol del cochero particular reluciendo bajo el pórtico del Teatro. Una de las mejores intuiciones del cochero de alquiler fue descubrir que los norteamericanos desean alejarse de sus diversiones aún con mayor prontitud que llegar a ellas.
Cuando Newland Archer abrió la puerta del palco del club, recién subía la cortina en la escena del jardín. No había ningún motivo para que el joven llegara tarde, pues cenó a las siete, solo con su madre y su hermana, y después se quedó un rato fumando un cigarro en la biblioteca gótica con estanterías barnizadas en nogal negro y sillas coronadas de florones, que era la única habitación de la casa donde Mrs. Archer permitía que se fumara. Pero, en primer lugar, Nueva York era una metrópolis perfectamente consciente de que en las grandes capitales no era "bien visto" llegar temprano a la ópera; y lo que era o no era "bien visto" jugaba un rol tan importante en la Nueva York de Newland Archer como los inescrutables y ancestrales seres terroríficos que habían dominado el destino de sus antepasados miles de años atrás.
La segunda razón de su atraso fue de carácter personal. Se le pasó el tiempo fumando su cigarro porque en el fondo era un gozador, y pensar en un placer futuro le daba una satisfacción más sutil que su realización, en especial cuando se trataba de un placer delicado, como lo eran la mayoría de sus placeres. En esta oportunidad el momento que anhelaba era de tan excepcional y exquisita calidad que incluso si hubiera cronometrado su llegada con el director de escena no podría haber entrado en el teatro en un momento más culminante que cuando la prima donna comenzaba a cantar: "Me quiere, no me quiere, ¡me quiere!", dejando caer los pétalos de una margarita entre notas tan diáfanas como el rocío.
Ella decía, por supuesto "¡M´ama!" y no "me quiere", ya que una ley inalterable e incuestiona¬ble del mundo de la música ordenaba que el texto alemán de las óperas francesas, cantadas por artistas suecas, debía traducirse al italiano para mejor comprensión del público anglo-parlante. Esto le parecía muy natural a Newland Archer, igual que todas las demás convenciones que moldea¬ban su vida, como tener que usar dos escobillas con mango de plata y su monograma esmaltado en azul para hacer la raya de su cabello, y la de jamás aparecer en sociedad sin una flor en el ojal (de preferencia una gardenia).
"M´ama... non m´ama..." cantaba la prima donna, y "¡M´ama!" con un estallido final de amor triunfante, en tanto apretaba en sus labios la des¬hojada margarita y levantaba sus ojos hacia el sofisticado semblante del pequeño y moreno Fausto-Capoul, que trataba en vano, enfundado en su estrecha casaca de terciopelo púrpura y con su sombrero emplumado, de parecer tan puro y ver¬dadero como su ingenua víctima.
Newland Archer, apoyado contra la pared del fondo de su palco, quitó sus ojos del escenario y examinó el otro lado del teatro. Justo frente a él estaba el palco de la anciana Mrs. Manson Mingott, cuya monstruosa obesidad la imposibilitaba, desde hacía tiempo, de asistir a la ópera, pero que en las noches de gala estaba siempre representada por los miembros más jóvenes de la familia. En esa ocasión, el palco estaba ocupado, en primer lugar, por su nuera, Mrs. Lovell Mingott, y su hija, Mrs. Welland; detrás, y un tanto retirada de aquellas matronas vestidas de brocado, se sentaba una joven con traje blanco, que miraba extasiada a los amantes del escenario. Cuando el "¡m´ama!" de Madame Nilsson hizo vibrar el teatro silencioso (en los palcos siempre se dejaba de hablar duran¬te el aria de la margarita), un cálido color rosa tiñó las mejillas de la joven, que se ruborizó hasta las raíces de sus rubias trenzas; el rubor se exten¬dió por la juvenil curva de su pecho hasta donde se juntaba con un sencillo escote de tul adornado con una sola gardenia. Bajó los ojos hacia el in¬menso ramo de lirios silvestres que tenía en su regazo, y Newland Archer vio que las yemas de sus dedos, cubiertos por blancos guantes, tocaban suavemente las flores. Sintiendo su vanidad satis¬fecha, Archer suspiró y volvió los ojos al escenario.
No se había ahorrado gastos en la escenografía, que fue calificada de bellísima aun por quie¬nes compartían con Archer su familiaridad con la Opera de París y de Viena. El primer plano, hasta las candilejas, estaba cubierto con una tela verde esmeralda. A media distancia, algunos montículos simétricos de un verde musgo de lana cercado por argollas de croquet hacía de base para arbustos que parecían naranjos y estaban salpicados de enormes rosas rosadas y rojas. Gigantescos pensamientos, muchísimo más grandes que las rosas y muy parecidos a los limpiaplumas florales que hacían las señoras de la parroquia para los clérigos elegantes, sobresalían del musgo bajo los rosales; y aquí y allá una margarita injertada en una rama de rosa florecía con la exuberancia pro¬fética de los remotos prodigios de Mr. Luther Burbank.
En medio de este jardín encantado, Madame Nilsson, vestida de cachemir blanco con incrusta¬ciones de satín azul pálido, un pequeño bolso que colgaba de un cinturón azul y gruesas trenzas amarillas colocadas cuidadosamente a cada lado de su blusa de muselina, escuchaba con ojos ba¬jos los apasionados galanteos de Mr. Capoul, y asumía un aire de ingenua incomprensión a sus propósitos cuando éste, con palabras o gestos, indicaba persuasivo la ventana del primer piso de la pulcra casa de ladrillo que sobresalía en forma oblicua desde el ala derecha.
"¡Qué adorable!" -pensó Newland Archer, cuya mirada había vuelto a la joven de los lirios silvestres-. "No tiene idea de qué se trata todo esto". Y contempló su absorto rostro juvenil con un estre¬mecimiento de posesión en que se mezclaba el orgullo de su propia iniciación masculina con un tierno respeto por la infinita pureza de la joven. "Leeremos Fausto juntos... a orillas de los lagos italianos...", pensó, confundiendo en una nebulo¬sa el lugar de su planeada luna de miel con las obras maestras de la literatura que sería su privile¬gio varonil enseñar a su novia. Fue recién esa tarde que May Welland le dejó entender que a ella "le importaba" (la consagrada frase neoyorquina de aceptación que dice una joven soltera), y ya su imaginación, pasando por el anillo de compromiso, el beso en la fiesta y la marcha nupcial de Lohengrin, la ponía a su lado en algún escenario embrujado de la vieja Europa.

La Edad de la inocencia (Edith Wharton)

Vídeo de jacquesur

Renata Tebaldi y una rareza

2011-01-07T11:53:00.000+01:00

Rareza, porque es el debut como Desdemona, de la gran Tebaldi:
http://www.youtube.com/watch?v=OP_KkULaOkI&feature=related

El acontecimientoo tuvo lugar en el Teatro Verdi de Trieste, en 1945, cuando la soprano contaba con 23 años. ¡Increible cómo sonaba esa voz con sólo 23 años!.

Le acompaña el histórico Francesco Merli como el moro de Venezia.

Concerto di Capodanno 2011

2011-01-02T12:56:00.000+01:00

Viva La Fenice! Es lo único que puedo decir después de haber visto y escuchado 3 conciertos de Fin de Año, que se han emitido por televisión, en las últimas 24 horas.

El de Dudamel/Garanca, lo pillé casi al final, desde que comenzaron con Carmen. Lo de Dudamel es de traca, si Bizet levantara la cabeza, le daba de hostias, seguro. Unos tempi rarísimos que a mi me mataron y creo que a Garanca también, que tuvo algún sustillo. Por otro lado sigo sin ver a Elina cantando Carmen, lo siento, yo quiero a una Carmen racial y "comehombres"; y Garanca no lo es. Aunque debe ser problema mio, por no ser un tio, o ser hetero, porque a mi verla "no me pone". Estuvo mejor en las carceleras, cosa que siempre agradezco a la mezzo letona, su apuesta por la zarzuela.

Lo de Dudamel y Falla, confirmó lo de Carmen. ¿Qué narices hace? de verdad, a mi este chico no me convence...

El del Teatro Real, fue de traca. Todavía no sé cuál era el hilo conductor de la gala/concierto si es que lo tenía... Horrible María Bayo, que no afinaba ni por casualidad y Jordi, pués eso, Jordi... Probablemente lo mejor de la noche, el ballet de Antonio Gades y su Carmen.

Y ayer, el de La Fenice. Me encanta esa orquesta, algo que ya pudimos disfrutar durante el Elisir de Albelo/Rancatore, y ayer dirigida por Harding, me volvió a confirmar. Además, cuenta con un buen coro. Un concierto "italiano" con Verdi, Bellini, Rossini, Donizetti, Puccini y en el que también se coló Mozart, reivindicativo de la cultura italiana, en el momento tan complicado que se está viviendo en Italia.

Los tres cantantes solistas, estuvieron en líneas generales, bien. Aunque Antonio Poli, no tuvo su noche. Es un joven tenor lírico de 24 añitos, con grandes posibilidades, un buen material, con pocos problemas técnicos (bueno, el consorte me diría, que esa "e" es para matarlo) y que yo creo que va a hacer una buena carrera (eso si, a ver si le mete algo de sangre en esa horchata que le corre por las venas). Pero anoche el "Parmi" se le atragantó. No sé si es que andava con algún problema físico, porque debería haber cantado "La danza" de Rossini y no lo hizo.

Creo que es la vez que mejor he escuchado a Desirée Rancatore. Hay algo de la Rancatore que no me gusta nada, y es que tenga 3 colores, uno para el grave, otro para el centro y otro para el agudo. Pero ayer su voz sonó más homogenea que en otras ocasiones y consiguió colocar los agudos y sobreagudos en su sitio, sin sonar gritados ni nada por el estilo. Sorprendidísima me dejó su "Follie, follie".

Luca Pisaroni, fantástico como siempre. Quizás se le podría reprochar cierto engolamiento, en su Fígaro, cosa que no entiendo básicamente porque no le hace ninguna falta.

En definitiva, un buen concierto, que me supo a poco, por su duración; y que alguien grabó y está disponible en youtube:

Vídeos de BISNAH

Eso si... ¿qué hacían los de Fama a bailar, en el ballet?

Felices Fiestas

2010-12-21T10:58:00.000+01:00

L´Elisir d´amore. Teatro La Fenice de Venezia

2010-11-02T16:57:00.000+01:00

TEATRO LA FENICE DI VENEZIA
- Stagione Lirica 2010-2011

L'ELISIR D'AMORE
Melodramma giocoso in due atti di Felice Romani, da Le philtre di Eugène Scribe
musica di Gaetano Donizetti
Adina Désirée Rancatore
Nemorino Celso Albelo
Belcore Roberto De Candia
Dulcamara Bruno de Simone
Giannetta Oriana Kurteshi

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice di Venezia
maestro concertatore e direttore Matteo Beltrami
maestro del Coro Claudio Marino Moretti
regia Bepi Morassi
scene e costumi Gian Maurizio Fercioni
light designer Vilmo Furian

Acto primero: http://www.fileserve.com/file/3xFCEBN

Acto segundo: http://www.fileserve.com/file/gVWXg3G

La grabación tiene algún fallo, por ej. en el bis de la Furtiva. Avisados estáis.

Y como bonus track, el programa de ayer de La Barcaccia, en el que se hace una comparativa del Elisir de Venezia y el de la Scala, con Villazón y Nino Machaidze: http://www.fileserve.com/file/ufwqhsn

Toro Salvaje y Mascagni

2010-10-23T12:40:00.000+02:00

Pantalla en negro. Suenan los primeros acordes del Intermezzo de Cavalleria Rusticana. Aparece el nombre de los productores, de Scorsese y Robert de Niro. Por fin desaparece esa pantalla en negro y lo vemos a él, bailando en el ring. Ese animal salvaje que sólo fue feliz en ese cuadrilátero. El intermezzo, al igual que en la ópera, nos introduce en lo que será la tragedia. En este caso, la historia del boxeador Jack La Motta, un ser autodestructivo (con paralelismos obvios con el propio Scorsese en ese momento de su vida), violento, celoso, imprevisible, desconfiado por naturaleza, y que destruye lo que más quiere: su familia y su carrera como boxeador. Un ser con complejos y con un sentimiento de inferioridad que le abocan a esa autodestrucción.

Vídeo de albertopuig1967

Si los títulos de crédito del principio son ya historia del cine, existe una secuencia que para mi es la mejor de toda la película y que también está acompañada por la música de Mascagni:

Vídeo de carzypenguin88

En menos de tres minutos asistimos al ascenso hasta lo más alto del boxeador, al mismo tiempo que vemos sus momentos felices a nivel familiar: su vida con su esposa, el nacimiento de sus hijos, la boda de su hermano... Todo ello en imágenes que parecen sacadas de una cámara de 8 mm. Pero si la imagen es importante, tanto o más lo es la múscia, en este caso la Barcarolla de Silvano, que como en tantas otras ocasiones, Scorsese es utilizada como elemento dramático. En este caso, se consigue una emotividad y una belleza pocas veces alcanzadas. Todo conseguido en gran medida por el montaje de Thelma Schoonmaker.

Porque si Toro Salvaje es una obra maestra del cine, lo es por la historia de LaMotta, por la dirección de Scorsese, por el montaje de Schoonmaker, por las interpretaciones de Robert de Niro y Joe Pesci, pero también por Mascagni, el leit motiv sonoro de la película.

Virginia Zeani

2010-10-22T10:32:00.000+02:00

Ayer cumplió 85 años, esta pedazo de soprano y de señora.

Vídeo de CharlotteWeimar

Ay, ay, ay

2010-10-21T11:12:00.000+02:00

Leo en Parterre lo siguiente:

La Cieca hears that Placido (”Simon Boccanegra is the only baritone role I’m interested in singing”) Domingo is going to expand his repertoire yet again, to Athanaël in Thaïs, sometime in 2012. The role after that, La Cieca hears, will be eponymous, but as of now the title is known to only a few chosen people.

La Cieca se equivoca. Plácido, ya cantó anteriormente de barítono, como Vidal de Luisa Fernanda. O quizás, Plácido si que dijo eso, y en este caso se contradice..., o es que yo no lo entiendo . Pero no pasa nada, no sería la primera vez, porque yo pensaba que era tenor... y a lo mejor ya no lo es, pero ahora va a cantar Cyrano en San Francisco, y es un papel para tenor... ¡qué lío!

Vídeo de ClassicalTV
Ay, ay, ay. Claro que, Athanaël (barítono) tiene más importancia que Nicias (tenor)...

Mmm... ¿y dónde?

¿?
Vídeo de holograficbrilliant

Attila en Busseto

2010-10-15T11:40:00.000+02:00

Pues al final, fue menoso verdicidio de lo que esperábamos (bueno, el consorte igual no opina lo mismo), lo que sucedió ayer en el teatrino de Busetto, territorio del maestro Verdi y del maestro Bergonzi (el mejor Foresto de la discografía).

El teatro, es pequeñísimo, con una capacidad para 250 espectadores, y eso se traduce también en el tamaño del escenario. Con lo cual, creo yo, debe ser bastante complicado para la puesta en escena (Agatarco, sabrá más de esto, puesto que ha trabajado en más de una ocasión en Busseto). Ayer se resolvió con unas proyecciones digitales en el fondo del escenario, que fueron las encargadas de situar la acción. La verdad es que en algunos momentos, parecía sacadas las imágenes del Age of Empires. El vestuario era una mezcla de Avatar, Xena la princesa guerrera y Star Treck, que no me convenció en absoluto. Y en cuanto a la dirección de los cantantes, fue divertidísimo (resultaba cómico) ver como salían y entraban a escena en medio de un aria, duo o cabaletta. Desde nuestra "maldad", pensamos que tenían preparadas bombonas de oxígeno en los laterales del escenario, que eran utilizadas por los cantantes en esas idas y venidas.

En cuanto a los cantantes, bastante jóvenes todos ellos, estuvieron bastante reguleros,

Attila, el bajo Giovanni Battista Parodi, fue probablemente el más flojo de la noche. Un bajo con problemas en su registro grave y en el agudo, quedando sólo salvable su centro, que también tendía a abrirse. Pero yo los he escuchado mucho peores.

Ezio, el tenor Sebastian Catana. Y pongo tenor y no barítono, porque este chico no es barítono. A pesar de ello, es decir esa voz baritonal artificial, tuvo mucho gusto fraseando, sabía que estaba cantando Verdi y así lo hizo.

Odabella, por Susanna Branchini. Salió e intentó cantar a lo Dimitrova

Vídeo de Bubbete1
Pero Dimitrova sólo hay una y los webs y poderío de la búlgara, por mucho que esta chica intente imitarlos, no los tiene. Branchini, estuvo gritona toda la noche, con desfinaciones y caladas constantes, si bien es cierto, que fueron menos en el acto segundo y tercero. Pero es bruta, bruta, tanto cantando como interpretando por que los meneos que les pegaba a sus partenaires, tela. Vamos, casi acaba con Foresto en el duo.

Y por último, Foresto por Roberto de Biasio. Debe ser jodido cantar Foresto en "casa de Bergonzi" (aunque Don Carlo no se encontraba en el teatro y lo estaba viendo por la televisión, según declaró su esposa que fue entrevistada por TV PARMA). Tiene muy buenas intenciones y está en estilo, pero tiene también problemas y alguno gordo. Porque tiene la voz engolada (aunque no siempre), buscando sacar más voz de la que tiene (es muy ligero), pero lo más grave son los problemas de apoyo, que le descolocan la voz y pierde la impostación. Era una pena ver como cada vez que cantaba, le costaba unos segundos volver a colocar la voz, sobre todo en el Che non avrebbe il misero en la que no sabía hacer con ella. Donde estuvo más entonado fue en duo con Odabella, donde consiguió que no lo arrastrara la soprano, que iba fuera de tono.

La dirección musical a cargo del jovencísimo Andrea Battistoni, salvo algún momento chimpunpero, estuvo bastante bien, dirigiendo con garra y ritmo.

El audio de la representación, se puede descargar en:
http://www.megaupload.com/?d=724LQQ6P Prólogo y Acto I
http://www.megaupload.com/?d=V5WQE7DS Acto II y III

He leído esta mañana que Nina tiene el vídeo y no sé si lo subirá al blog. Yo sólo grabé el audio, porque la calidad de imagen es bastante mala.

Y por último, recordar el reparto completo:
Attila
Dramma lirico in un prologo e tre atti,
libretto di Temistocle Solera completato da Francesco Maria Piave,
dalla trilogia Attila, König der Hunnen di Zacharias Werner
Musica di GIUSEPPE VERDI
Personaggi Interpreti
Attila GIOVANNI BATTISTA PARODI
Ezio SEBASTIAN CATANA
Odabella SUSANNA BRANCHINI
Foresto ROBERTO DE BIASIO
Uldino CRISTIANO CREMONINI
Leone ZYIAN ATFEH
Duci, re e soldati unni, gepidi, ostrogoti, eruli, turingi e quadi, druidi, sacerdotesse, popolo, uomini e donne d’Aquileia, donzelle di Aquileia in abito guerriero, ufficiali e soldati romani, vergini e fanciulli di Roma, eremiti, schiavi
Maestro concertatore e direttore
ANDREA BATTISTONI
Regia
PIERFRANCESCO MAESTRINI
Scene e costumi
CARLO SAVI
Video proiezioni
ALFREDO TROISI
Luci
BRUNO CIULLI
Maestro del coro
MARTINO FAGGIANI
ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Nuovo allestimento del Teatro Regio di Parma

Más Festival Verdi: en directo, Attila

2010-10-14T11:08:00.000+02:00

Al igual que el pasado domingo, hoy se podrá seguir en directo por TV PARMA (http://www.tvparma.it/diretta_tv.html) la retransmisión del Festival Verdi, a las 20:00h.

Hoy es el turno de Attila:
Attila
Dramma lirico in un prologo e tre atti,
libretto di Temistocle Solera completato da Francesco Maria Piave,
dalla trilogia Attila, König der Hunnen di Zacharias Werner
Musica di GIUSEPPE VERDI

Personaggi	Interpreti
Attila	GIOVANNI BATTISTA PARODI
Ezio	SEBASTIAN CATANA
Odabella	SUSANNA BRANCHINI
Foresto	ROBERTO DE BIASIO
Uldino	CRISTIANO CREMONINI
Leone	ZYIAN ATFEH

Duci, re e soldati unni, gepidi, ostrogoti, eruli, turingi e quadi, druidi, sacerdotesse, popolo, uomini e donne d’Aquileia, donzelle di Aquileia in abito guerriero, ufficiali e soldati romani, vergini e fanciulli di Roma, eremiti, schiavi
Maestro concertatore e direttore
ANDREA BATTISTONI
Regia
PIERFRANCESCO MAESTRINI
Scene e costumi
CARLO SAVI
Video proiezioni
ALFREDO TROISI
Luci
BRUNO CIULLI
Maestro del coro
MARTINO FAGGIANI
ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Nuovo allestimento del Teatro Regio di Parma

Joan Sutherland. Un pequeño homenaje.

2010-10-13T12:47:00.000+02:00

El lunes por la tarde lloré mucho, es más, no podía parar de llorar. Debo ser tonta, llorar la muerte de una persona que no conoces. Pero así fue, porque ella me ha hecho muy feliz y por suerte, gracias a las grabaciones, lo seguirá haciendo el resto de mi vida. Por ello, La Stupenda necesitaba un pequeño homenaje, un repaso por su vida , acompañado de fragmentos de audio (que gracias a dios, hay muchísimo y gracias también que los poseedores en muchos casos de "rarezas", han compartido con el resto de aficionados). Como "base" de texto, he utilizado parte del artículo que Gonzalo Badenes, escribió para la revista Ritmo y que está recogido en el libro, Voces. Comenzamos.

Joan Sutherland nació en Sidney (Australia) en noviembre de 1926. Su madre era pianista y poseía una buena voz de mezzosoprano. Ella le inculcó la afición por el canto y durante muchos años fue su única profesora. Cuando Joan finalizó sus estudios consiguió un empleo como secretaria y en sus ratos libres continuó entrenándose en el canto. Cuando aún no había cumplido los veinte años, realizó una serie de giras por diversas ciudades australianas.

En 1947 debutó cantando Dido y Eneas de Purcell en versión concierto. En 1949 ganó el Primer Premio en el Concurso “Sun Aria” por su interpretación del aria “Ritorna Vincitor” de Aida. Poco tiempo después, en 1950, alcanzó el Primer Premio del Concurso “”Mobile”, cantando “Voi lo sapete” de Cavalleria Rusticana y el “Dich teure Halle” de Tannhäuser.

Vídeo de lahire22

Vídeo deHomoclassicus

El premio consistía en 1.000 libras y ser considerada la mejor cantante de Australia. Ello le valió actuaciones por todo el país, especialmente en oratorios y conciertos. Por entonces protagonizó la obra de Eugene Goossens Judith en el Conservatorio de Sidney. En 1951 Joan decidió trasladarse a Inglaterra para ampliar sus estudios con Clive Carey. Consiguió una audición en el Covent Garden y fue contratada por el teatro londinenese para la temporada 1952-53. Sus primeros papeles fueron la Primera Dama de La Flauta Mágica, la Sacerdotisa de Aida, Amelia en Un Ballo in maschera, la Condesa Almaviva en Las Bodas de Fígaro, Lady Penelope Rich en Gloriana de Britten y Clotilde en Norma (en unas representaciones que tuvieron como protagonista a Maria Callas).

Vídeo de ilsanculotto

Durante la temporada 1953-54 cantó Agathe de Der Freischütz e inopinadamente una Aida (en abril de 1954) sustituyendo a la indispuesta Joan Hammond durante una gira de la compañía.

Vídeo de operbathosa

En 1954-55 incorporó los tres papeles de soprano de Los Cuentos de Hoffmann y el difícil papel de Jennifer en la ópera de Tippet The Midsummer Marriage.

En 1955-56 fue Micaela en Carmen y en la temporada siguiente interpretó Pamina, Eva (de Los Maestros Cantores) y Gilda (de Rigoletto).

Vídeo de actor001

En 1956-57 cantó Desdémona (del Otello verdiano, junto a Vinay) y creó el papel de Madame Lidone en el estreno londinense de Diálogos de Carmelitas de Poulenc, quien arregló la partitura para que se ajustara a las capacidades vocales de Joan.

Vídeo de Homoclassicus

En 1957 cantó el papel protagonista de Alcina de Händel en la St. Pancras Assembly Rooms de Londres, y en junio de 1958 realizó varias grabaciones para una pequeña firma privada.

Vídeo de Homoclassicus

En 1954 Joan había contraído matrimonio con Richard Bonynge, un pianista de origen australiano que residía en Londres desde 1950 (había ido allí para estudiar con Herbert Fryer, un antigüo discípulo de Busoni).

Richard y Joan, que ya se habían conocido en Australia, iniciaron juntos una labor de investigación en el olvidado repertorio del Bel Canto. Pronto se demostraría que éste era el verdadero campo de actuación de la soprano. Es más, fue el propio Richard el que transformó, esa voz inicial de Joan, haciéndola mejorar en el registro grave y en el agudo, dotándolo de mayor nitidez y brillo. Durante el ciclo 1958-59 cosechó un éxito grandioso al interpretar el papel de la Mujer Israelita en el Sanson de Händel.

Vídeo de operbathosa

Aquel triunfo llevó a Sir David Webster, administrador general del Covent Garden, a confiarle la protagonista de Lucia di Lammermoor, una ópera que no se había representado en el teatro londinense desde 1925.

Vídeo de actor001

Las representaciones de la ópera de Donizetti significaron la consagración definitiva de la Sutherland en un repertorio que iba a dominar como pocas cantantes antes y después de ella. Los críticos británicos no vacilaron en compararla con las más grandes sopranos coloratura del pasado, como la Tetrazzini o la Melba. Las consecuencias de aquel éxito no se hicieron esperar: además de iniciar un contrato discográfico en exclusiva con la DECCA, la Sutherland fue invitada a cantar en París, Palermo, Génova y Venecia.
A continuación escucharemos dos de los tracks de este primer recital que grabó con DECCA, dirigida por Nello Santi

Mercè, dilette amiche (I Vespri Siciliani)

Ah! tardai troppo... O luce di quest'anima (Linda di Chamounix)

En 1960 protagonizó I Puritani de Bellini, en Glydebourne, en una producción especialmente pensada para ella. Hacía setenta años que no se había representado en Inglaterra la ópera de Bellini.

Vídeo de operamagnus

En febrero de 1960 la Sutherland cantó, por primera vez en su vida, La Traviata, en Covent Garden.

Vídeo de actor001

La Sutherland debutó en Italia en 1960, cantando la Alcina de Händel en la Fenice de Venecia, en una espectacular producción dirigida por Franco Zeffirelli, con quien ya había colaborado en la Lucia londinense de 1959. Y fue aquí, en Venecia, donde surge el apodo La Stupenda.

En 1961 cantó por primera vez en la Ópera de París y en el Festival de Edimburgo.

Aunque ya había cantado en Norteamérica, en 1958, el papel de Donna Anna del Don Giovanni, el año 1961 representó el verdadero comienzo de su carrera en los Estados Unidos. Además de realizar una extensa gira de conciertos y representaciones operísticas, la Sutherland acometió su esperado debut en el Metropolitan , el 26 de noviembre de 1961, con una ya legendaria interpretación de Lucia di Lammermoor (junto a Richard Tucker), una ópera que acababa de cantar en Chicago, Dallas y San Francisco.

Vídeo de AmorediPazzia

En aquel mismo año se presentó en la Scala de Milán, nuevamente con Lucia, rodeada de Gianni Raimondi y Ettore Bastianini. Poco después en el mismo escenario, cantó Gli Ugonotti de Meyerbeer con un reparto de lujo: Franco Corelli, Giulietta Simionato, Nicolai Ghiaurov y Fiorenza Cossotto; Semiramide de Rossini y Don Giovanni de Mozart.

Vídeo de LindoroRossini

Vídeo de AmorediPazzia

La Beatrice di Tenda de Bellini constituyó otro resonante triunfo, en el Metropolitan, donde cantó por primera vez con Marilyn Horne, y que coincidió con el fallecimiento de su madre.

Vídeo de midas45

Durante las temporadas de 1960-61 y 1961-62 cantó I Puritani (Gianni Iaia, Manuel Ausensi, Lofrenzo Gaetani ) y Lucia (André Turp, Giuseppe Lamacchia, Aaron Cohen ) en el Liceu de Barcelona.

Desde el año 1962 recorrió Canadá, Estados Unidos, Gran Bretaña y varios países del continente europeo en compañía de su esposo, Richard Bonynge, quien debutó como director, al frente de la Orquesta de la Academia de Santa Cecilia de Roma, en el mes de enero. Al mismo tiempo, Sutherland ampliaba su repertorio de grabaciones.

En 1963 cantó su primera Norma sobre un escenario. Fue en el Festival de Vancuver. Le acompañaba John Alexander y Marilyn Horne. Junto a la gran Horne, al año siguiente, grabaría en estudio una de las mejores versiones discográficas de Norma.

Vídeo de AmorediPazzia

1964 fue un año especialmente intenso: durante la primavera cantó La Sonnambula en el Met, durante la Feria Mundial de Nueva York e I Puritani, en el Covent Garden, en una producción que supuso el debut en aquel teatro de Richard Bonynge. En el mes de junio incorporó la Lucia en la Scala. Esta misma ópera la cantó en el Met, como inauguración de la temporada 1964-65. En junio de 1965 regresó a Australia con la Sutherland/Williamson International Grand Opera Company, con Richard Bonynge como director artístico y musical, y por espacio de 3 meses desarrolló una gira por diversas ciudades de aquel continente, interpretando Lucia, La Sonnambula, Semiramide, La Traviata, Faust, Eugen Onegin y L´elisir d´amore. Además, en esta gira contó con un desconocido tenor de Módena, Luciano Pavarotti.

Vídeo de Homoclassicus

En 1966, canta Puritanos con Kraus, de la que se conserva una grabación de las representaciones de San Francisco.

También esta segunda mitad de los sesenta, debuta com Marie, en la Fille du regiment y en Lakmé. Pero será Marie uno de sus rôles favoritos, que la permitían mostrar su lado más cómico:

Vídeo de coloraturafan2

Llegamos a la década de los setenta y la voz de Joan ha cambiado. El centro se ensancha y consolida, a la vez que gana graves. Es la hora de incorporar nuevos personajes: Lucrezia Borgia, Esclarmonde (recuperada por Bonynge), Maria Stuarda.

Vídeo de AmorediPazzia

Vídeo de castodivo

Vídeo de AmorediPazzia

A finales de los setenta y en los ochenta, comienza el declive. Continua incorporando nuevos personajes, como la Elettra mozartiana, la Amelia de I Masnadieri, o la Adriana Lecouvreur de Cilea. Anna Bolena (que quizás debió afrontar antes) y La Ofelia de Hamlet, serán sus últimas incorporaciones.

Tras una serie de galas de despedida, en el Met, Covent Garden, La Stupenda pone fin a su carrera a los 63 años.

Vídeo de Drelnis

Ha fallecido Joan Sutherland

2010-10-11T15:43:00.000+02:00

Según he leído en en algunos medios, ha fallecido a los 83 años, Dame Joan Sutherland.
http://www.smh.com.au/entertainment/opera/the-voice-of-a-century-dead-at-83-20101012-16g8q.html
http://www.theatermania.com/new-york/news/10-2010/dame-joan-sutherland-dies-at-83_31206.html

Joder!

D.E.P. LA STUPENDA

Verdicidio el dia de su cumpleaños

2010-10-11T13:34:00.000+02:00

Verdicidio: dicese del atentado contra la obra de Giuseppe Fortunino Francesco Verdi.
Y la verdad, es que he asistido a más de uno este fin de semana, que además se celebraba el cumpleaños del maestro.

En parte, la culpa ha sido mía. Tenía previsto asistir a la retransmisión de Das Rheingold, que desde el Met, se hacía en cine. Pero éste resfriado que llevo encima y la lluvia del sábado por la tarde, me lo impidieron. Tocó quedarse en casa y "tirar de radio y tele". Echando un vistazo a lo que se programaba, la verdad es que lo más interesante a priori, era el Otello que se retransmitía en directo desde París y que contaba con Heppner en el rôle principal. Heppner no es un tenor que me satisfaga en repertorio italiano pero me apetecía escucharlo. La verdad es que las cosas cuando van mal, siempre pueden ir a peor y así fue. Heppner iba a ser sustituído por Franco Farina...

Aún así, decido comenzar la escucha dando el beneficio de la duda... Pero todo era raro, esa orquesta sonaba extraña (dirigía Daniel Harding), como si servidora estuviera bajo los efectos del "dopping" de los medicamentos que lleva en el cuerpo... Sin embargo, el consorte que estaba a mi vera y que no se había tomado nada, confirmó mis impresiones. Y no era sólo la orquesta, el coro también estaba rarito.

Seguimos, llegaba el "Esultate". Se masca la tragedia. Farina roza el gallo en "nostra e del ciel è gloria!" y termina su entrada de forma "aseadita". Uff, estaba claro que estaba a punto de quitarlo, además en mezzo ponían Un Ballo in maschera (la del Real, con Marcelo Álvarez), con lo cual a las 20:30, se acababa este Otello para mi. Aún pude comprobar que la actuación de Franco Vassallo como Iago, iba a estar a la altura de Farina... orrore

Este Ballo, cuando lo escuché por radio en su momento, me pareció bastante malo, pero viéndolo el sábado, me pareció todavía peor.

Vídeo de Onegin65
Uff! y Vratogna es Rafa Mora haciendo de barítono.

Ayer, era el turno de I Vespri siciliani, que gracias a TV PARMA, se podía ver en directo por internet. Probablemente la mayor decepción del fin de semana. La primera, la pésima toma de sonido de la retransmisión, en la que parece que sólo había dos micrófonos y uno no funcionaba. Sólo se escuchaba bien a los cantantes cuando se acercaban al de la derecha:

Después la dirección orquestal. No se puede consentir, por ejemplo, que una de las mejores oberturas del maestro, suene a chimpumpera. No, eso debería ser un delito penado con cárcel.

Vídeo de mestreludwig
Por cierto, escuchando la obertura me acordé de cierta situación. En un lugar cibernético dedicado a la ópera, alguien preguntó por la obra que sonaba en la cabecera de un conocido programa italiano. Otro miembro (con cierta fobia a los compositores italianos), de este lugar cibernético, respondió que se había recorrido todo el "interneté" y que no había conseguido identificarla. Otro salió diciendo que era la obertura de las Vísperas. Por arte de magia, el mensaje del que se había recorrido todo internet, desapareció sin dejar huella...

Pero volvamos a lo de ayer. Armiliato cascado no, lo siguiente. Voz engolada al máximo, voz abierta, tirando de falsete en algunos momentos, muy lamentable. Parece que al comienzo del acto V (yo corté en el descanso), anunciaron que sufría una indisposición (dolor de cabeza) pero que seguiría cantando. ¿El dolor de cabeza, provoca que se tenga la voz engolada? Pues no lo sabía. Lo que no sé es cómo va a cantar Otello...

Daniela Dessì, como que pasaba por allí. Totalmente descentrada, ida, como si con ella no fuera la película, no anduvo fina. Desde luego nada que ver con ésta:

Vídeo de hotazzoperastud

Nucci, no tuvo su mejor noche (dejémoslo ahí), como Guido de Monforte. Y Prestia, como Procida, cánido total. Todavía sigo preguntándome cómo demonios se aplaudió el "O tu Palermo" ¡Y EN PARMA! ¿ESTAMOS CERCA DEL FIN DEL MUNDO?

Quien quiera hacerse una idea de lo que fueron estas Vísperas, tengo el audio de los 3 primeros actos (me negué a seguir escuchando tras el descanso):
http://www.megaupload.com/?d=XFVYBTGH
La contraseña: zerlinetta.

Y por último, algo que no tiene nada que ver con Verdi: Viendo la campaña que desde el Teatro Real se estaba haciendo para vender entradas, con esos superdescuentos, sólo faltaba que las regalaran. Pues casi, casi, porque a mi me salió gratis ver el Mahagonny. La pasaron ayer tarde por mezzo, en concreto la función del día del estreno, la que dieron también en los cines. Pero ni en el twitter ni en el facebook del teatro se comentó nada. Y mira que me extraña, porque son unos hachas vendiendo las óperas...

P.D. Muy flojita Mahagonny

I Vespri siciliani, en directo

2010-10-10T11:57:00.000+02:00

Esta tarde, a partir de las 20.00h, se podrá seguir en directo la "prima" de I Vespri siciliani desde Parma, en TVPARMA: http://www.tvparma.it/diretta_tv.html

El reparto será el siguiente:

I Vespri siciliani
Opera in cinque atti, libretto di Eugène Scribe e Charles Duveyrier
Musica di GIUSEPPE VERDI

Personaggi	Interpreti
Guido di Monforte	LEO NUCCI
Il Sire di Bethune	DARIO RUSSO
Il conte di Vaudemont	ANDREA MASTRONI
Arrigo	FABIO ARMILIATO
Giovanni da Procida	GIACOMO PRESTIA
La duchessa Elena	DANIELA DESSÌ
Ninetta	ADRIANA DI PAOLA
Danieli	RAOUL d’ERAMO
Tebaldo	ROBERTO JACHINI VIRGILI
Roberto	ALESSANDRO BATTIATO
Manfredo	CAMILLO FACCHINO

Siciliane e siciliani, soldati francesi
Maestro concertatore e direttore
MASSIMO ZANETTI
Regia, scene e costumi
PIER LUIGI PIZZI
Coreografie
ROBERTO MARIA PIZZUTO
Luci
VINCENZO RAPONI
Maestro del coro
MARTINO FAGGIANI
ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA

Raro, raro, raro

2010-10-04T13:19:00.000+02:00

Ha sido un fin de semana raro en cuanto a escuchas radiofónicas. Raro, porque lo que he estado escuchando, según he leído por los mundos de internet, no se ajustaban a la realidad. Todo esto es muy raro. Raro, raro, raro...

Comenzamos con el viernes, con la retransmisión de la Carmen del Liceu. Según las crónicas, Alagna pletórico, sobrado de medios y sin problemas en el agudo.

Suspicious minds... la mía, claro, teniendo en cuenta cómo está Alagna. A si que:

No sabe donde meter el si bemol final, que es lo que "más canta", además de tener los agudos abiertos.De la escucha salió una conversación muy interesante con el consorte, sobre "esa cobertura" del pasaje de Alagna y de qué puede estar haciendo, de cómo cerrar cuerdas vocales que están abiertas... Pero contarlo y explicarlo no me corresponde a mi. Si le apetece, hará una entradita en el blog

El sábado, Lucrezia Borgia con Grube y Bros.

Hace tiempo que Bros no está bien. Fue especialmente alarmante el Duca que cantó en Madrid. Tras las Doñas Francisquitas de Liceu, se contaba que había recuperado los agudos (que los había puesto en su sitio). Pero:

Esos agudos siguen estando estrangulados.

Y para rematar el sábado, me encuentro con Keenlyside metido en camisa de once varas:

¿Pero qué narices hace cantando Rigoletto?????

Vittorio Grigolo: 'The Italian Tenor'

2010-09-27T13:09:00.000+02:00

Me entero gracias a Intermezzo que, se puede escuchar el disco del Mini-Pollione on-line, hasta el 5 de octubre. Me ha llamado la atención que tenga los webs de incluir la romanza de Roberto de Le Villi "Torna ai felici dì", una de mis arias favoritas y una de las más jodidas escritas por Puccini para tenor. ¡Qué más da si se necesita ser un spinto/dramático para cantarla y tener un pasaje a prueba de bombas! ¡Si la criatura va a cantar Pollione, ya puede con todo! En fin...

Otra cosa. Esta noche (madrugada) comienza el Anillo del Met y para aquellos que puedan y quieran escuchar el Oro, se podrá escuchar en directo. El reparto será el siguiente:

Conductor: James Levine
Freia: Wendy Bryn Harmer
Fricka: Stephanie Blythe
Erda: Patricia Bardon
Loge: Richard Croft
Mime: Gerhard Siegel
Wotan: Bryn Terfel
Alberich: Eric Owens
Fasolt: Franz-Josef Selig
Fafner: Hans-Peter König
The Production Team
Production: Robert Lepage
Set Designer: Carl Fillion
Costume Designer: François St-Aubin
Lighting Designer: Etienne Boucher
Video Image Artist: Boris Firquet

Extrañas asociaciones

2010-09-17T13:34:00.000+02:00

+

Vídeo de adrianapantojera
=

Vídeo de presto415

Testa di tenore

2010-09-15T12:49:00.000+02:00

Vídeo de jorgeliebermann

Magdalena Kožená , nuevo disco en octubre

2010-08-16T12:57:00.000+02:00

Magdalena Kožená, saca nuevo disco en el mes de octubre, titulado Lettere Amorose.

Vídeo de deutschegrammophon1

El disco proviene de la grabación del concierto que Kožená, dio el año pasado en Aix en Provence, junto a Private Musicke, y que fue retransmitido por Arte tv.

Vídeos de Gudrun74

Entrevista a Celso Albelo

2010-08-03T10:59:00.000+02:00

En la que habla de sus próximos proyectos...

El Dia.es

JOSÉ A. DULCE, S/C de Tfe.

La carrera internacional de Celso Albelo parece haber entrado en una autopista por la que el joven cantante tinerfeño -en tantos sentidos heredero del gran Alfredo Kraus- circula con más prudencia que velocidad. Atento a cada uno de sus pasos, el tenor lagunero va enriqueciendo su repertorio con nuevos personajes, obteniendo paulatinos reconocimientos, como el obtenido en los V Premios Nacionales de la Lírica, y conquistando nuevos destinos.

Si todavía quedan escépticos, pueden frotarse los ojos o, mejor, graduar sus lentes porque Albelo no sólo repetirá la próxima temporada en el Teatro Real, sino que en el ciclo 2010-2011 le aguardan debuts en los principales santuarios de la lírica europea, desde el Liceo de Barcelona a La Scala de Milán, pasando por el Convent Garden de Londres, la Fenice de Venecia o los escenarios parisinos de La Bastilla y los Campos Elíseos. Desde Roma, donde esos días vuelve a investirse con las galas del Duque de Mantua, respondió a la siguiente entrevista:

Se encuentra en el festival romano que se celebra en las termas de Caracalla, representando "Rigoletto", o lo que es lo mismo reencarnando al duque de Mantua, caballo de batalla de muchos tenores. ¿Cuál es su visión del personaje? ¿Sigue a través de él la línea "krausiana" que guía su trayectoria?

Kraus siempre ha sido, para mí, referencia absoluta a la hora de afrontar los personajes. Entre ellos está, desde luego, el Duque de Mantua, pero es que además en esta ocasión tengo la oportunidad de cantar bajo la dirección del maestro Renzetti, que alguna vez dirigió a Kraus. Es fundamental para mí realizar un Duque elegante, basado en la palabra, remarcando las intencione y reguladores musicales que Verdi escribe, y así destacar ese carácter libertino, caprichoso pero a la vez aristocrático del Duca. He tenido la suerte de hacer muchas veces el papel con el gran Leo Nucci, quien compartiera escenario con Alfredo, y cada vez que nos encontramos para cantar esta ópera, Leo me indica ciertos matices que me ayudan a encontrar el camino. Sin duda, otra buena guía para mí.

En los próximos días regresa a España para atender dos compromisos en Galicia y Cataluña, donde además vuelve a reunirse con grandes voces que ya se han cruzado en su camino, caso de Desirée Rancatore.

Sí, regreso a Santiago de Compostela para cantar (el 4 de agosto) en la Gran Gala Lírica en el marco del Xacobeo Classics. Vuelvo por segunda vez este año al Xacobeo; la primera fue con un recital, acompañado al piano por Rubén Fernández, y junto a Mariella Devia. Esta vez compartiré escenario con Desirée, pero también con Cristina Gallardo-Dômas, Maria Guleghina, Marco Berti, Leo Nucci y María José Montiel. Todos cantaremos con la Filarmónica de Galicia, dirigida por Pietro Rizo. En Cataluña ya estuve, precisamente antes de viajar a Roma. Allí he interpretado "Don Pasquale", obra que abrió el Festival de Peralada. Formé parte de un elenco fantástico, que me ha permitido compartir un montón de cosas con cantantes como Carlo Colombara, Isabel Rey o Manel Esteve. Un marco incomparable, el Festival de Peralada. Uno se da cuenta por qué lleva tantos años siendo referencia en el ámbito de los festivales de verano en España.

Antes del verano cosechó un nuevo triunfo con "La sonámbula" en el Festival de Ópera de Las Palmas. ¿Sigue considerándola una de sus plazas propicias?

Sí, porque es como jugar en casa? Ellos (por los organizadores del festival) tienen una gran tradición operística, manejan la temporadas con un rigor artístico importante y facilitan mucho las cosas a los artistas, de ahí la calidad que cada año muestran en sus espectáculos. Con "La Sonnambula" pude apreciar el cariño de la gente, el respeto hacia mi trabajo. Hicimos cuatro funciones, y si no se registraron llenos completos en todas ellas, poco faltó. La próxima temporada volveré con "L'Elisir D'amore", una producción del festival que espero nos depare otro buen momento. Por añadidura, siguen contando conmigo para el futuro. ¿Cómo no la voy a considerar una de mis plazas?

Si no ha cambiado de opinión, Giancarlo del Monaco le tenía en mente para un futuro proyecto en el festival Ópera de Tenerife. Incluso se ha barajado montar una ópera de tema canario o con voces canarias. ¿Está al tanto?

Sinceramente, no lo sé? El último proyecto fue un concierto, pero por diversos problemas no se pudo concretar. En cuanto a lo de la ópera canaria, no tengo ni idea, ni si se hará con voces canarias o sin ellas; preciso, además, que las voces canarias pueden hacer obras canarias o de repertorio. Obviamente, me encantaría cantar en Tenerife, pero desearía presentarme con obras que hago en otros lugares, las que tengo en repertorio o aquellas otras que quisiera incluir próximamente en él: intentar dar en el Auditorio lo mejor de mí con aquellos roles que mejor se adapten a mi momento vocal. Esperemos que dejen hacer al maestro Del Monaco y quiera contar conmigo.

¿Apoyaría una eventual fusión de los festivales líricos de Tenerife y Las Palmas?

Sinceramente, creo que no es un proyecto viable y, en mi modesta opinión, ni aconsejable.

Su palmarés también se va ampliando poco a poco, de hecho viene de obtener un importante reconocimiento en los V Premios Líricos. ¿Qué supone para usted y cuándo cree que, al menos a este nivel, se dejará de verle como cantante revelación?

Si, este año me han dado el premio revelación en los Premios Líricos Nacionales por mi interpretación de Lord Arturo Talbot en "I Puritani", en La Coruña. Un reconocimiento que me hace especial ilusión, ya que se trata de un papel muy complicado, era la primera vez que lo representaba en España y lo hacía en mi otra casa: el Festival de Ópera de La Coruña. Que me reconozcan de esta manera es muy emocionante y de agradecer. Emocionante para mí también, porque entre los galardonados de este año están nombres como Leo Nucci, José Van Dam o Nina Stemme, grandísimos, obviamente, y no como revelaciones (ja, ja, ja). Nucci obtuvo el premio al mejor cantante masculino por su "Rigoletto" en el Teatro Real, donde yo hacía el Duca; Nina Stemme logró el reconocimiento a la cantante femenina y Van Dam, a toda su carrera. Supongo que superar la condición de revelación será cuestión de tiempo. Es normal que me cataloguen así, no llevo muchos años cantando; apenas comienzo a hacerlo. Lo importante es mantener la regularidad y conservar las ganas de seguir aprendiendo .

La temporada 2010-2011 promete ser decisiva: "L'Elisir D'amore" en La Fenice de Venecia; "Pagliacci" en La Scala de Milán y, de nuevo, "La sonámbula", esta vez en el Covent Garden de Londres. ¿Comienza a ver cumplido un sueño?

En realidad, el sueño se empezó a cumplir desde el momento en que pude dedicarme profesionalmente a la música. Eso, de por sí, ya es un sueño. Llegar a cantar en escenarios importantes y con profesionales que te exigen un alto nivel implica mayor responsabilidad, pero también serenidad, estudio y la confianza en uno mismo que permita cumplir las expectativas. Ante la posibilidad de debutar en La Scala, bajo la batuta del maestro Daniel Harding y con una nueva producción, no caben otras sensaciones que la de la emoción y la seguridad de que te lo pasarás bien haciendo buena música. También me siento un privilegiado por llegar al Convent Garden bajo la dirección de Daniel Oren, con un titulo y un autor ("Sonnambula", Bellini) que están dentro del mas puro bel canto. Espero dar lo mejor de mí para agradecer esta ocasión que me brinda la ópera de Londres.

Liceo y Teatro Real también le aguardan. ¿Con qué producciones?

En el Real de Madrid hay un proyecto para cantar con Ana Netrebko, pero todavía debemos esperar. En el Liceo, hay dos títulos en agenda: "Il Pirata", de Bellini, y una vez más "La Sonnambula". Ambas cosas se están trabajando y aún debemos esperar para poder hablar con más calma de directores, compañeros de reparto, escenografía?

En Francia, concretamente en la Ópera de La Bastilla, le espera "La hija del regimiento". ¿Qué espera de ese desafío habida cuenta la tradicional exigencia del público parisino y la peligrosa "ligereza" del teatro de Donizetti, en el que tantos naufragan?

Como en todos los retos, espero que con trabajo y dedicación llegaremos a buen puerto. Complicación añadida es presentarse en París con una opera en francés, pero, como siempre he dicho, si existe algún secreto éste es el estudio y el sacrificio. Donizetti -y en especial "La hija del regimiento"- es uno de los autores al cual mejor se adaptan mis características vocales. De este compositor he cantado "Maria Stuarda", "L'Elisir D'amore" o "Lucia de Lammermoor" y siempre me he encontrado cómodo. También en París, pero en los Campos Elíseos, contemplo cantar "La Favorita", del mismo Donizetti, "Don Giovanni", de Mozart, y algo más, pero aún es pronto para adelantarlo.

Sin dejar Francia, ¿le tienta la Grand Opera, en la que Kraus hizo pocas pero memorables incursiones?

Me encantaría poder abordar con garantías los papeles masculinos de "Werther", "Manon" o "Romeo e Giulietta", óperas que con una normal evolución vocal deberé cantar. Y una vez más tendré que tomar como referencia al maestro. Del repertorio francés he cantado "Lakmé" en Tokyo y "Los pescadores de perlas" en Trieste. Guardo magníficos recuerdos de ambas experiencias.

Volverá a reunirse en Londres con Antonio Pappano, interpretando al pescador de "Guillermo Tell", un personaje que tampoco es nuevo para usted. ¿Ha pensado explorar el catálogo de Rossini o no se considera una voz plenamente rossiniana?

Exacto, en octubre estaré en Santa Cecilia de Roma bajo la batuta del maestro Pappano, con un "Guillermo Tell" que además será grabado. Si bien ya canté el pescador en Roma y en el Concertgebouw de Ámsterdam (además de interpretar el Stabat Mater de Rossini en el Festival de Pésaro, dirigido por Alberto Zedda), pienso que mis características vocales y mi trabajo más profundo van dirigidos hacia autores más plenamente belcantistas como Bellini y Donizetti. El canto rossiniano exige dotes que creo no tener y, en cierta medida, no van en la misma dirección del trabajo que estoy realizando.

Pappano le dedicó elogios a su paso por el Festival de Música de Canarias. ¿Qué relación le une al maestro italiano y cómo trabaja con el cantante?

Antonio Pappano tiene una energía especial, trabaja al 200 por cien en cada sesión y es capaz de sacar lo mejor de sus intérpretes en todo momento. Se trata de un hombre paciente y a la vez exigente, una figura cuya forma de concebir la música te permite aprender muchos pequeños detalles. Me alegra que haya querido contar conmigo otra vez para este "Guillermo Tell" y estoy igualmente contento por cantar en el Covent Garden, teatro del cual es director musical.

Hablando del Festival de Música de Canarias, sus organizadores apuestan finalmente por usted con los tres recitales que ofrecerá a comienzos de 2011.

Será justo después de mi paso por Milán. Para mí resulta una invitación muy especial dentro de un año especial, entre otros motivos porque me brindará la oportunidad de actuar en el teatro Leal de mi ciudad, La Laguna. Acompañado al piano por Rubén Fernández, haremos un poco de todo: canción española, zarzuela y ópera. Debo decir que desde que Candelaria Rodríguez llegó al cargo de directora artística, mostró un interés especial en contar no sólo conmigo, sino con los canarios mas internacionales en este ámbito.

A estas alturas, ¿puede hablarse en su caso de un repertorio firmemente asentado? ¿Hacía qué papeles y obras piensa orientar su carrera en el futuro?

A estas alturas... Bueno, como dije antes, acabo de empezar, pero creo tener claros los papeles que mejor se adaptan a mi momento. Son justo los que hago: Ernesto, de "Don Pasquale"; Nemorino, de "L'Elisir"; Leicester, de "Maria Stuarda"; Elvino, de "La Sonnambula"; Arturo, de "I Puritani"; Nadir, de "Los pescadores de perlas"; el Duca de "Rigoletto" y otros, pero siempre en la misma línea. Siempre hay sitio para más, pero eso debe ir aflorando en razón de cómo madure tu instrumento y tus capacidades, y como este oficio es un continuo evolucionar, el tiempo dirá. Hablando de Donizetti, roles de tenor que incorporaré relativamente pronto serán los de "Lucrezia Borgia", "Anna Bolena" y "Linda de Chamounix". Hablar de un plazo más largo sería teorizar demasiado sobre la evolución vocal. Prefiero concentrarme en lo inmediato y profundizar en estos papeles.

Kraus abrió la entrevista y Kraus la cierra. El gran tenor canario hablaba a veces de los sentimientos de ansiedad, soledad y peligro que acometen al cantante sobre el escenario. ¿Cree, con Kraus, que el espíritu se fortalece en la lucha contra la adversidad, que ésta saca del cantante recursos insospechados incluso para sí mismo?

Este tipo de sensaciones son muy personales. Supongo que cada uno de nosotros las pasamos y gestionamos de manera diversa. Aunque pueda parecer lo contrario, es una vida llena de soledad y ansiedad, aspectos que pueden volverse en tu contra si no te acostumbras rápido y sabes tratar con ellos. En cierto sentido, es lo mas difícil de esta carrera. Elegir esta vida ha sido decisión mía: poder trabajar y realizarse con ella es, en sí, un privilegio. Mi enfoque artístico, junto con el amor y el cariño de mi familia, suponen para mí el apoyo más preciado. No olvidemos que tal como está la situación económica actual, con tanta gente pasando dificultades de todo tipo, nosotros, aun con nuestros miedos, ansiedades y todo lo demás, somos afortunados por tener trabajo, y, encima, realizarnos en un oficio que amamos.

Götterdämmerung. Bayreuth 2010

2010-08-02T21:03:00.000+02:00

Götterdämmerung
Conductor Christian Thielemann
Director Tankred Dorst
Stage design Frank Philipp Schlößmann
Costumes Bernd Ernst Skodzig
Dramaturgy Norbert Abels
Choral Conducting Eberhard Friedrich

Siegfried Lance Ryan
Gunther Ralf Lukas
Hagen Eric Halfvarson
Alberich Andrew Shore
Brünnhilde Linda Watson
Gutrune Edith Haller
Waltraute Christa Mayer
1. Norn Simone Schröder
2. Norn Martina Dike
3. Norn Edith Haller
Woglinde Christiane Kohl
Wellgunde Ulrike Helzel
Floßhilde Simone Schröder

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pass: zerlinetta

Siegfried. Bayreuth 2010

2010-07-31T12:43:00.000+02:00

¿Se puede calificar de "decepción" la actuación de Lance Ryan, ayer en Bayreuth? Reconozco que no le he escuchado su Siegfried valenciano, pero sí que conocía las buenas críticas que había cosechado. Entonces, la respuesta a la decepción sería sí.

Pero el otro día, antes de la Valquiria, en casa estuvimos escuchando audios tanto de Johan Botha como de Ryan. La verdad es que ninguno de los dos nos gustó, aunque le dimos más posibilidades a Botha que a Ryan (palabrita del niño Mozart, que fue así). De este, le escuchamos una "forja" que hay por youtube, en la que no se le escuchaba (tapado por la orquesta). Pero no sólo era esto, había más cositas, que en la escucha de ayer se confirmaron. Por lo tanto, no hubo decepción.

Lo primero de todo es que Ryan es un tenor lírico y punto. Por lo tanto le viene grande el papel de Siegfried por todos los lados. La voz se le va a la nariz y la zona de paso se le queda abierta y sin cubrir, lo que provoca el famoso "tembleque de voz", y agudos abiertos y de "gañote". Además que tiene una voz "fea", lo que provocó junto al "tembleque", que las voces del Sigfried y el espantoso Mime de Wolfgang Schmidt, sonaran muy similares (la única diferencia es que a Lyan le temblaba la voz, y a Schmidt hasta los dedos de los pies). Si eso ocurrió ya al principio de la ópera, podéis imaginar como llegó a su encuentro con Brunilda...

Del resto, nada que no sepamos ya. Por lo tanto, a disfrutar de la orquesta y de Thielemann.

Siegfried
Conductor Christian Thielemann
Director Tankred Dorst
Stage design Frank Philipp Schlößmann
Costumes Bernd Ernst Skodzig
Dramaturgy Norbert Abels

Siegfried Lance Ryan
Mime Wolfgang Schmidt
Der Wanderer Albert Dohmen
Alberich Andrew Shore
Fafner Diógenes Randes
Erda Christa Mayer
Brünnhilde Linda Watson
Waldvogel Christiane Kohl

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Parsifal. Bayreuth 2010

2010-07-30T12:08:00.002+02:00

Y en la jornada de descanso del Anillo, se representó Parsifal, algo que no es muy habitual. Una producción de este drama sacro, que ya va por su tercer año en Bayreuth, de la mano de Daniele Gatti y Stefan Herheim y que siempre ha cosechado un gran éxito.

Daniele Gatti, siempre ha optado ppor dar una interpretación muy clásica de Parsifal, a la estela de los grandes como Kna, lenta, llena de introspección y espiritualidad, misticismo, muy acorde con el significado de esta obra. Pero esa lentitud, no hay que confundirla con tedio y creo que eso pasó ayer durante el primer acto. Para mi gusto, se le quedó sin tensión, y la orquesta no sonó como el día anterior con Thielemann. Hubo como una "adormidera" general. Por suerte, en el acto segundo se recuperó, dando la tensión y sensualidad necesaria de este acto, y en el tercero volvió a brillar el misticismo.

En el apartado vocal, el reparto era casi el mismo que en años anteriores. Diógenes Randes (Titurel), Thomas Jesatko (Klingsor) y Christopher Ventris (apurado Parsifal), que estuvieron "correctos" como en años anteriores. Kwangchul Youn, encargado de dar vida Gurnemanz, suele funcionar muy bien, a pesar de ese recurso a la gola, pero un señor que lleva 3 días seguidos cantando, y además Wagner, me merece todos mis respetos y más por la forma que lo está haciendo (recordemos que lo habitual es que entre función y función exista 1 día por medio, como mínimo; y dependiendo del personaje, algunos necesitan más días). Amfortas, fue Detlef Roth, que yo todavía no sé en qué cuerda canta, pero que me sigue pareciendo horroroso.

La única novedad fue la Kundry de Susan Maclean. La mezzo norteamericana debutaba en Bayreuth con uno de los papeles más terribles por su extensión vocal, y podemos decir que aprobó su examen, si bien es cierto que en el registo agudo no anduvo fina.

Parsifal
Conductor Daniele Gatti
Director Stefan Herheim
Stage design Heike Scheele
Costumes Gesine Völlm
Dramaturgy Alexander Meier-Dörzenbach
Choral Conducting Eberhard Friedrich

Amfortas Detlef Roth
Titurel Diógenes Randes
Gurnemanz Kwangchul Youn
Parsifal Christopher Ventris
Klingsor Thomas Jesatko
Kundry Susan Maclean
1. Gralsritter Arnold Bezuyen
2. Gralsritter Friedemann Röhlig
1. Knappe Julia Borchert
2. Knappe Ulrike Helzel
3. Knappe Clemens Bieber
4. Knappe Willem Van der Heyden
1. Soloblume Julia Borchert
2. Soloblume Martina Rüping
3. Soloblume Carola Guber
4. Soloblume Christiane Kohl
5. Soloblume Jutta Maria Böhnert
6. Soloblume Ulrike Helzel
Altsolo Simone Schröder

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Esta tarde retomamos el Anillo, con Sigfrido y el debut de Lance Ryan.

Die Walküre. Bayreuth 2010

2010-07-29T14:33:00.000+02:00

Y llegó la jornada del Anillo a Bayreuth. Función que marcaba la número 100 de Christian Thielemann... ¡y cómo la celebró!. Si bien nos tiene acostumbrados a destacar en la archifamosa cabalgata, este año para mi, lo más destacado fue el acto primero. Nos regaló un duo de welsungos lleno de belleza, lirismo, intimidad... pocas veces he escuchado tanta belleza. Thielemann, contaba este año con una nueva pareja de welsungos y eso se notó. Dudo mucho que con Endrik Wottrich hubiera funcionado. Pero es que este año había un nuevo Siegmund, Johan Botha.

Dotado de una voz modesta, que a veces se le iba a la nariz y en alguna que otra ocasión a la gola, cantó con los medios que disponía, no buscó cosas raras. Si bien es cierto, que en osaciones esos medios fueron insuficientes, como se pudieron comprobar en los "Wälse" que fueron cortitos y tapados por la orquesta. Pero salvo esto, resultó un Siegmund tremendamente válido para los días que corren, sobre todo en las partes más líricas. Por fín un Siegmund que "no ladra". Destacado también su La natural, que cerraba el duo.

Edith Haller, fue la encargada de encarnar a Sieglinde. Yo la había visto cantar Tannhauser en Madrid y me sorprendió las dificultades que tuvo para afrontrar Sieglinde. Si bien en el primer acto estuvo muy correcta (salvo alguna que otra calada), conforme avanzó la Valquiria, Haller se vino a bajo. Desafinando constantemente y demostrado que le viene grande el rôle. Muchísimo mejor Westbroek, el año pasado.

Kwangchul Youn, como Hunding, tiene que tirar de gola en sus notas más graves, pero acometió muy bien su papel.

Tras el excelente acto primero, llegaba el segundo con la entrada de Wotan, Brünnhilde y Fricka. La dirección de Thielemmann, se vino arriba y volvió a sonar más contundente.

Albert Dohmen, lo conocemos bien. Es un "fraseador", que no dispone de los medios vocales óptimos para Wotan, lo que provoca que la voz se abra por arriba y de graves ande justo. No mete miedo.Su monólogo me resulto un tanto aburrido, si vien sus "Adioses" se vieron beneficiados por Thielemann y la orquesta, que volvió a crear otro de esos momentos mágicos. Pero Dohmen, llegó reventado y se vació por completo, lo que le costó que la llamada a Loge quedara de aquella manera.

Linda Watson, más de lo mismo con su Brunilda, nada nuevo bajo el sol. A demás de sus continuos gritos y desafinaciones llegó ahogadísima en el duo con Wotan del último acto.

Y Mihoko Fujimura, correcta como siempre. Y las valquirias gritonas a más no poder.

Die Walküre
Conductor Christian Thielemann
Director Tankred Dorst
Stage design Frank Philipp Schlößmann
Costumes Bernd Ernst Skodzig
Dramaturgy Norbert Abels

Siegmund Johan Botha
Hunding Kwangchul Youn
Wotan Albert Dohmen
Sieglinde Edith Haller
Brünnhilde Linda Watson
Fricka Mihoko Fujimura
Gerhilde Sonja Mühleck
Ortlinde Anna Gabler
Waltraute Martina Dike
Schwertleite Simone Schröder
Helmwige Miriam Gordon-Stewart
Siegrune Wilke te Brummelstroete
Grimgerde Annette Küttenbaum
Rossweisse Alexandra Petersamer

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Esta tarde, Parsifal.

Das Rheingold. Bayreuth 2010

2010-07-28T13:02:00.000+02:00

Ayer dio comienzo a las últimas representaciones de este Anillo, dirigido por Christian Thielemann y con la puesta en escena de Tankred Dorst. Serán las últimas, porque el próximo Anillo que se represente en Bayretuh tendrá lugar en 2013, y con otros protagonistas.

Hablar del Anillo en Bayreuth, en estos últimos años, es hablar de Thielemann. Es la estrella de este Anillo, y ayer por fín me lo demostró en el Oro. Siempre que le he escuchado la primera jornada, me ha parecido que dirigía con el "piloto automático". Se suele decir que Das Rheingold es la más difícil de las 4 jornadas del Anillo y nunca le había encontrado especialmente inspirado. Pero ayer, Thielemann supo sacar lo mejor de la orquesta en la entrada de los gigantes y, en la subida y bajada del Nibelheim.

En el apartado vocal, sólo destacar a los 2 gigantes, Kwangchul Youn (Fasolt) expléndido como siempre, y Diógenes Randes, que asumía este año el papel de Fafner. Andrew Shore, como siempre sacando la parte histriónica de Alberich. Albert Dohmen, reservón en su papel de Wotan, teniendo en cuenta lo que le espera por cantar los próximos días, aunque yo este año lo he encontrado menos fino. En cuanto a las damas, destacadas la Fricka de Mihoko Fujimura y la Freia de Edith Haller, que cantará hoy Sieglinde.

Lo peor de la tarde fue sin duda, Wolfgang Schmidt perpetrando a Mime. por desgracia, es algo habitual, ya que este señor suele repetir todos los años. Para más inri, tocará sufrirlo en el Siegfried. Y las Hijas del Rhin, que anduvieron bastante gritonas y mal empastadas.

Veremos qué nos depara esta tarde, Die Walküre...

Das Rheingold
Conductor Christian Thielemann
Director Tankred Dorst
Stage design Frank Philipp Schlößmann
Costumes Bernd Ernst Skodzig
Dramaturgy Norbert Abels

Wotan Albert Dohmen
Donner Ralf Lukas
Froh Clemens Bieber
Loge Arnold Bezuyen
Fasolt Kwangchul Youn
Fafner Diógenes Randes
Alberich Andrew Shore
Mime Wolfgang Schmidt
Fricka Mihoko Fujimura
Freia Edith Haller
Erda Christa Mayer
Woglinde Christiane Kohl
Wellgunde Ulrike Helzel
Floßhilde Simone Schröder

Descarga: http://www.megaupload.com/?d=GFQ3LDZG
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Las ratitas de Lohengrin

2010-07-27T13:33:00.000+02:00

Vídeo de la nueva producción de Lohengrin, de Bayreuth:

Origen: http://www.nordbayerischer-kurier.de/videos/0_1977_2231/details_81.htm

Lohengrin. Bayreuth 2010

2010-07-26T11:53:00.000+02:00

Ayer tarde, surgía la gran duda: piscina o Lohengrin. Y por descontado, gano la piscina. Lohengrin no es mi ópera wagneriana favorita y el reparto no hacía indicar que fuera un Lohengrin que fuera a pasar a la historia. Pero claro, estaba el morbo de escuchar a Jonas Kaufmann, en su debut en la verde colina...

Total, que escuchamos parte del acto primero y el tercero completo. La entrada del cisne no hizo presagiar nada bueno. Kauffmann la interpretó ¿a media voz? y con unos signos de ahogamiento muy alarmantes. Por lo demás, nada nuevo en este tenor. Voz o bien metida en la nariz, o bien en la gola, o bien en los dos. La voz se libera cuando sube al agudo y la voz no está siempre cubierta. Lo más destacable fue la interpretación del duo con Elsa, en el acto tercero, donde el consorte dijo que no había sonado nada mal y con la voz más liberada que de costumbre (claro, que él lo comparaba con el Werther parisino, que lleva marcado a fuego, jejeje). A mi me sonó como siempre. En el In Fernem Land, más de lo mismo, intentos de medias voces y de pianos que no se escuchan, con lo que no están bien hechos. Intentos meritorios de hacer algo "bonito", pero que no sabe. Por cierto, hubo berrido en el agudo.

Annette Dash, resultó una voz demasiado pequeña para Elsa. Una soprano mozartiana, cantando Wagner (creo que era su primera incursión en territorio wagneriano), cantando con gusto. Muy bien el duo antes señalado, excepto por esos agudos que resultaron completamente gritados.

Evelyn Herlitzius, interpretó, ¡perdón! perpetró a Ortrud. ¡Qué espanto! ¿de dónde la han sacado a una mezzo como esta que no tiene graves y que se pasó la tarde gritando?. Algo parecido podemos decir de Hans Joachim Ketelsen (Telramund), que era el sustituto de Gallo, con un "parlato" continuo y que sonaba a cualquier cosa menos a barítono. Georg Zeppenfeld, como el rey Heinrich, cumplió.

Andris Nelsons, fue el encargado de dirigir la orquesta de Bayreuth, que sonó bien. No escuché ninguna cosa "rara", pero tampoco pasará a la historia. El coro, fantástico.

Si queréis escuchar este Lohengrin, pongo a continuación los enlaces de la grabación de Bartok Radio, que creo que no tuvo ningún problema de grabación salvo en el acto tercero, donde hubo unos segundos de bajada de bitrate. En Radio Clásica, parece que se les cortó en el duo y pusieron a Konya. Ese corte aquí no aparece.
Acto 1 http://www.megaupload.com/?d=6D9YOUXH

Acto 2 http://www.megaupload.com/?d=OJR3Q4BS

Acto 3 http://www.megaupload.com/?d=LFQ3CWGX

Y el reparto completo:

Conductor Andris Nelsons
Director Hans Neuenfels
Stage design Reinhard von der Thannen
Costumes Reinhard von der Thannen
Dramaturgy Henry Arnold
Choral Conducting Eberhard Friedrich
Lohengrin Jonas Kaufmann
Heinrich der Vogler Georg Zeppenfeld
Elsa von Brabant Annette Dasch
Friedrich von Telramund Hans-Joachim Ketelson
Ortrud Evelyn Herlitzius
Der Heerrufer des Königs Samuel Youn
1. Edler Stefan Heibach
2. Edler Willem Van der Heyden
3. Edler Rainer Zaun
4. Edler Christian Tschelebiew

De la puesta en escena poco que decir, vistas las fotos de la producción y el abucheo al final de la retransmisión...

Cesare Siepi y Cole Porter

2010-07-24T12:38:00.001+02:00

Como bien sabéis, hace unos días, falleció Cesare Siepi. En su momento no hubo entrada dedicada a "mi bajo", más por falta de ganas que por otra cosa. La verdad es que, últimamente, este blog parece la sección de necrológicas del ABC (por desgracia, llevamos una rachita muy mala). Y de las últimas defunciones, la más importante para la que escribe, es la de Siepi.

Hace unos años leí un estudio en el que se afirmaba que las mujeres preferíamos a los hombres con voces graves. Si me hubieran preguntado a mi, ¡desde luego que lo hubiera afirmado!.
Existen voces que, desde su primera escucha te atrapan, te mueven por dentro, te seducen... y a mi, sólo me ha pasado 2 veces. Con dos voces masculinas y graves: un barítono, Titta Ruffo, y un bajo, Cesare Siepi. Esa voz de bajo noble, acariciadora, aterciopelada, cálida, homogénea en todos los registros, esa dicción inmaculada, esas "erres"... Lo dicho, mi bajo por excelencia.

No hice una entrada en el blog, pero no me puedo olvidar de él, por lo que pensé que una manera de recordarlo era con un disco que grabó con canciones de Cole Porter. Para quienes no conozcan la faceta de Siepi cantando estas canciones, seguro que quedan encantados y sorprendidos de cómo Siepi hizo suyas estas canciones y observarán que las composiciones de Porter se ajustaban como un guante a la voz aterciopelada de Siepi.

Lo dicho, a disfrutar de Cesare Siepi en explendor, de Cole Porter y de canciones italianas, que también incluye el recital.

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Anthony Rolfe Johnson (1940 – 2010)

2010-07-22T17:53:00.000+02:00

Falleció ayer, a los 69 años. Descanse en paz.

Vídeo de whiteocean78

Angela Gheorghiu=Florero

2010-07-20T18:14:00.000+02:00

Vídeo de telemadrid

Eso es lo que el entrevistador (no pongo "periodista", porque desconozco si el elemento encargado de hacer la entrevista tiene la carrera...) ha considerado que era la soprano rumana, Angela Gheorghiu, en el directo para Telenoticias 2, de hoy. (Del minuto 55, hasta el final del vídeo) .

Si la noticia era Plácido Domingo y exclusivamente se quería informar sobre él (cosa que no dudo, puesto que no se han mencionado nada de las representaciones del primer reparto del Simon Boccanegra, que ya se ha estrenado en el Teatro Real de Madrid) y no le piensas preguntar ABSOLUTAMENTE NADA, no la lleves. Porque para bien o para mal (esto ya es cuestión de gustos) Angela Gheorghiu, es una de las sopranos más importantes de la actualidad y no creo que tenga que aparecer como objeto decorativo de nadie, en una entrevista. Porque eso es lo que ha sido durante los 5 minutos que dura la entrevista.

Para el entrevistador, le recomiendo que si quiere "adornar" sus entrevistas en el Real, le aconsejo que se de un paseíto por el teatro que hay tapices muy bonitos y que seguro que dan muy bien en cámara.

Los Oscar de la Lírica

2010-07-19T12:28:00.000+02:00

Un premio internazionale a cadenza annuale tutto dedicato al mondo dell’Opera: il prossimo 31 agosto sarà l’Arena di Verona a fare da cornice alla prima edizione degli oscar della lirica, promossi dalla Fondazione Verona per l’Arena. Il soprano Mirella Freni e il baritono Carlo Bergonzi saranno i primi a ritirare l’oscar, un riconoscimento per loro alla carriera; dal prossimo anno saranno premiate cinque categorie (soprano, mezzosoprano, tenore, basso e contralto), oltre che orchestre, direttori, scenografi e costumisti. Da subito sarà riconosciuta particolare attenzione ai giovani, cui è dedicato il premio speciale Giovanni Zenatello che sarà consegnato da Katia Ricciarelli. Alla serata celebrativa di fine agosto saranno presenti anche il pianista Giovanni Allevi e la prima ballerina dell’Opera di Parigi, Eleonora Abbagnato, che si esibirà insieme all’amico Benjamin Pech. Sul palcoscenico dell’Arena saliranno, tra gli altri, Celso Albelo, Maria Alejandres, Ziyan Atfeh, Francesco Demuro e George Petean; l’orchestra dei ‘Virtuosi italiani’ sarà diretta dal maestro Corrado Rovaris della Philadelphia Opera Company. La sigla di apertura sarà curata dalla Rbr dance company, mentre in chiusura si esibirà il coro dei Manos Blancas Venezuela-Italia, il cui sponsor è il maestro Claudio Abbado.
“L’opera – ha detto il presidente della Fondazione, Giordano Veronesi – non solo ha profonde radici nella storia italiana ed europea, ma ci consente anche di guardare al futuro grazie alle infinite possibilità interpretative che offre, alla nascita di nuovi talenti”. Su richiesta della Fondazione veronese, è stato avviato a fine giugno l’iter per il riconoscimento dell’opera lirica come patrimonio culturale immateriale dell’Unesco: “In un momento in cui sono in atto delle contestazioni, anche legittime – ha spiegato l’ideatore dell’oscar, Alfredo Troisi, segretario generale della Fondazione Verona per l’Arena – e in cui c’è disattenzione generalizzata, soprattutto a livello istituzionale, far riconoscere all’opera lirica questo valore significa attribuirle maggiore attenzione”. I biglietti per assistere alle esibizioni del 31 agosto – garantiscono gli organizzatori – saranno messi in vendita a un prezzo inferiore a quello delle normali serate operistiche dell’Arena; i posti sulle gradinate costeranno 18 euro per favorire la partecipazione dei giovani.

Fuente: http://www.tafter.it/2010/07/08/industria-dello-spettacolo-nasce-loscar-della-lirica-la-prima-edizione-il-31-agosto-a-verona/

Osca della Lirica

D.E.P. Giuseppe Taddei

2010-06-02T21:42:00.000+02:00

Ha fallecido hoy, a los 94 años, el GRANDÍSIMO barítono italiano Giuseppe Taddei.

Un auténtico barítono (no como muchos que actualmente, "ponen" voz de barítono), fraseo ejemplar, línea de canto impecable, heredero de los grandes barítonos italianos del pasado... Grande interpretando a Verdi, Puccini... pero sobre todo ejemplo de lo que debería ser un BARÍTONO MOZARTIANO.

Vídeo de Onegin65

Descanse en paz, Giuseppe Taddei

Técnicos de sonido amateur

2010-05-24T13:54:00.003+02:00

¿Quién de nosotros no ha manipulado nunca un audio? Cortar un fragmento determinado, ripear un cd, cambiar el formato de un audio, extraer el audio de un dvd... ¿verdad que lo hemos hecho más de una vez?. No hay nada de malo en ello (bueno, igual alguna sociedad privada que no pienso mentar no piensa lo mismo...). Pero los hay que van más allá de los ejemplos citados, dando vía libre a ese técnico de sonido que llevan dentro. Las ciencias avanzan que es una barbaridad, y hoy en día, quien más quien menos, tiene acceso a editores de audio, desde los más simples a los más "sofisticados" como por ej. Adobe Audition.

Seguro que dando una vuelta por youtube habéis visto más de un video "raro". Hay por ahí algún antikrausista que montó un video comparando el Werther de Kraus, con el de Jonas Kaufmann. Además de poner una serie de gilipolleces en el vídeo, el autor del montaje (y nunca mejor dicho) alteró, modificó, falseó el audio de Kraus. Pero no es el único vídeo, en el que un sinvergüenza manipula una grabación de Kraus. Hay por ahí una romanza de zarzuela, también manipulada que tiene como más inri que, utiliza como audio "base", una grabación que pertenece a 1998, es decir, un año antes de morir. Los que hemos escuchado grabaciones de Kraus de esos últimos años de vida, sabemos que no sonaban bien (otra cosa era en directo, donde el consorte mantiene que esa voz no tenía nada que ver con lo que se recogía en las grabaciones, pero eso no justifica esa canallada. En ambos casos está hecho a mala milk, mala folla o como queráis llamarlo.

¿Hay más casos? Por desgracia, sí. Veamos uno práctico: Luciano Pavarotti, cantando "O Colombina"

Vídeo de DaffodilsLiles

¿A que suena raro, verdad?. Si se leen los comentarios del vídeo, alguien pregunta por qué está bajada la tonalidad. Pero, ¿hay algo más en ese audio?. Vamos a verlo.

Lo primero es localizar la grabación original. En este caso, yo sólo conozco una grabación de "O Colombina", interpretada por Pavarotti y que además tiene acompañamiento a piano (como en el vídeo). Pertenece al vídeo Italian Tenor, donde Pavarotti habla de los tenores italianos que le influenciaron, e interpreta algunas arias. Este es el corte del vídeo (lo he subido yo)

Fijáos en la velocidad del audio, en la duración de los vídeos... el primero 1.49 y el mío 1.32. Si extraemos los audios de los videos y abrimos el Adobe Audition se ven las diferencias.

¿Qué habría que hacer para que nuestro audio se pareciera al youtube?

Como se ve en el pantallazo, le bajamos medio tono y expandimos en el tiempo y ya está

A si que, cuando escuchéis cosas por ahí, id con los oidos limpios, que a veces, dan gato por liebre. Y si, hay que saber qué es cantar (y sin el libro de Reverter a mano), pero también es importante no tener un oído enfrente del otro.

P.D. Felicidades a Celso Albelo por su debut en la Scala, la próxima temporada (precisamente, con el Arlequin de Pagliacci)

Allor che irato freme

2010-05-12T13:20:00.000+02:00

Aria "Allor che irato freme", de la ópera Artaserse; de Domènech Terradellas.
Interpretada por Marivi Blasco (soprano; Juan Bautista Otero (director);
Real Compañía Ópera de Cámara (RCOC).

Ópera y compositor muy muy interesante.

Nos dejó Giulietta

2010-05-05T20:12:00.000+02:00

Ha sido un palo muy gordo. A punto de cumplir los 100 años (el próximo miércoles 12) nos ha dejado, una de las mejores mezzo-sopranos de la historia y para ésta que escribe, su mezzo favorita: Giulietta Simionato.

No sé qué escribir sobre ella, porque todo lo que se diga de su arte, será poco. Porque fue una mezzo que cantó casi todo y bien. Desde la Seymour, de Anna Bolena (mítico el duo con Callas en La Scala); pasando por Santuzza (probablemente la mejor de la discografía); Adalgisa, sus "Rossinis", Cherubino, repertorio francés, Leonora de La Favorita, la Principessa di Bouillon en Adriana Lecouvreur; cualquiera de sus "Verdis" (desde Quickly, a Eboli,Ulrica, Ammneris...)pero sobre todo Azucena. Uno de los papeles que más veces cantó en escena y para mi, "SU PERSONAJE".

Vídeo de felipecunha

Descanse en paz, Giulietta.

Vídeo del nuevo Anillo del Met

2010-05-04T19:33:00.000+02:00

Ya se puede ver un pequeño adelanto de lo que será la nueva producción del Anillo wagneriano, encargado de abrir la próxima temporada del Metropolitan (en realidad, durante la próxima temporada sólo se representará el Oro, el 27 de septiembre; y en abril será el turno de La Valquiria).

Esta nueva producción corre a cargo de Robert Lepage, quien le ha dado un toque "Furero" (o eso me ha parecido a mi al ver el vídeo). Y en apartado musical estará por supuesto, dirigido por James Levine y con cantantes como Bryan Terfel (Wotan), Deborah Voigt (Brunilda), Ben Heppner (Siegfried), Jonas Kaufmann (Siegmund) y Eva María Westbroek (Sieglinde) que serán los encargados de dar vida a los principales rôles de la tetralogía wagneriana.

Para ver ese adelanto: click (abajo a la izquierda de la página)

Un poquito de barroco "british"

2010-05-03T20:44:00.000+02:00

Vídeo de civileso

Catherine Bott, interpreta Lovely Selina. El texto de la canción es anónimo, pero la música pertenece al compositor organista inglés, John Blow.

Lovely Selina, innocent and free
From all the dangerous arts of love,
Thus in a melancholy grove
Enjoy'd the sweetness of her privacy.
Till envious gods, designing to undo her,
Depatch'd the swain not unlike to woo her.

It was not long e'er the design did take:
A gentle youth, born to persuade,
Deceiv'd the too, too easy maid.
Her [scrip]1 and garland she did forsake,
And rashly told the secrets of her heart,
Which the fond man would ever more impart.

False Florimel, joy of my heart, said she,
'Tis hard to love, and love in vain;
To love, and not be lov'd again.
And why should love and prudence disagree?
Pity ye pow'rs, that sit at ease above,
If e'er you know what 'tis to be in love!

El Clavo Ardiendo

2010-05-02T09:33:00.001+02:00

¡Qué me gusta a mi este clavo ardiendo!

florez puritani zerlinetta

2010-04-30T16:16:00.000+02:00

Para el/la/los/las que andan buscando por la red "florez puritani zerlinetta" (hoy me he encontrado varios y en blog del consorte, también), voy a facilitar el trabajo. No hay entrada, por mi parte, sobre los Puritani de ayer. Si queréis leer algo, pasaos por el blog del consorte. Y no escribo nada, porque escribiría alguna barbaridad sobre la gentuza que puebla internet, haciendo "click" "clack" "cluck", citando ciertos comentarios, incluyendo algunos que no se llegaron a publicar, pero que andan por ahí guardados.

Pero como ya he dicho no lo voy a hacer, aunque se lo merecen, porque "la memoria es muy frágil" y habría que poner a cada uno en su sitio.

Y ganó Parma

2010-04-23T12:22:00.000+02:00

Vídeo de clopjj

Aplaudieron a Meli y también a Ganassi tras la escena de la carta. Pero vamos, si se hubieran ahorrado los aplausos, no hubiera pasado nada. Horrible Meli que me recordó por momentos a Alagna (para mal), con problemas en la zona del pasaje, agudos de gañote, voz que se metía en la nariz..., ese ensanchamiento del centro antinatural que ya se le vió en el Gabriele, del Boccanegra en Parma, el pasado mes de marzo. Lleva mal camino.

La verdad es que no me gustó nada de la representación, ni Ganassi, ni la dirección de Plasson, ni los secundarios, ni Caoduro... No hay manera de escuchar un Werther en condiciones. ¡En fin!

Por cierto, ¿alguién sabe qué ha pasado con el foro rumano http://opera.first-forum.com/ que aparece cerrado?

Michel Plasson "es londinense"

2010-04-22T11:56:00.000+02:00

Vídeo de Serggio123

A Michel Plasson no le ha gustado nada, que en el ensayo general de Werther en el Regio di Parma, el público comenzara a aplaudir en mitad del acto primero. El momento preciso en el que el público empezó a aplaudir fue tras el final del, Lorsque l'enfant, interpretado por Francesco Meli (que debuta el rôle). Plasson, sorprendido, se giró y se dirigió al público que asistía al general, en francés, recriminando los aplausos. Que él había trabajado en la Ópera de París y nunca había pasado eso. Los aplausos al final, para no interrumpir la labor de la orquesta .

Y el público...

Esta noche es "la prima" de este Werther y se podrá ver por internet:

http://www.teleducatoparma.it/tdvideo.php
http://www.tvparma.it/diretta_tv.html

Pequeña maldad: Igual esos aplausos eran para que se despertara Plasson, si éste manejó una dirección tan plúmbea como la del Werther parisino con Kaufmann.

La Gran Vía

2010-04-05T11:59:00.002+02:00

Tal día como ayer, pero de 1910, comenzaban las obras para el nacimiento de La Gran Vía madrileña, en presencia del alcalde, de Alfonso XIII y del presidente Canalejas. Con lo que hoy, La Gran Vía tiene 100 años y un día, y se realizan los actos para celebrar este cumpleaños.

Una calle que se ha convertido en un símbolo de la ciudad, es "La Calle de Madrid" y que además, tiene su propia zarzuela (o como reza el título original de lal obra: "Revista lírico-cómica, fantástico-callejera en un acto" ) compuesta por Chueca y Valverde. Y creo que es una buena forma de homenajear a la centenaria, el escuchar "su zarzuela". Vamos con ello:

Las calles y plazas se han citado en los salones de Doña Municipalidad para asistir al nacimiento de una Gran Vía. Introducción y Polca de las Calles: "Somos las calles, somos las plazas"

Aparece en escena el Caballero de Gracia, armando revuelo y entonando su vals, en presencia del resto de calles

A las afueras de Madrid, la criada Menegilda se lamenta de la desgraciada situación del servicio doméstico. Tango de Menegilda: Pobre chica la que tiene que servir...

Y es replicada por su ama, Doña Virtudes: Pobres amas las que tienen que tienen que sufrir...

Entra el Barrio de la Prosperidad pidiendo limosna, luego el Barrio del Pacífico buscando pelea y por último el Barrio de las Injurias blasfemando. Al poco aparecen los Ratas que se enorgullecen de su oficio, llegando a escapar de las trampas de la autoridad. Jota de las ratas

En la Puerta del Sol, unos marineritos, representantes del Asilo Naval de Barcelona, cantan sus andanzas por la capital: Somos los marineritos

En la Travesía, aparece el Eliseo Madrileño, un salón de baile popular. Chotis del Eliseo: "Yo Soy el Elisedo"

Don Comadrón anuncia el alumbramiento de la Gran Vía, para ¡el 30 de febrero!. Todos se unen a la celebración desfilando a ritmo de marcha. Marcha y desfile general.

La versión musical que he utilizado es la de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, dirigidos por el maestro Miguel Roa, que tiene el siguiente reparto:

Caballero de Gracia: Plácido Domingo
Menegilda: Milagros Martín
Dña. Virtudes: Marta Moreno
Rata 1º: Ricardo Muñiz
El Rata 2º: Francisco Matilla
El Rata 3º: Miguel Sola
El EIiseo madrileño : Mª José Montiel

Mini-Pollione

2010-03-26T08:30:00.003+01:00

Lo "mini" y lo "micro" (también los micros) están de moda, pero... ¡esto ya es la repera!.

Viendo la programación de la Ópera de Zurich para la próxima temporada, me encuentro con una Norma, interpretada por Elena Mosuc (cof, cof, cof) y con un pedazo de Pollione: ¡Vittorio Grigolo!. Por el amor de Mozart, ¡a qué extremos estamos llegando!. Para haber rematado la faena, en vez de la Mosuc, tenía que haber sido La Bartoli esa Norma y ya hubieramos tenido el cuadro completo...

Escuchamos al Mini-Pollione, interpretando "Il Mio Miracolo" (que es lo que va a ser escucharlo en Pollione, un milagro)

Vídeo de Portialady

"Dal verso io son ´accento, l´eco del dramma human". 100 años de Magda Olivero

2010-03-25T19:11:00.003+01:00

La "Soprano Verista" cumple 100 años. Porque ella será siempre la máxima representante del Verismo. Ella siempre será Adriana .

Vídeo de MedeAilinel
Ejemplo de una voz manejada con inteligencia. Con un grave mórbido y un agudo penetrante, brillante, siempre se la identificará con ese peculiar vibratto. Pero en Doña Magda asistimos a un control absoluto de la respiración y una fonación impecable, que le permitía y permite* un perfecto legato, así como el uso de smorzature, diminuendos y crescendos en sus interpretaciones. Un fraseo rico en claroscuros, y una gran actriz, puesto al servicio de personajes como Adriana, Manon, Fedora, Iris, Tosca, etc...

*Decía que permite, porque escuchar a esta señora cantar, a su edad, ¡es muy grande!

Vídeo de schaunard1

Vicino a te

2010-03-05T11:31:00.001+01:00

Jorge de León y Fiorenza Cedolins, en el Teatro Real.

Los tres tenores de Chénier

2010-02-27T12:22:00.002+01:00

Las representaciones de Andrea Chénier, están llegando a su fin en el Teatro Real (sólo queda hoy y mañana), por lo que vamos a escuchar y hablar de los 3 tenores que han encarnado al poeta revolucionario, estos últimos días en el Real.

Comencemos con Marcelo Álvarez, por participar en el primer reparto de estas funciones. Sus actuaciones vinieron precedidas por unas declaraciones a prensa, que sentaron mal sobretodo a los "dominguistas". Marcelo, cargaba contra las incursiones de Plácido Domingo en la cuerda baritonal (Simone Boccanegra), con las que estoy más o menos de acuerdo (Plácido que haga lo que quiera, pero eso de bajar la emisión para afrontar papeles de barítono, a mi no me convence). Pero el problema es que ve la paja en el ojo ajeno y no en el propio, porque Marcelo no puede con Chénier. Y eso se escucha en el audio.

Marcelo canta forzado, y algo a trompicones. Sus agudos son mates, sin brillo, abiertos y se le quedan atrás. Ha suspedido varias representaciones, achacando problemas físicos, que yo no dudo que tuviera, pero que, el sólo hecho cantar Chénier, creo que también ha contribuído bastante a estas cancelaciones.

Fabio Armiliato, canta el segundo reparto y otro que llega a sus representaciones madrileñas con algo de polémica. Armiliato estuvo ensayando en Madrid, Chénier, pero antes de su primera función estuvo en Tokyo cantando Radamés. La cosa podría quedar ahí, y no pasar nada, pero el problema es que en la primera función de Chénier que afrontó, sólo tuvo voz para cantar el Improvviso, perdiendo la voz a lo largo de la función. Muchos aficionados culparon a las representaciones de Aida en Tokyo.

Ese centro suena "abombado", no es un tenor para cantar Chénier (al igual que muchos otros rôles que suele afrontar), pero desde luego, suena mejor que el de Marcelo.

Y por último El León. No el de Florencia, el gran Mario, sino el tinerfeño Jorge de León, la gran revelación y triunfador de estas representaciones. Curiosamente, el hijo del gran Mario, Giancarlo del Monaco, tuvo mucho que ver en que Jorge cantara estos Chénier.

Desde el tercer reparto, y a base de sustituir a Marcelo, ha logrado triunfar en el Real. Una voz potente, ancha, con cuerpo, apropiada para cantar este rôle. Con unos agudos timbradísimos con squillo por arrobas, que han estado llenando la sala del Real (éste seguro, segurísimo que no necesita "amlificación"), que hacen vibrar a los aficionados a los que nos gusta este tipo de "óperas abyectas y finisiculares cantadas con voces vociferantes" (el pobre Tellez, seguro que se ha tenido que tragar alguna representación de Chénier), entre los que me encuentro. Además de agudos, tiene un passaggio solidísimo y cuenta con muy buena técnica. Su canto, en ocasiones demasiado vehemente, hace que pierda algo de fuelle y apoyo respiratorio. Es joven, tiene cosas que trabajar, pero material tiene. Para un ánalisis más técnico, pasaos por el blog del consorte...

Esa subida al agudo en "amor" es para poner los pelos como escarpias

Revolución en Andrea Chénier

2010-02-26T11:15:00.004+01:00

El pueblo se levantó en armas anoche en el Teatro Real. Cansado de que le den gato por liebre, muchos protestaron ayer por el presunto uso de la amplificación de voces.

Tras la primera aria de Gérard y la aparición de Maddalena, desde las partes altas del teatro, comenzaron los gritos de "¡Vergüenza!", "¡Qué quiten la amplificación!". La cosa se fue calentando con más gritos de "¡Fuera!", "¡Que aprendan a cantar y a impostar!". Se para la representación. Cedolins pide por favor que se pare la bronca o se "van todos a cenar a casa, que no hay problema".

Parece que la cosa se calma y que se va a retomar desde el principio. Aplauso. Cae el telón, y a través de los micrófonos de Radio Clásica se escucha una voz de mujer, ¿Cedolins? que comenta "es un problema de amplificación".

Vuelven los comentaristas de Radio Clásica para decir que la función se ha parado. (¡Qué cracks! a ver si la nueva directora de Radio Clásica toma cartas en el asunto, porque tela, telita, tela, con el nivelmaribel de los comentaristas-periodistas que aparecieron en Radio Clásica con Palacios...)

Tras unos minutos escuchamos a Moral dar explicaciones:
"El problema es debido al acoplamiento con retorno de la orquesta, que tiene que dar sonido al escenario y por alguna razón, los micrófonos recogían parte de las voces que el público escuchaba". ¿Ein?

Comienza de nuevo la función y tras el Improvisso, de Marcelo Álvarez, algún aficionado vuelve a la carga.

Fin del primer acto, y desde Radio Clásica informan que, la retransmisión termina ahí. Son órdenes del Teatro Real. Tarde, muy tarde, porque ya nos hemos enterado de lo que pasa en el Real... Y ponen la grabación de Chailly.

Pero parece que la cosa no terminó ahí. Moral de nuevo a escena para comunicar que Marcelo Álvarez sería sustituído por Jorge de León (seguro que éste, no necesita amplificación), tras el acto segundo.

La gente no es idiota.

ACTUALIZACIÓN: El Teatro Real se pronuncia.

Debido a un problema técnico en la función del día 25 de febrero de la ópera Andrea Chénier, durante algunos minutos del primer acto se escuchó en la zona de paraíso de la sala el sonido que normalmente se destina al foyer del teatro durante las representaciones. Este hecho produjo una percepción acústica distorsionada que suscitó la queja de algunos espectadores, lo que obligó a detener la representación, que fue reiniciada tan pronto como se solventó el mencionado problema.

El Teatro Real lamenta la difícil situación que tuvieron que vivir los artistas que participaban en esta función y certifica que en ningún caso, como es pauta habitual en este teatro, se ha utilizado medio alguno que no fuese el instrumento natural de su voz.

Así mismo, el Teatro Real se disculpa por haberse visto obligado a suspender, debido a los motivos ya mencionados, la retransmisión en directo que estaba realizando Radio Clásica de RNE.
Click

Eso que no se amplifica... corramos un "estúpido" velo. Ahí están los audios.

El diablo se viste de Prada, ossia, el vestuario de Attila en el Met

2009-12-17T13:06:00.003+01:00

Hacía tiempo que no leía una estupidez tan grande. Resulta que Miuccia Prada, la diseñadora de Miu Miu y Prada, es la encargada del vesturario del próximo extreno de Attila en el Met (con Vargas, Urmana, Abdrazakov, Muti a la batuta); y se ha descolgado con unas declaraciones en las que se negaba a tener como extras, a mujeres rellenitas porque ella sólo viste a modelos. Yo me pregunto qué va a hacer con Urmana, porque la soprano lituana no viste una talla 38 precisamente...

Lo peor de todo es que en el Met, se están haciendo nuevos castings para los extras.

Cosas Veredes.

La noticia aquí.

Lamento d'Arianna , por FORMA ANTIQVA y Xavier Sabata

2009-11-25T12:19:00.001+01:00

Video de Forma Antiqva

Divorcio

2009-10-09T09:48:00.003+02:00

Parece que tras la serie de crisis del matrimonio, Alagna y Gheorghiu, han decidido finalizar su relación.

Le Figaro

INFO FIGARO - Ils formaient le couple mythique de l'opéra. Après 13 ans de mariage célébré en grande pompe sur la scène du Met par le maire de New York Giuliani, les Taylor-Burton de l'opéra se séparent. Dans une interview exclusive à paraître vendredi dans Le Figaro, Roberto Alagna annonce qu'il ne vit plus avec la diva roumaine Angela Gheorgiu.

Extraits de l'interview à paraître vendredi dans Le Figaro.

• Sur l'argent :

LE FIGARO. - Quels sont vos revenus ?

Roberto ALAGNA. - Je suis privilégié mais pas du tout aussi riche qu'on le croit. Je vis en Suisse mais je paye mes impôts en France. Je ne connais pas le montant exact de ma fortune car je ne suis pas un homme d'affaires. Un soir de gala, je touche 60 000 euros. Si j'ai besoin d'argent, je vais à Abu Dhabi et au Japon, où j'obtiens 100 000 euros. Je touche 25 centimes d'euro par disque. Je ne touche rien sur les DVD et les retransmissions en direct des opéras au cinéma. La tournée des Zénith que j'ai confiée à mon frère ne me rapporte pas encore. À l'opéra, je gagne 13 000 euros brut par soir. Mais, à la fin, il ne me reste rien. La moitié part en impôts. L'autre paye mon agent et mes frais quotidiens. Là, pour deux représentations de Carmen, je suis à Londres pour un mois et demi. L'appartement loué près de Covent Garden me coûte 1 500 livres par semaine. Mon assistant fait la cuisine et lave le linge. Les autres chanteurs de Carmen sont mes voisins. On vit en famille, on se salue par la fenêtre. C'est très sympa. Mon seul luxe, c'est de trouver un endroit confortable. À New York, c'est un vrai souci : tous mes cachets du Met passent en frais.

Que faites-vous de vos revenus ?

Ce que je gagne, je l'investis dans des projets artistiques qui me tiennent à cœur. Je m'assure aussi que ma famille et mes amis ne manquent de rien. Je ne dépense rien pour moi. Florence, ma première épouse, est décédée quand j'avais 29 ans. Depuis, je n'attache pas d'importance aux biens matériels. En revanche, je pense à notre fille Ornella, 17 ans. Elle vient de passer son bac. Quand j'ai quitté EMI, j'ai racheté avec un associé mon catalogue pour 800 000 livres sterling. Je l'ai payé avec ce que j'avais à la banque et mon avance sur les royalties de l'album Sicilien. Ce sera son héritage. Malheureusement, il ne lui rapportera pas autant que celui de Michael Jackson ! Dans le classique, vous êtes content avec 20 000 disques vendus dans le monde.

• Sur sa relation avec sa femme Angela Gheorgiu :

Avec Angela Gheorgiu, vous formiez un couple mythique à la Burton-Taylor. Votre séparation, à la fois sentimentale et artistique, a-t-elle un impact sur votre carrière ?

Il y a longtemps que nous ne faisions plus de choses ensemble. Chacun mène sa carrière. Je pensais que ce serait dur, mais je me sens plus serein et libre. Je n'ai plus le souci de rendre des comptes et à donner des conseils, tous les soirs. Je suis dans une sorte de vitesse de croisière où tout me réussit. C'est difficile vous savez d'être en couple avec un artiste. Alors deux chanteurs d'opéra dont le métier est si difficile…C'est la première fois depuis le décès de ma première épouse Florence qui est décédé quand j'avais 29 ans me laissant seul avec notre fille Ornella qui était bébé, que je connais une sorte de sérénité. Je vois enfin la beauté de l'instant. Angela ne veut pas entendre parler de divorce. On verra. L'essentiel est qu'elle soit heureuse et ait la force de monter sur scène.

¿Volverán a trabajar juntos o será L'Amico Fritz, su último proyecto en común?¡quién sabe!. Lo que si es cierto, es que en los próximos proyectos de Alagna no figura Angelita:
-Le Jongleur de Notre Dame

-El DVD del Orphée, de Bologna
Vídeo de Onegin65

-Y más sicilianas en DVD.

Además de cantar Le Cid, Otello en Vienna, Adriana Lecouvreur, Francesca da Rimini, Alceste y Les Troyens.

Lucia di Lammermoor: tres opciones para la "entrada" de Lucia.

2009-09-29T09:23:00.003+02:00

Fanny Tacchinardi (hija del tenor Niccolo Tacchinardi) fue la soprano encargada de estrenar (con 22 añitos) la Lucia di Lammermoor, de Donizetti, en el Teatro San Carlo de Nápoles el 26 de septiembre de 1835. Y fue la elegida a pesar que el propio Donizetti, la consideraba una soprano "fría" en escena. Pero las cualidades que le hacían sobresalir a Tacchinardi, estaban en el apartado vocal, con su especatacular técnica que la hacían sobresalir en coloraturas, con agudos fáciles y bien proyectados y una afinación perfecta.

Pero vamos al intercambio de arias. Fue la propia Fanny la que decidió introducir el aria "perché non ho del vento", en lugar del "Regnava nel silenzio" en las representaciones de Lucia de Lammermoor, y básicamente porque no le gustaba el aria compuesta por Donizetti para dar la entrada en escena a Lucia.

¿Y por qué ese aria de Rosmonda d'Inghilterra ? porque Fanny ya había trabajado con anterioridad con Donizetti, y lo había hecho con Rosmonda (18 meses antes de Lucia de Lammermoor). Además, no suponía demasiados problemas el "ensamblarla" en Lucia.

Al propio Donizetti no le desagradó la idea de cambiar el aria. Es más, durante una estancia en París, Donizetti realizó una nueva versión de la ópera a petición del Théâtre de la Renaissance (Lucie di Lammermoor), en la que el aria de entrada de Lucie, fue una traducción al francés del "Perché non ho del vento".

Vamos a escucharlas:

Parece ser que esta no es la única sustitución de arias en Lucia de Lammermoor a lo largo de sus representaciones en la historia. Un aria de Fausta, también era utilizada en Lucia, en este caso, para la escena de la locura. Pero yo desconozco el aria en cuestión. Si alguien sabe cúal era y el motivo por el que se hacía le agradecería que me lo contara. :-)

Nueva ópera de Mercadante descubierta en Madrid

2009-09-25T21:16:00.002+02:00

La Reppublica

Quando si è ritrovato a Madrid, con un dottorato di ricerca all'Universitá Complutense, Paolo Cascio, giovane torinese laureato in musicologia e diplomato in composizione, ha ripensato a un altro italiano molto illustre, emigrato come lui nella capitale spagnola quasi 200 anni prima, Saverio Mercadante.

E, un po' per passione, un po' forse per nostalgia dell'Italia, si è messo alla ricerca dei suoi manoscritti. Una caccia al tesoro nella musica e nella storia, che si è conclusa con una scoperta di grande valore: l'unica copia manoscritta completa de "I due Figaro", prima opera composta a Madrid a Mercadante nel 1826, mai messa in scena in epoca moderna.

Un'opera che presto potranno conoscere anche gli appassionati di lirica, dal momento che ha il maestro Riccardo Muti ha deciso di metterla in scena tra l'anno prossimo e il 2011 al Festival di Ravenna e al Festival di Pentecoste di Salisburgo, nell'ambito di un ciclo di opere che fanno capo alla scuola napoletana. E non si esclude un'esecuzione a Madrid in un futuro prossimo. Una copia non autografa dell'opera esisteva a Napoli, ma non era completa e non era considerata in stato adeguato per pensare a trarne un allestimento teatrale.

"Ho passato giorni e giorni nelle biblioteche di Madrid alla ricerca dei manoscritti di Mercadante. Alla fine ho scoperto che c'era molto materiale alla Biblioteca Historica Conde Duque. - racconta Cascio - Mi hanno dato quattro casse verdi, piene di manoscritti: non credevo ai miei occhi quando, alla fine di un manoscritto particolarmente lungo, ho letto 'Saverio Mercadante, 26 ottobre 1826'.

Era proprio 'I due Figaro', un'opera scritta da Mercadante tra il luglio e l'ottobre 1826, la prima scritta a Madrid dal musicista italiano, commissionata dal Teatro Principe e che però non andò in scena per via della censura".

Finirono infatti sotto accusa alcune frasi del libretto di Felice Romani che adesso potrebbero sembrare innocenti, ma che all'epoca, con i primi moti liberali in giro per l'Europa, dovevano sembrare particolarmente sospette. Qualche esempio: "Io per il naso/meno il padrone/di mio marito/che è sciminunito/questo Masetto/egli proverà./ Da me venite/donne mie care/Ad imparare/come si fa (parla Susanna, la moglie di Figaro).

Oppure: "Or comincio a capir...l'usato stile dei protettori è questo: umani sono. Finché i protetti non danno ombra ad essi; ma li vorriano oppressi quando i talenti loro incominciano a porli in gelosia" (a parlare è Plagio, scrittore di commedie).

"L'opera venne messa in scena nel 1833 e nel 1836 - dice Cascio - non so ancora dove, però. Sto cercando di scoprirlo". Evidentemente questo esordio un po' sfortunato dei "Due Figaro", bloccata dalla censura, deve aver convinto Mercadante che non valeva la pena di riportare il manoscritto in Italia, quando venne chiamato a dirigere il conservatorio di Napoli.

E così "I due Figaro" rimase sepolta per 170 anni prima negli archivi del Teatro Principe e poi alla biblioteca di Madrid, e forse sarebbe rimasta lì per sempre se un giovane studioso italiano, finito a Madrid come tanti "cervelli d'esportazione", non avesse avuto la curiosità e il desiderio di fare l'investigatore.

L'unica parte conosciuta ed eseguita è l'ouverture dell'opera, che venne ridotta per pianoforte da Ricordi che la pubblicò con il titolo "Sinfonia Caratteristica Spagnola nell'opera buffa I due Figaro del Sig. Maestro Saverio Mercadante".

Angelo Nicastro, direttore artistico del Ravenna Festival, assicura che nell'opera "ci sono cose molto interessanti". Paolo Cascio ne parla con molto entusiasmo: "La storia è un sequel delle Nozze di Figaro. Ines, figlia del Conte e della Contessa, s'innamora di Cherubino, che farà di tutto per sposarla.

Il titolo "I due Figaro" nasce da un momento all'interno dell'opera nel quale il Conte cerca di scoprire la verità su Cherubino, e lui si schermisce dicendo di essere Figaro. Nell'opera Figaro viene per la prima volta seriamente redarguito dal Conte, e quasi cacciato dalla magione".

Insomma, in un'epoca che ama moltissimo sequel e prequel, la scoperta di un 'sequel' delle vicende del Barbiere di Siviglia e delle Nozze di Figaro, che si era perduto nei meandri della storia, è una notizia interessante...E, sia Cascio che il festival di Ravenna si augurano che possa essere l'occasione per la riscoperta di Mercadante, uno dei "padri" dell'opera italiana. Forse anche, come sottolinea il giovane studioso, per ricordare un momento in cui la Spagna, almeno dal punto di vista artistico, era considerata "la più bella provincia italiana".

El libretto de Felice Romani, fue utilizado también por otros autores: Michele Carafa (1820), Giovanni Panizza (1824), Dionisio Brogliardi (1825) y Giovanni Antonio Speranza (1839)

Who was Jenny Lind?

2009-09-25T12:10:00.003+02:00

“The great event of the evening was Jenny Lind´s apperance and her complete triumph. She was a most exquisite, powerful, and really quite peculiar voice, so round, soft and flexible”. Estas son las palabras que la reina Victoria le dedicaba a Jenny Lind en su diario, el 22 de abril de 1846.

Johanna Maria Lind (Estocolmo 6 de octubre de 1820-Malvern, Worcestershire, 2 de noviembre de 1887), conocida como Jenny Lind, fue una de las sopranos más importantes de todos los tiempos. Apodada como “El ruiseñor sueco”, obtuvo gran celebridad en su tiempo, gracias a sus interpretaciones operísticas, en Europa y en América, donde adquirió una extraordinaria popularidad gracias a una gira iniciada en 1850. También desarrolló una importante tasca filantrópica.

Lind era hija ilegítima de una maestra de escuela, Anna Marie Felborg, que se casó con Nikla Lind, después del nacimiento de Jenny.

Lind destacó desde muy jovencita por su voz. A los 9 años, la doncella de Mademoiselle Lundberg, la bailarina principal de la Ópera Real Sueca, la escuchó cantar. Al día siguiente regresó acompañada por Lundberg, quien le consiguió una audición por la que fue aceptada en la Escuela del Teatro Real. Lind estudió con Herr Croelius, el maestro de canto del Teatro Real.

Comenzó a cantar sobre un escenario con 10 años, y a los 17 era la favorita de la Ópera Real de Suecia. A los 20 ya era miembro de la Academia Real Sueca y cantante de cámara del rey de Suecia. Su primer gran papel, fue el de Agathe , en Der Freischütz, de Weber en 1838. Fue recibida por toda Europa con un éxito arrollador, a pesar de su miedo escénico. Entre 1841 y 1842, estudió ópera francesa e italiana con Manuel García en París, aunque también se dice que las clases con García se debían más bien a ciertos problemas vocales que fueron corregidos por él. García obtuvo el reconocimiento de la Universidad de Estocolmo y del rey de Suecia.

Vídeo de Glenmed
En el año 1843, hizo una gira por Dinamarca, en la que conoció a Hans Christian Andersen. El escritor danés se enamoró de ella, pero no fue correspondido. Jenny Lind le inspiró en algunos de sus cuentos como “El ruiseñor”. En su autobiografía, Andersen cuenta su relación con Lind:

Tengo que remontarme al año 1840. Un día, en el hotel de Copenhague en que vivía, leí en el tablón de anuncios entre los nombres de otros huéspedes de Suecia, el de Jenny Lind. Ya por entonces sabía que era la primera cantante de Estocolmo; aquel mismo año había estado en el país vecino, donde me habían dispensado toda clase de honores, y me pareció oportuno ir a ponerme a disposición de la joven artista. Todavía no se la conocía fuera de Suecia, afirmaría incluso que pocos debían ser los que conocían su nombre en Copenhague; me recibió muy cortés pero distante, casi fría; dijo que estaba viajando con su padre por el sur de Suecia y que se habían acercado a conocer Copenhague. Nos despedimos como dos desconocidos y a mí me dio la impresión de una persona corriente que caería pronto en el olvido. En otoño de 1843, Jenny Lind, estaba de nuevo en Copenhague; mi amigo Bournonville, el gran maestro de ballet, que tenía una mujer encantadora, hija de un pastor sueco y amiga de Jenny Lind, me contó que estaba en la ciudad y que guardaba grato recuerdo de mí; ahora había leído mis obras y tendría mucho gusto en saludarme. Me llevó a verla pidiéndome que le ayudara a convencerla de que aceptara cantar en el Teatro Real.
Subimos a ver a Jenny Lind y esta vez no me recibió como a un extraño sino que me estrechó la mano cariñosamente y se puso a hablar de mis obras y de Frederika Bremer, que era también muy amiga suya; pronto recayó la conversación sobre su aparición en Copenhague, pero Jenny Lind se mostró muy asustada de la idea: “Todavía no he cantado nunca fuera de Suecia y allí son todos tan amables conmigo que me moriría si cantase en Copenhague y me patearan. No me atrevo”. Yo le dije que naturalmente no podía juzgar cómo cantaba, porque no la había oído, y que tampoco conocía su talento dramático, pero que estaba seguro de que tal como estaban las cosas en Copenhague, con un poco de voz y ciertas dotes para la escena le bastaría para tener éxito; que pensaba que debía intentarlo.
Así, gracias a los esfuerzos de Bournonville, el público de Copenhague pudo gozar de uno de los mayores acontecimientos teatrales de su vida. Jenny Lind era una verdadera revelación en el reino de las artes; su maravillosa voz, llena de frescura juvenil, llegaba a los corazones de todos. La autenticidad de su canto daba una fuerza especial a sus interpretaciones. Luego dio un recital de canciones suecas. Fue algo tan asombroso y encantador que uno se olvidaba de que estaba en la sala de conciertos, hechizado por la fuerza de las melodías populares en aquella voz que era todo feminidad marcada por el sello inmortal del genio.
(…)
Al año siguiente estuve en Berlín; un día vino a verme el compositor Meyerbeer y empezamos a hablar de Jenny Lind; él le había oído cantar las canciones suecas y se había quedado asombrado. “Pero, ¿cómo actúa? ¿cómo dice las réplicas?”, me preguntó y yo lo expresé mi gran fascinación. Me dijo que a lo mejor iba a traerla a Berlín, que la cosa se estaba negociando. Y, en efecto, actuó en Berlín, asombrando y entusiasmando a todos, y desde Alemania su fama se extendió a toda Europa.
(…)
Yo he visto hacer Norma a las más grandes figuras pero por mucha emoción y arte que pusieran en el papel, ninguna me ha fascinado como Jenny Lind. Su versión me parece la más conmovedora y auténtica. Norma no es una italiana furiosa, sino la mujer ofendida, la mujer que tiene corazón para sacrificarse por una rival inocente. La mujer a la que, en un momento de arrebato, puede ocurrírsele la idea de matar a los hijos del amante infiel pero que, al mirar a los inocentes a la cara, se siente desarmada.
Jenny Lind cantaba en sueco, los demás en danés y las dos lenguas hermanas se fundían bellamente sin molestar al oído. En La Hija del Regimiento, donde hay bastante diálogo, el sueco hacía, incluso, especialmente elegante. ¡Y qué manera de actuar! Aquello ya no era arte, sino la realidad misma. Nunca se ha visto en escena nada más auténtico. Lo que allí se muestra es una muchacha salvaje, criada en un campamento, pero cada uno de sus movimientos le sale a relucir el encanto, la nobleza innata. No hay duda que La Hija del Regimiento, y La Sonnambula son dos grandes creaciones de Jenny Lind, nadie puede comparársele en estos papeles. Con ellos reímos y lloramos y, al abandonar la sala, nos sentimos como quien sale de la iglesia, convertidos en personas mejores. Mendelsohn me dijo en una ocasión “En siglos no se había dado un ser así”.

Lind, como Amina
Durante la mayor parte de la década de 1840, Lind trabaja sobre todo en Alemania, especialmente con Felix Mendelssohn en Leipzig, y en Viena. Viajó a Londres en 1847, donde a su primera actuación, en presencia de la reina Victoria en el Teatro de Su Majestad, el 4 de mayo de 1847, interpretando el papel de Alice en el Robert le diable, de Meyerbeer.

Mendelssohn estuvo presente en este debut, y su amigo, el crítico H.F. Chorley, que estaba junto a él, escribió “he visto como escribo la sonrisa con la que Mendelssohn, cuyo placer por el talento de mademoiselle Lind era ilimitado, volviéndose y mirándome como si una carga de ansiedad hubiera salido de su mente. Su adhesión al talento de mademoiselle Lind como cantante era desbordante tanto como eran su deseos de que ella tuviera éxito.

Mendelssohn trabajó con Lind en varias ocasiones y escribió para ella óperas como Lorelei, basada en las leyendas de doncellas del risco sobre el Rin de igual nombre que no llegó a terminar. También incluyó un Fa agudo en su oratorio Elijah (“Hear Ye Israel”) pensado para la voz de Lind. Aunque ella no interpretó dicha parte hasta después de la muerte del compositor, en un concierto en diciembre de 1848.

Vídeo de PukKoleszka
Una declaración jurada del marido de Lind, Otto Goldschmidt, que se conserva actualmente en el archivo de la Mendelssohn Scholarship Foundation en la Royal Academy of Music de Londres, describe la petición de Mendelssohn a Lind en 1847 (cuando ésta aún no estaba casada) para fugarse con él a América. La declaración, aunque de conocimiento público, no es actualmente mostrada por la Mendelssohn Scholarship Foundation, a pesar de las peticiones realizadas para hacerla pública.

En julio de 1847, Lind protagonizó el estreno mundial de la ópera I Masnadieri, de Verdi, en Londres. Sus éxitos en esta época incluyen una gira por Gran Bretaña e Irlanda, así como actuaciones en el continente, haciéndose extremadamente popular y rica.

Vídeo de Bubbete1

Lind se convirtió también en una conocida filantrópica, de causas culturales y humanitarias. En enero de 1849, realizó un concierto en Norwich, organizado por la Sociedad Coral de Norwich. Tanto le gustaba la ciudad, que se quedó e hizo un par de conciertos gratuitos, cuya recaudación sirvió para la creación de un hospital para niños enfermos.

En el verano de 1849, visita a Chopin en París. Chopin se encuentra gravemente enfermo y en mala situación económica. También se dice que mantuvo una relación sentimental con él.

Vídeo de LindoroRossini

En ese 1849, P.T. Barnum conoció el éxito de Lind, y de las masas de público que era capaz de atraer. Antes de eso, Barnum había visitado Europa con su principal atracción, General Tom Thumb. Aunque no había escuchado a Lind, sabía que las salas de conciertos se llenaban de público cuando ella cantaba, y que no era conocida sólo como cantante, sino por su virtud y caridad. En octubre de 1849, Barnum le encargó a un corresponsal inglés, John Wilton, que localizara a Jenny Lind y le hiciera una oferta. Lind quería fundar nuevas escuelas en Suecia, y la oferta de Barnum le podría proporcionar el dinero que necesitaba. Lind aceptó la oferta de Barnum: 1.000$ por noche (más gastos), por más de 150 conciertos en los EE.UU. Ella impuso además, los servicios de Julius Benedict, un director de orquesta y pianista alemán, con el que había trabajado en Inglaterra; y al barítono italiano Giovanni Belleti. Barnum se gastaría 187.500$ en llevar a Lind a Estados Unidos.

En agosto de 1850, antes de que Lind abandonara Inglaterra, Barnum le organizó un par de conciertos en Liverpool. Un crítico pagado por Barnum para cubrir los conciertos, describió el entusiasmo del público y su pesar por la marcha de la cantante. Esta crítica circuló por Europa y por América una semana antes de que Lind llegara a Nueva York, el 11 de septiembre de 1850. Alrededor de 40.000 personas acudieron a darle la bienvenida a la estrella. La campaña de marketing había funcionado.

Tras una reorganización del contrato y después de 93 conciertos por Estados Unidos, Barnum ganó unos 250.000$ y Lind unos 500.000$, donando gran parte de ese dinero a obras de caridad en EE.UU. incluyendo 1.000 $ para la contrucción de una iglesia en Chicago.
Los dos primeros conciertos fueron dos actuaciones benéficas en Nueva York, el 11 y el 13 de septiembre de 1850 en el Castle Garden Theatre, hoy conocido como Castle Clinton, en los que se recaudaron 10.141$ y 14.200$.

Castle Garden

En septiembre Lind donó 5.000$ a su amigo el sueco Poly Von Schneidau, para que comprara una nueva cámara fotográfica para su estudio en Chicago y que serviría para sacar las primeras fotos de Abraham Lincoln.

Durante su estancia en los Estados Unidos, el 5 de febrero de 1852, Lind se casó con el pianista Otto Goldschmidt. El matrimonio regresó a Europa en mayo de 1852, estableciéndose en Inglaterra, donde tuvieron a tres hijos.

Lind abandonó su carrera artística cuando regresó a Europa, aunque continuó interpretando obras religiosas sobre todo de Bach. Pero ella se centró en sus obras filantrópicas y en la enseñanza de canto en la Royal College of Music. Su última actuación tuvo lugar en Düsseldorf, el 20 de enero de 1870, cantando el oratorio compuesto por su marido, “Ruth”.

Joan Sutherland, la que podemos considerar como la soprano que más se acercó a las características vocales de la soprano sueca, dedicó un disco a Jenny Lind

La relación entre Barnum y Lind, y esa gira de conciertos, inspiró la creación de un musical, “Barnum”, estrenado en 1980. En la actualidad se está llevando a cabo una versión cinematográfica de dicho musical, cuyos protagonistas son Hugh Jackman, que será P.T. Barnum y Anne Hathaway dando vida a Jenny Lind.

La Stella del Nord: Disperso il crin

2009-09-22T12:36:00.004+02:00

Con Il Crociato in Egitto, escrita para ser representada en Venecia en 1824, Meyerbeer alcanzó la fama que había estado buscando desde que esciribió su primera ópera (Jephtas Gelübde representada en 1812 en Munich). El éxito de Il Crociato, le brindó una invitación de su amigo y admirado Rossini, para ir a París y supervisar la producción de Il Crociato en el “Teatro de los italianos” en 1825. Meyerbeer se quedó, y con dos óperas (Robert le diable y Les Huguenots), Francia era suya.

Con este éxito, la oportunidad de regresar a Alemania, llegó en 1843. En agosto de ese año, la Ópera de Berlín, construida por Federico el Grande en 1742, había sido reducida a cenizas. El rey Federico Guillermo, ordenó su reconstrucción y contrató a Meyerbeer para componer una ópera que abriera el nuevo teatro, Ein Feldlager in Schlesien. El libreto, escrito por el poeta y crítico, Ludwig Rellstab, estaba basado en un episodio de la vida de Federico El Grande durante su famosa campaña de anexión de Silesia, y el rôle principal fue compuesto expresamente para Jenny Lind. La ópera se estrenó en diciembre de 1844, pero no con Jenny Lind.

Otra prima donna, Fraulein Tuczec, que había cantado durante años, en el antiguo teatro, reclamó su derecho de cantar el personaje principal en la noche de reinauguración del teatro (aunque el personaje de Vielka, no se ajustaba vocalmente para nada a su voz). Incomprensiblemente, Ein Feldlager no impresionó al público y se retiró del cartel tras 5 representaciones. Mientras tanto, Jenny Lind hizo su debut en Norma con gran éxito. El público quería escucharla ahora en una ópera alemana.

Jenny Lind cantó en alguna ocasión el personaje de Veilka en Berlín en 1845 y de nuevo en 1846, Meyerbeer revisó la ópera cambiándole título por Vielka. Regresó a París con Le Prophète en 1849. En ese momento, la Opera Comique le pidió una nueva ópera. Meyerbeer retomó de nuevo el proyecto de Ein Feldlager in Schlesien, que ahora se convertiría en L´Etoile du Nord.

Fue un gran éxito, pero como ocurre a menudo con Meyerbeer, la historia no había terminado. La premier en Londres de la ópera se hizo en italiano, y Meyerbeer escribió recitativos para sustituir los diálogos hablados. Además, escribió 2 arias para el tenor Italo Gardoni como Danilowitz. La primera era una polonesa en el acto primero. La segunda era la romanza que canta que escuchamos a continuación por Bruce Ford, en el último acto que presenta la famosa escena de locura de la heroína.

Disperso il crin sul mesto sen

A lento piè, qual ombra vien.
L´acuto stral de´suoi martir
Conforto uman non può blandir.
Sul labro il riso più non le sta,
Nè più sul viso un fior non ha.

Domanda sol, l´amico ov´è?
Perchè, crudel, non viene a me?

Lamenti e pianti ripete spesso
I frutti son del nostro amor,
E´l tristo suon dilegue e muor.

David, el elegido

2009-09-21T11:37:00.004+02:00

O Lord, whose mercies numberless
O'er all thy works prevail:
Though daily man Thy law transgress,
Thy patience cannot fail.
If yet his sin be not too great,
The busy fiend control;
Yet longer for repentance wait,
And heal his wounded soul.

Andreas Scholl, contratenor.
Edin Karamazov, laúd.

"La Dolce Fiamma", de Jaroussky. Un avance

2009-09-14T20:14:00.004+02:00

Hablaba el pasado miércoles, del nuevo disco de P. Jaroussky dedicado a Johann Christian Bach.

Pues vamos a escuchar un avance del disco, en este caso 3 arias:

Ebben si vada … Io ti lascio

La legge accetto del Orphée et Euridice

Perfida Cartismandua!... Fra l’orrore de Carattaco

Philippe Jaroussky, contratenor.
Le Cercle de l’Harmonie.
Jérémie Rhorer, director.

Quiero recordar que está anunciado para noviembre, pero la gira de conciertos de presentación del disco ya está en marcha. Esta semana actua en París (el 16) y en Vichy (el 18). France Musique no los tiene anunciados para ser retransmitidos, pero a ver si hay suerte y los emiten a posteriori en diferido. Queda mucho para noviembre y es demasiada la espera!!!! jejeje!

El Planto

2009-09-10T11:10:00.003+02:00

Vídeo de hillevifan

O let me weep, for ever weep,
my eyes no more the shall welcome sleep;
I'll hide me from the sight of day,
and sigh, and sigh my soul away.
He's gone, he's gone, his loss deplore;
and I shall never see him more.

¡Oh, déjame llorar, llorar para siempre!
¡Que mis ojos no conozcan más el sueño!
Me esconderé de la luz del día y,
suspiro a suspiro, liberaré mi alma.
¡Él se ha ido, se ha ido! ¡Lamentad su pérdida
puesto que nunca más lo volveré a ver!

Hoy se cumplen diez años del fallecimiento de Alfredo Kraus. Igual, lo apropiado hoy, sería recordarle con alguna de sus grabaciones. Pero a me he decantado por dedicarle el planto de The Fairy Queen, de Purcell, en la voz de Lorraine Hunt Lieberson (también fallecida).

¿Por qué? porque un planto (llanto) es una canción/poema funerario; la lamentación por el fallecimiento de un ser querido. Y eso lo era Alfredo Kraus para sus seguidores, un ser querido por el que muchos derramaron lágrimas aquel 10 de septiembre de 1999.