Fanny Tacchinardi (hija del tenor Niccolo Tacchinardi) fue la soprano encargada de estrenar (con 22 añitos) la Lucia di Lammermoor, de Donizetti, en el Teatro San Carlo de Nápoles el 26 de septiembre de 1835. Y fue la elegida a pesar que el propio Donizetti, la consideraba una soprano "fría" en escena. Pero las cualidades que le hacían sobresalir a Tacchinardi, estaban en el apartado vocal, con su especatacular técnica que la hacían sobresalir en coloraturas, con agudos fáciles y bien proyectados y una afinación perfecta.
Pero vamos al intercambio de arias. Fue la propia Fanny la que decidió introducir el aria "perché non ho del vento", en lugar del "Regnava nel silenzio" en las representaciones de Lucia de Lammermoor, y básicamente porque no le gustaba el aria compuesta por Donizetti para dar la entrada en escena a Lucia.
¿Y por qué ese aria de Rosmonda d'Inghilterra ? porque Fanny ya había trabajado con anterioridad con Donizetti, y lo había hecho con Rosmonda (18 meses antes de Lucia de Lammermoor). Además, no suponía demasiados problemas el "ensamblarla" en Lucia.
Al propio Donizetti no le desagradó la idea de cambiar el aria. Es más, durante una estancia en París, Donizetti realizó una nueva versión de la ópera a petición del Théâtre de la Renaissance (Lucie di Lammermoor), en la que el aria de entrada de Lucie, fue una traducción al francés del "Perché non ho del vento".
Vamos a escucharlas:
Parece ser que esta no es la única sustitución de arias en Lucia de Lammermoor a lo largo de sus representaciones en la historia. Un aria de Fausta, también era utilizada en Lucia, en este caso, para la escena de la locura. Pero yo desconozco el aria en cuestión. Si alguien sabe cúal era y el motivo por el que se hacía le agradecería que me lo contara. :-)
Quando si è ritrovato a Madrid, con un dottorato di ricerca all'Universitá Complutense, Paolo Cascio, giovane torinese laureato in musicologia e diplomato in composizione, ha ripensato a un altro italiano molto illustre, emigrato come lui nella capitale spagnola quasi 200 anni prima, Saverio Mercadante.
E, un po' per passione, un po' forse per nostalgia dell'Italia, si è messo alla ricerca dei suoi manoscritti. Una caccia al tesoro nella musica e nella storia, che si è conclusa con una scoperta di grande valore: l'unica copia manoscritta completa de "I due Figaro", prima opera composta a Madrid a Mercadante nel 1826, mai messa in scena in epoca moderna.
Un'opera che presto potranno conoscere anche gli appassionati di lirica, dal momento che ha il maestro Riccardo Mutiha deciso di metterla in scena tra l'anno prossimo e il 2011 al Festival di Ravenna e al Festival di Pentecoste di Salisburgo, nell'ambito di un ciclo di opere che fanno capo alla scuola napoletana. E non si esclude un'esecuzione a Madrid in un futuro prossimo. Una copia non autografa dell'opera esisteva a Napoli, ma non era completa e non era considerata in stato adeguato per pensare a trarne un allestimento teatrale.
"Ho passato giorni e giorni nelle biblioteche di Madrid alla ricerca dei manoscritti di Mercadante. Alla fine ho scoperto che c'era molto materiale alla Biblioteca Historica Conde Duque. - racconta Cascio - Mi hanno dato quattro casse verdi, piene di manoscritti: non credevo ai miei occhi quando, alla fine di un manoscritto particolarmente lungo, ho letto 'Saverio Mercadante, 26 ottobre 1826'.
Era proprio 'I due Figaro', un'opera scritta da Mercadante tra il luglio e l'ottobre 1826, la prima scritta a Madrid dal musicista italiano, commissionata dal Teatro Principe e che però non andò in scena per via della censura".
Finirono infatti sotto accusa alcune frasi del libretto di Felice Romani che adesso potrebbero sembrare innocenti, ma che all'epoca, con i primi moti liberali in giro per l'Europa, dovevano sembrare particolarmente sospette. Qualche esempio: "Io per il naso/meno il padrone/di mio marito/che è sciminunito/questo Masetto/egli proverà./ Da me venite/donne mie care/Ad imparare/come si fa (parla Susanna, la moglie di Figaro).
Oppure: "Or comincio a capir...l'usato stile dei protettori è questo: umani sono. Finché i protetti non danno ombra ad essi; ma li vorriano oppressi quando i talenti loro incominciano a porli in gelosia" (a parlare è Plagio, scrittore di commedie).
"L'opera venne messa in scena nel 1833 e nel 1836 - dice Cascio - non so ancora dove, però. Sto cercando di scoprirlo". Evidentemente questo esordio un po' sfortunato dei "Due Figaro", bloccata dalla censura, deve aver convinto Mercadante che non valeva la pena di riportare il manoscritto in Italia, quando venne chiamato a dirigere il conservatorio di Napoli.
E così "I due Figaro" rimase sepolta per 170 anni prima negli archivi del Teatro Principe e poi alla biblioteca di Madrid, e forse sarebbe rimasta lì per sempre se un giovane studioso italiano, finito a Madrid come tanti "cervelli d'esportazione", non avesse avuto la curiosità e il desiderio di fare l'investigatore.
L'unica parte conosciuta ed eseguita è l'ouverture dell'opera, che venne ridotta per pianoforte da Ricordi che la pubblicò con il titolo "Sinfonia Caratteristica Spagnola nell'opera buffa I due Figaro del Sig. Maestro Saverio Mercadante".
Angelo Nicastro, direttore artistico del Ravenna Festival, assicura che nell'opera "ci sono cose molto interessanti". Paolo Cascio ne parla con molto entusiasmo: "La storia è un sequel delle Nozze di Figaro. Ines, figlia del Conte e della Contessa, s'innamora di Cherubino, che farà di tutto per sposarla.
Il titolo "I due Figaro" nasce da un momento all'interno dell'opera nel quale il Conte cerca di scoprire la verità su Cherubino, e lui si schermisce dicendo di essere Figaro. Nell'opera Figaro viene per la prima volta seriamente redarguito dal Conte, e quasi cacciato dalla magione".
Insomma, in un'epoca che ama moltissimo sequel e prequel, la scoperta di un 'sequel' delle vicende del Barbiere di Siviglia e delle Nozze di Figaro, che si era perduto nei meandri della storia, è una notizia interessante...E, sia Cascio che il festival di Ravenna si augurano che possa essere l'occasione per la riscoperta di Mercadante, uno dei "padri" dell'opera italiana. Forse anche, come sottolinea il giovane studioso, per ricordare un momento in cui la Spagna, almeno dal punto di vista artistico, era considerata "la più bella provincia italiana".
El libretto de Felice Romani, fue utilizado también por otros autores: Michele Carafa (1820), Giovanni Panizza (1824), Dionisio Brogliardi (1825) y Giovanni Antonio Speranza (1839)
“The great event of the evening was Jenny Lind´s apperance and her complete triumph. She was a most exquisite, powerful, and really quite peculiar voice, so round, soft and flexible”. Estas son las palabras que la reina Victoria le dedicaba a Jenny Lind en su diario, el 22 de abril de 1846.
Johanna Maria Lind (Estocolmo 6 de octubre de 1820-Malvern, Worcestershire, 2 de noviembre de 1887), conocida como Jenny Lind, fue una de las sopranos más importantes de todos los tiempos. Apodada como “El ruiseñor sueco”, obtuvo gran celebridad en su tiempo, gracias a sus interpretaciones operísticas, en Europa y en América, donde adquirió una extraordinaria popularidad gracias a una gira iniciada en 1850. También desarrolló una importante tasca filantrópica.
Lind era hija ilegítima de una maestra de escuela, Anna Marie Felborg, que se casó con Nikla Lind, después del nacimiento de Jenny.
Lind destacó desde muy jovencita por su voz. A los 9 años, la doncella de Mademoiselle Lundberg, la bailarina principal de la Ópera Real Sueca, la escuchó cantar. Al día siguiente regresó acompañada por Lundberg, quien le consiguió una audición por la que fue aceptada en la Escuela del Teatro Real. Lind estudió con Herr Croelius, el maestro de canto del Teatro Real.
Comenzó a cantar sobre un escenario con 10 años, y a los 17 era la favorita de la Ópera Real de Suecia. A los 20 ya era miembro de la Academia Real Sueca y cantante de cámara del rey de Suecia. Su primer gran papel, fue el de Agathe , en Der Freischütz, de Weber en 1838. Fue recibida por toda Europa con un éxito arrollador, a pesar de su miedo escénico. Entre 1841 y 1842, estudió ópera francesa e italiana con Manuel García en París, aunque también se dice que las clases con García se debían más bien a ciertos problemas vocales que fueron corregidos por él. García obtuvo el reconocimiento de la Universidad de Estocolmo y del rey de Suecia.
En el año 1843, hizo una gira por Dinamarca, en la que conoció a Hans Christian Andersen. El escritor danés se enamoró de ella, pero no fue correspondido. Jenny Lind le inspiró en algunos de sus cuentos como “El ruiseñor”. En su autobiografía, Andersen cuenta su relación con Lind:
Tengo que remontarme al año 1840. Un día, en el hotel de Copenhague en que vivía, leí en el tablón de anuncios entre los nombres de otros huéspedes de Suecia, el de Jenny Lind. Ya por entonces sabía que era la primera cantante de Estocolmo; aquel mismo año había estado en el país vecino, donde me habían dispensado toda clase de honores, y me pareció oportuno ir a ponerme a disposición de la joven artista. Todavía no se la conocía fuera de Suecia, afirmaría incluso que pocos debían ser los que conocían su nombre en Copenhague; me recibió muy cortés pero distante, casi fría; dijo que estaba viajando con su padre por el sur de Suecia y que se habían acercado a conocer Copenhague. Nos despedimos como dos desconocidos y a mí me dio la impresión de una persona corriente que caería pronto en el olvido. En otoño de 1843, Jenny Lind, estaba de nuevo en Copenhague; mi amigo Bournonville, el gran maestro de ballet, que tenía una mujer encantadora, hija de un pastor sueco y amiga de Jenny Lind, me contó que estaba en la ciudad y que guardaba grato recuerdo de mí; ahora había leído mis obras y tendría mucho gusto en saludarme. Me llevó a verla pidiéndome que le ayudara a convencerla de que aceptara cantar en el Teatro Real. Subimos a ver a Jenny Lind y esta vez no me recibió como a un extraño sino que me estrechó la mano cariñosamente y se puso a hablar de mis obras y de Frederika Bremer, que era también muy amiga suya; pronto recayó la conversación sobre su aparición en Copenhague, pero Jenny Lind se mostró muy asustada de la idea: “Todavía no he cantado nunca fuera de Suecia y allí son todos tan amables conmigo que me moriría si cantase en Copenhague y me patearan. No me atrevo”. Yo le dije que naturalmente no podía juzgar cómo cantaba, porque no la había oído, y que tampoco conocía su talento dramático, pero que estaba seguro de que tal como estaban las cosas en Copenhague, con un poco de voz y ciertas dotes para la escena le bastaría para tener éxito; que pensaba que debía intentarlo. Así, gracias a los esfuerzos de Bournonville, el público de Copenhague pudo gozar de uno de los mayores acontecimientos teatrales de su vida. Jenny Lind era una verdadera revelación en el reino de las artes; su maravillosa voz, llena de frescura juvenil, llegaba a los corazones de todos. La autenticidad de su canto daba una fuerza especial a sus interpretaciones. Luego dio un recital de canciones suecas. Fue algo tan asombroso y encantador que uno se olvidaba de que estaba en la sala de conciertos, hechizado por la fuerza de las melodías populares en aquella voz que era todo feminidad marcada por el sello inmortal del genio. (…) Al año siguiente estuve en Berlín; un día vino a verme el compositor Meyerbeer y empezamos a hablar de Jenny Lind; él le había oído cantar las canciones suecas y se había quedado asombrado. “Pero, ¿cómo actúa? ¿cómo dice las réplicas?”, me preguntó y yo lo expresé mi gran fascinación. Me dijo que a lo mejor iba a traerla a Berlín, que la cosa se estaba negociando. Y, en efecto, actuó en Berlín, asombrando y entusiasmando a todos, y desde Alemania su fama se extendió a toda Europa. (…) Yo he visto hacer Norma a las más grandes figuras pero por mucha emoción y arte que pusieran en el papel, ninguna me ha fascinado como Jenny Lind. Su versión me parece la más conmovedora y auténtica. Norma no es una italiana furiosa, sino la mujer ofendida, la mujer que tiene corazón para sacrificarse por una rival inocente. La mujer a la que, en un momento de arrebato, puede ocurrírsele la idea de matar a los hijos del amante infiel pero que, al mirar a los inocentes a la cara, se siente desarmada. Jenny Lind cantaba en sueco, los demás en danés y las dos lenguas hermanas se fundían bellamente sin molestar al oído. En La Hija del Regimiento, donde hay bastante diálogo, el sueco hacía, incluso, especialmente elegante. ¡Y qué manera de actuar! Aquello ya no era arte, sino la realidad misma. Nunca se ha visto en escena nada más auténtico. Lo que allí se muestra es una muchacha salvaje, criada en un campamento, pero cada uno de sus movimientos le sale a relucir el encanto, la nobleza innata. No hay duda que La Hija del Regimiento, y La Sonnambula son dos grandes creaciones de Jenny Lind, nadie puede comparársele en estos papeles. Con ellos reímos y lloramos y, al abandonar la sala, nos sentimos como quien sale de la iglesia, convertidos en personas mejores. Mendelsohn me dijo en una ocasión “En siglos no se había dado un ser así”.
Lind, como Amina
Durante la mayor parte de la década de 1840, Lind trabaja sobre todo en Alemania, especialmente con Felix Mendelssohn en Leipzig, y en Viena. Viajó a Londres en 1847, donde a su primera actuación, en presencia de la reina Victoria en el Teatro de Su Majestad, el 4 de mayo de 1847, interpretando el papel de Alice en el Robert le diable, de Meyerbeer.
Mendelssohn estuvo presente en este debut, y su amigo, el crítico H.F. Chorley, que estaba junto a él, escribió “he visto como escribo la sonrisa con la que Mendelssohn, cuyo placer por el talento de mademoiselle Lind era ilimitado, volviéndose y mirándome como si una carga de ansiedad hubiera salido de su mente. Su adhesión al talento de mademoiselle Lind como cantante era desbordante tanto como eran su deseos de que ella tuviera éxito.
Mendelssohn trabajó con Lind en varias ocasiones y escribió para ella óperas como Lorelei, basada en las leyendas de doncellas del risco sobre el Rin de igual nombre que no llegó a terminar. También incluyó un Fa agudo en su oratorio Elijah (“Hear Ye Israel”) pensado para la voz de Lind. Aunque ella no interpretó dicha parte hasta después de la muerte del compositor, en un concierto en diciembre de 1848.
Una declaración jurada del marido de Lind, Otto Goldschmidt, que se conserva actualmente en el archivo de la Mendelssohn Scholarship Foundation en la Royal Academy of Music de Londres, describe la petición de Mendelssohn a Lind en 1847 (cuando ésta aún no estaba casada) para fugarse con él a América. La declaración, aunque de conocimiento público, no es actualmente mostrada por la Mendelssohn Scholarship Foundation, a pesar de las peticiones realizadas para hacerla pública.
En julio de 1847, Lind protagonizó el estreno mundial de la ópera I Masnadieri, de Verdi, en Londres. Sus éxitos en esta época incluyen una gira por Gran Bretaña e Irlanda, así como actuaciones en el continente, haciéndose extremadamente popular y rica.
Lind se convirtió también en una conocida filantrópica, de causas culturales y humanitarias. En enero de 1849, realizó un concierto en Norwich, organizado por la Sociedad Coral de Norwich. Tanto le gustaba la ciudad, que se quedó e hizo un par de conciertos gratuitos, cuya recaudación sirvió para la creación de un hospital para niños enfermos.
En el verano de 1849, visita a Chopin en París. Chopin se encuentra gravemente enfermo y en mala situación económica. También se dice que mantuvo una relación sentimental con él.
En ese 1849, P.T. Barnum conoció el éxito de Lind, y de las masas de público que era capaz de atraer. Antes de eso, Barnum había visitado Europa con su principal atracción, General Tom Thumb. Aunque no había escuchado a Lind, sabía que las salas de conciertos se llenaban de público cuando ella cantaba, y que no era conocida sólo como cantante, sino por su virtud y caridad. En octubre de 1849, Barnum le encargó a un corresponsal inglés, John Wilton, que localizara a Jenny Lind y le hiciera una oferta. Lind quería fundar nuevas escuelas en Suecia, y la oferta de Barnum le podría proporcionar el dinero que necesitaba. Lind aceptó la oferta de Barnum: 1.000$ por noche (más gastos), por más de 150 conciertos en los EE.UU. Ella impuso además, los servicios de Julius Benedict, un director de orquesta y pianista alemán, con el que había trabajado en Inglaterra; y al barítono italiano Giovanni Belleti. Barnum se gastaría 187.500$ en llevar a Lind a Estados Unidos.
En agosto de 1850, antes de que Lind abandonara Inglaterra, Barnum le organizó un par de conciertos en Liverpool. Un crítico pagado por Barnum para cubrir los conciertos, describió el entusiasmo del público y su pesar por la marcha de la cantante. Esta crítica circuló por Europa y por América una semana antes de que Lind llegara a Nueva York, el 11 de septiembre de 1850. Alrededor de 40.000 personas acudieron a darle la bienvenida a la estrella. La campaña de marketing había funcionado.
Tras una reorganización del contrato y después de 93 conciertos por Estados Unidos, Barnum ganó unos 250.000$ y Lind unos 500.000$, donando gran parte de ese dinero a obras de caridad en EE.UU. incluyendo 1.000 $ para la contrucción de una iglesia en Chicago. Los dos primeros conciertos fueron dos actuaciones benéficas en Nueva York, el 11 y el 13 de septiembre de 1850 en el Castle Garden Theatre, hoy conocido como Castle Clinton, en los que se recaudaron 10.141$ y 14.200$.
Castle Garden
En septiembre Lind donó 5.000$ a su amigo el sueco Poly Von Schneidau, para que comprara una nueva cámara fotográfica para su estudio en Chicago y que serviría para sacar las primeras fotos de Abraham Lincoln.
Durante su estancia en los Estados Unidos, el 5 de febrero de 1852, Lind se casó con el pianista Otto Goldschmidt. El matrimonio regresó a Europa en mayo de 1852, estableciéndose en Inglaterra, donde tuvieron a tres hijos.
Lind abandonó su carrera artística cuando regresó a Europa, aunque continuó interpretando obras religiosas sobre todo de Bach. Pero ella se centró en sus obras filantrópicas y en la enseñanza de canto en la Royal College of Music. Su última actuación tuvo lugar en Düsseldorf, el 20 de enero de 1870, cantando el oratorio compuesto por su marido, “Ruth”.
Joan Sutherland, la que podemos considerar como la soprano que más se acercó a las características vocales de la soprano sueca, dedicó un disco a Jenny Lind
La relación entre Barnum y Lind, y esa gira de conciertos, inspiró la creación de un musical, “Barnum”, estrenado en 1980. En la actualidad se está llevando a cabo una versión cinematográfica de dicho musical, cuyos protagonistas son Hugh Jackman, que será P.T. Barnum y Anne Hathaway dando vida a Jenny Lind.
Con Il Crociato in Egitto, escrita para ser representada en Venecia en 1824, Meyerbeer alcanzó la fama que había estado buscando desde que esciribió su primera ópera (Jephtas Gelübde representada en 1812 en Munich). El éxito de Il Crociato, le brindó una invitación de su amigo y admirado Rossini, para ir a París y supervisar la producción de Il Crociato en el “Teatro de los italianos” en 1825. Meyerbeer se quedó, y con dos óperas (Robert le diable y Les Huguenots), Francia era suya.
Con este éxito, la oportunidad de regresar a Alemania, llegó en 1843. En agosto de ese año, la Ópera de Berlín, construida por Federico el Grande en 1742, había sido reducida a cenizas. El rey Federico Guillermo, ordenó su reconstrucción y contrató a Meyerbeer para componer una ópera que abriera el nuevo teatro, Ein Feldlager in Schlesien. El libreto, escrito por el poeta y crítico, Ludwig Rellstab, estaba basado en un episodio de la vida de Federico El Grande durante su famosa campaña de anexión de Silesia, y el rôle principal fue compuesto expresamente para Jenny Lind. La ópera se estrenó en diciembre de 1844, pero no con Jenny Lind.
Otra prima donna, Fraulein Tuczec, que había cantado durante años, en el antiguo teatro, reclamó su derecho de cantar el personaje principal en la noche de reinauguración del teatro (aunque el personaje de Vielka, no se ajustaba vocalmente para nada a su voz). Incomprensiblemente, Ein Feldlager no impresionó al público y se retiró del cartel tras 5 representaciones. Mientras tanto, Jenny Lind hizo su debut en Norma con gran éxito. El público quería escucharla ahora en una ópera alemana.
Jenny Lind cantó en alguna ocasión el personaje de Veilka en Berlín en 1845 y de nuevo en 1846, Meyerbeer revisó la ópera cambiándole título por Vielka. Regresó a París con Le Prophète en 1849. En ese momento, la Opera Comique le pidió una nueva ópera. Meyerbeer retomó de nuevo el proyecto de Ein Feldlager in Schlesien, que ahora se convertiría en L´Etoile du Nord.
Fue un gran éxito, pero como ocurre a menudo con Meyerbeer, la historia no había terminado. La premier en Londres de la ópera se hizo en italiano, y Meyerbeer escribió recitativos para sustituir los diálogos hablados. Además, escribió 2 arias para el tenor Italo Gardoni como Danilowitz. La primera era una polonesa en el acto primero. La segunda era la romanza que canta que escuchamos a continuación por Bruce Ford, en el último acto que presenta la famosa escena de locura de la heroína.
Disperso il crin sul mesto sen
A lento piè, qual ombra vien. L´acuto stral de´suoi martir Conforto uman non può blandir. Sul labro il riso più non le sta, Nè più sul viso un fior non ha.
Domanda sol, l´amico ov´è? Perchè, crudel, non viene a me?
Lamenti e pianti ripete spesso I frutti son del nostro amor, E´l tristo suon dilegue e muor.
O Lord, whose mercies numberless O'er all thy works prevail: Though daily man Thy law transgress, Thy patience cannot fail. If yet his sin be not too great, The busy fiend control; Yet longer for repentance wait, And heal his wounded soul.
Andreas Scholl, contratenor. Edin Karamazov, laúd.
Hablaba el pasado miércoles, del nuevo disco de P. Jaroussky dedicado a Johann Christian Bach.
Pues vamos a escuchar un avance del disco, en este caso 3 arias:
Ebben si vada … Io ti lascio
La legge accetto del Orphée et Euridice
Perfida Cartismandua!... Fra l’orrore de Carattaco
Philippe Jaroussky, contratenor. Le Cercle de l’Harmonie. Jérémie Rhorer, director.
Quiero recordar que está anunciado para noviembre, pero la gira de conciertos de presentación del disco ya está en marcha. Esta semana actua en París (el 16) y en Vichy (el 18). France Musique no los tiene anunciados para ser retransmitidos, pero a ver si hay suerte y los emiten a posteriori en diferido. Queda mucho para noviembre y es demasiada la espera!!!! jejeje!
O let me weep, for ever weep, my eyes no more the shall welcome sleep; I'll hide me from the sight of day, and sigh, and sigh my soul away. He's gone, he's gone, his loss deplore; and I shall never see him more.
¡Oh, déjame llorar, llorar para siempre! ¡Que mis ojos no conozcan más el sueño! Me esconderé de la luz del día y, suspiro a suspiro, liberaré mi alma. ¡Él se ha ido, se ha ido! ¡Lamentad su pérdida puesto que nunca más lo volveré a ver!
Hoy se cumplen diez años del fallecimiento de Alfredo Kraus. Igual, lo apropiado hoy, sería recordarle con alguna de sus grabaciones. Pero a me he decantado por dedicarle el planto de The Fairy Queen, de Purcell, en la voz de Lorraine Hunt Lieberson (también fallecida).
¿Por qué? porque un planto (llanto) es una canción/poema funerario; la lamentación por el fallecimiento de un ser querido. Y eso lo era Alfredo Kraus para sus seguidores, un ser querido por el que muchos derramaron lágrimas aquel 10 de septiembre de 1999.
Decidido. El disco de Ildebrando D´Arcangelo dedicado a Handel, hay que comprarlo sí o sí.
Admitamos que tiene arias que no son para bajo, como por ej. el manido "Ombra mai fu" del Serse, escrito para Caffarelli, (la pregunta casi sería, ¿quién no la ha grabado?) pero me ha gustado mucho la interpretación que podemos escuchar en el vídeo. Vamos, que casi ha sido lo que me ha convencido para que el disco caiga en mis manos cuando salga a la venta. Eso, y que está Federico Maria Sardelli.
Además, la portada del disco que suppone el debut discográfico con la DG de Ilde, ayuda a comprarlo, jejeje (a ver si aprende la DECCA y Bartoli).
Y una novedad para noviembre. El último de P. Jaroussky, que abandona las melodias francesas, y graba un disco dedicado por completo al compositor Johann Christian Bach (de los Bach de toda la vida), el hijo menor del gran Johann Sebastian. El título del disco, La dolce fiamma, está tomado del aria de Adriano en Siria, "Cara la dolce fiamma". Curiosamente del disco se subtitula Forgotten Castrato Arias, algo que no es del todo cierto, puesto que sí existen grabaciones/representaciones de algunas de éstas óperas como por ej:
Y Aris Christofellis, creo que también tiene grabada el aria...
Dejando al margen éste hecho, es una buena noticia este disco, en el que se podrá redescubrir y hacer llegar a un público más amplio, al "Bach más operístico". Un Bach, nacido en Alemania, formado en Italia y establecido en Londres y que casi es más heredero de Handel que de su propio padre.
La lista de tracks es la siguiente:
01.LA CLEMENZA DI SCIPIONE: Pugna il guerrier 02.CARATTACO: Perfida Cartismandua & Trà l'orror 03.ADRIANO IN SIRIA: Cara la dolce fiamma 04 TEMISTOCLE: Ch'io parta? 05.ADRIANO IN SIRIA: Tutti nemici 06.ORFEO: La legge accetto - Gluck arr. JC Bach 07.ARTASERSE: No, che non hà la sorte & Vo solcan 08.Cavatina: Perchè tarda è mai la morte & Ebben 09.Concert aria: Ebben si vada & Io ti lascio 10.Concert aria: Sentimi non partir & Al mio bene
Y por último, interesante también saber cómo suena el Io ti lascio de J.C. Bach...
Der Garten trauert, kühl sinkt in die Blumen der Regen. Der Sommer schauert Still seinem Ende entgegen. Golden tropft Blatt um Blatt nieder vom hohen Akazienbaum. Sommer lächelt erstaunt und matt in den sterbenden Gartentraum. Lange noch bei den Rosen bleibt er stehen, sehnt sich nach Ruh. Langsam tut er die (grossen) müdgewordnen Augen zu.
El jardín está triste, la fría lluvia pesa sobre las flores. El verano tiembla dulcemente hacia su fin. Doradas, gota a gota, caen las hojas de lo alto de la acacia. El verano sonríe, sorprendido y cansado, entre el sueño de los jardines que se mueren. Largamente, entre las rosas se detiene todavía, desea el reposo. Lentamente cierra sus ya cansados ojos.
