martes, 2 de agosto de 2011

Festival de Bayreuth 2011: Tristan und Isolde



Tristan und Isolde cast 2011
Conductor Peter Schneider
Production Christoph Marthaler
Production (revival) Anna-Sophie Mahler
Costumes and stage design Anna Viebrock
Chorus director Eberhard Friedrich

Tristan Robert Dean Smith
König Marke Robert Holl
Isolde Iréne Theorin
Kurwenal Jukka Rasilainen
Melot Ralf Lukas
Brangäne Michelle Breedt
Junger Seemann Clemens Bieber
Ein Hirt Arnold Bezuyen
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jueves, 28 de julio de 2011

Festival de Bayreuth 2011: Lohengrin

Escribo sobre el Lohengrin de ayer, con pereza. Tal vez con esta actitud no debería escribir nada, pero es que esta edición del Festival de Bayreuth, está siendo tan flojita que me estoy aburriendo. Quizás, con el Parsifal de Gatti, de esta tarde, el festival remonte el vuelo..., no lo sé. Bueno, seguro que sí, porque esta tarde creo que sólo podr´w escuchar el acto primero (tengo cita con Tosca)  y suelo estar gafada jejeje.

Andris Nelsons, dirigió de forma correcta Lohengrin. No hubo magia, pero todo estuvo en su sitio. Quizás hubo algo de batiburrillo en los concertantes del acto primero. Pero bueno, mejor que el año pasado y espero que mejore en próximas ediciones.

Annette Dash,  como Elsa, repetía. Ya lo comenté el año pasado. Le viene grande, es una mozartiana cantando Wagner, que si al principio sólo grita los agudos, conforme avanza la ópera, la fatiga y la pesadez del rôle le hacen gritar absolutamente todo, además de aparecerle un vibrato molestísimo.

El rey Heinrich, estuvo interpretado por Georg Zeppenfeld engoladísimo cumplió.

La pareja de villanos (Ortrud y Telramund), del año pasado, perpetrada por Evelyn Herlitzius y Hans Joachim Ketelsen, fueron sustituídos por Petra Lang y Tómas Tómasson. ¿Ganamos con el cambio? pues la verdad es que no hubo grandes diferencias. Tómasson se gastó un tembleque continuo en todos los registros de su voz. Y Petra, que comenzó con el mejor agudo femenino dado hasta ahora en esta edición del festival, se desinfló. Fue incapaz de impostar la risa (y mira que hay cantantes que se ríen impostando la risa y sin darse cuenta) y en el duo con Elsa, más parecía una competición por ver quién gritaba más de las dos. Resultaba caricaturesco.

Dejo para el final a Klaus Florian Vogt, que aunque ya cantó alguna función el año pasado tras la "huida" de Kaufmann, este año es la estrella absoluta de este Lohengrin. Si Kaufmann, crea controversia, KFV, no le va a la zaga. Al no haber escuchado a Vogt en un teatro, me crea la duda de saber cómo se le escucha realmente. Pero siendo un un lírico-ligero, cantando Wagner (con el tiempo que lleva haciéndolo) y no haber "cascao", indica que, pese a tener una voz blancuza y no muy grande, debe correr y proyectarse muy bien en el teatro, sino no me lo explico.
Y es que Vogt posee una voz homogénea sí, pero blanca en el centro y en los agudos, que se traduce en agudos afalsetados. ¡Si es que todo es tan blanco que me viene la imagen de un niño que va ha tomar la primera comunión!

Pero es un tío inteligente, porque muchos hubieran caído en la tentación de buscar sonoridades espúreas, como engolamientos, para "sacar más voz", teniendo en cuenta lo que canta. Él no, él no fuerza, y por la escucha en radio, sólo se pierde en los concertantes. Tiene muy buena línea de canto, con uso de dinámicas intentando colorear sus interpretaciones, como ayer se escuchó en su In Fernem Land.

Para muchos, su Lohengrin es una gran recreación, porque con ese tiembre se crea un Lohengrin mágico, angelical. Pero a mi se me cae la imagen de caballero al rescate de la dama con ese timbre. Y es que esas intenciones y fraseo se me viene a bajo, cuando escucho esa "vocecilla" entre la ampulosidad y riqueza de la orquesta wagneriana.

Cuestión de gustos, pero yo lo preferiría cantando otro tipo de repertorio.

Lohengrin cast 2011 

Stage director: Hans Neuenfels
Conductor: Andris Nelsons
Stage design Reinhard von der Thannen
Costumes Reinhard von der Thannen
Dramaturgy Henry Arnold
Chorus Eberhard Friedrich
Video Björn Verloh
Light Franck Evin
Video Björn Verloh
Concept cooperation Susanne Øglænd

Lohengrin Klaus Florian Vogt
Heinrich der Vogler Georg Zeppenfeld
Elsa von Brabant Annette Dasch
Friedrich von Telramund Tómas Tómasson
Ortrud Petra Lang
Der Heerrufer des Königs Samuel Youn
1. Edler Stefan Heibach
2. Edler Willem van der Heyden
3. Edler Rainer Zaun
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miércoles, 27 de julio de 2011

Festival de Bayreuth 2011: Die Meistersinger von Nürnberg

Poco que comentar sobre estos Maestros Cantores, más que nada, porque no escuché la retransmisión completa (la siesta me pudo).Una producción ya conocida (creo que es el quito año que se representa) que cuenta con la dirección musical de Sebastian Weigle y la producción de Katharina Wagner. Las novedades de éste año, eran el cambio de intérprete del Veit Pogner (Georg Zeppenfeld por Artur Korn) y del Walter von Stolzing (Klaus Florian Vogt que canta hoy Lohengrin, fue sustituído por Burkhard Fritz). De lo escuchado, no me desagradó para nada Fritz, con un timbre mucho más redondo y voz con más cuerpo que KFV, valiente aunque quizás, con agudos algo estrangulados.

Al término de la función, hubo abucheos para la puesta en escena.

Die Meistersinger cast 2011

Conductor Sebastian Weigle
Production Katharina Wagner
Stage design Tilo Steffens
Costumes Michaela Barth / Tilo Steffens
Chorus Director Eberhard Friedrich

Hans Sachs James Rutherford
Veit Pogner Georg Zeppenfeld
Kunz Vogelgesang Charles Reid
Katharina WagnerKonrad Nachtigall Rainer Zaun
Sixtus Beckmesser Adrian Eröd
Fritz Kothner Markus Eiche
Balthasar Zorn Edward Randall
Ulrich Eisslinger Florian Hoffmann
Augustin Moser Stefan Heibach
Hermann Ortel Martin Snell
Hans Schwarz Mario Klein
Hans Foltz Diógenes Randes
Walther von Stolzing Burkhard Fritz
David Norbert Ernst
Eva Michaela Kaune
Magdalene Carola Guber
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martes, 26 de julio de 2011

Festival de Bayreuth 2011: Tannhäuser


Ayer, dia de Santiago Apóstol, se daba comienzo a una nueva edición del festival de verano por excelencia, el Festival de Bayreuth. El festival de la Verde Colina, cumple este año cien ediciones, si bien es cierto, que a pesar del número "redondo", no van a haber grandes celebraciones. Éstas, se guardan para la edición de 2013, año del bicentenario del nacimiento de Richard Wagner, con una nueva producción del Anillo (que parece que tendrá a Frank Castorf, como director de escena) y con la inclusión, por primera vez en el festival de Die Feen y Rienzi.

Esta nueva edición, tenía un handicap negativo para la que escribe. No había Anillo. La Tetralogía dirigida por Christian Thielemann, había sido el plato fuerte de los últimos años, del festival wagneriano, alcanzando un nivel de excelencia musical (no vocal) a la altura de los grandes tótem que han pasado por el podio del festival.

Este año, volveremos a escuchar Maestros Cantores, Lohengrin, Parsifal y Tristan. Y la novedad y nueva producción, era el Tannhäuser. Una ópera con cantantes desconocidos para mi, y un director musical que debutaba en Bayreuth. Por lo tanto, había que darle un margen de confianza.


Por desgracia, ese margen de confianza comenzó pronto a diluirse. Thomas Hengelbrock, director musical, ofreció una lectura muy lírica de la partitura, y con pocos contrastes (quizás, el acto primero fue el más logrado) que fue cayendo en una versión anodina y plumbea de Tannahäuser. Es el problema de las versiones muy líricas, que hay que saber mantener la tensión para que la versión no termine siendo un auténtico sopor (cosa que acurrió ayer).

Thomas Hengelbrock, del que sólo recuerdo el nombre por la Ifigenia en Tauride, del Teatro Real, según Pérez de Arteaga, no sólo era debutante en Bayreuth, sino que ¡debutaba dirigiendo Wagner! Si esto es así, no entiendo cómo se corre el riesgo por parte de las nietísimas de dar a un director nobel (especializado en barroco y clasicismo), la dirección de un Tannhaüser que además, abre el festival. Creo que es un gran error.

Por cierto, Thomas Hengelbrock, sino me equivoco, será el encargado de dirigir en el Teatro Real, La Clemenza di Tito y uno de los Parsifal...


El apartado vocal. Como casi siempre ocurre (en los últimos tiempos) en Bayreuth, un auténtico lastre. Un conocido, wagneriano a ultranza y antiverdiano a partes iguales, siempre afirmaba tras una representación verdiana con malos cantantes que, debería dejarse de cantar Verdi porque no había voces para representarlo. Bien, pues a esa máxima se podría llegar ayer, cambiando a Verdi por Wagner, tras lo escuchado. Aunque no es del todo cierto, porque si bien no estamos en una Edad Dorada del Canto Wagneriano (como en el Verdiano), si que hay cantantes para "sacar adelante" una ópera wagneriana. El problema es que no van a Bayreuth.

¿Por qué? Porque en los tiempos que corren, pocos cantantes están dispuestos a permanecer tanto tiempo en Bayreuth con los ensayos y con las representaciones, cobrando relativamente, poco. Muchos hacen acto de presencia un año, para poder decir "yo he cantado en Bayreuth" y luego desaparecen.

Esta política de los últimos tiempos de Bayreuth, apostando más por las puestas en escena que por cantantes, va a terminar mal, porque llega un momento que no compensa escuchar a canes (y mira que me gusta poco utilizar el término) para disfrutar de la orquesta de Bayreuth.

Pero vamos a lo que pudimos escuchar ayer, comenzando por la Venus de Stephanie Friede. Ayer comentaba en twitter que es la peor Venus que he escuchado en mi vida. Y es que yo ayer sentí vergüenza ajena, al escuchar a esta señora. Poseedora de un timbre horrorosamente feo (de ésto no tiene la culpa, porque cada uno tiene el material que tiene y no se puede cambiar), sin graves, con desigualdades en el registro, un agudo apretado y estridente, y una afinacion que por momentos llegó a ser nula (hubo pasajes en los que no daba una nota en su sitio ni por casualidad). Siento ser tan dura, pero es que escucharla ayer fue una auténtica tortura.

Tannhäuser, fue interpretado por el tenor sueco Lars Cleveman. Del que no tenía ninguna referencia y que buscando información a posteriori, parece ser que abandonó la carrera como cantante de rock, para meterse en el mundo de la ópera. ¿Qué decir de él? Pues que si hubiera estado un Endrik Wottrich o un Stephen Gould, no hubieramos notado la diferencia porque todos están cortados por el mismo patrón: canto engolado, paso apretado, agudos abiertos y gritados... Bueno, a lo mejor con alguno de los anteriores hubieramos tenido algún matiz más, porque Cleveman cantó toda la ópera como si recitara en voz alta la tabla de multiplicar, lo mismo le daba estar en un duo de amor, que en el concurso de canto... todo igual. Eso si aguantó (verbo típico para las crónicas de los tenores de Bayreuth) aunque llegó fatal al final.


Elisabeth fue Camilla Nylund. Una soprano demasiado lírica para el papel que tuvo verdaderos problemas para sacar adelante el rôle. Únicamente se encontró cómoda en los pasajes más líricos, pasándolo realmente mal en las partes más pesadas, recurriendo al forte y al grito. No es papel para ella.

En cuanto a las voces graves, Michael Nagy, interpretó Wolfram von Eschenbach. Se le podría achacar que es un barítono demasíado lírico para Wolfram (como decía el consorte, no es London, precisamente), pero ese no es el problema principal, porque un barítono lírico como por ej. Christian Gerhaher ha hecho buenos Wofram. El problema es que no tiene ni la sutileza ni la riqueza expresiva que se requieren para cantar el "O du mein Holder Abendstern", y que carece de unos mínimos graves para cantar el papel (sonaron muy blancos y huecos).

Quizás lo mejor de la tarde fue el bajo Günther Groissböck (Landgraf Herrmann), una auténtica voz de bajo. Y el pastorcillo, Katja Stuber, que cantó muy bien el "Frau Holda".

Por supuesto, destacar la labor de los coros de Bayreuth que brillaron a un gran nivel, salvando la representación sobre todo, en el acto tercero.

Tannhäuser (nueva producción) cast 2011

Stage director Sebastian Baumgarten
Conductor Thomas Hengelbrock
Stage design Joop van Lieshout
Costumes Nina von Mechow
Dramaturgy Carl C. Hegemann
Chorus Eberhard Friedrich
Tannhäuser: Lars Cleveman
Elisabeth - Camilla Nylund
Venus Stephanie Friede
Landgraf Herrmann Günther Groissböck
Wolfram von Eschenbach Michael Nagy
Walther von der Vogelweide Lothar Odinius
Biterolf Thomas Jesatko
Heinrich der Schreiber Arnold Bezuyen
Reinmar von Zweter Martin Snell
Ein junger Hirt Katja Stuber
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Nota final: Aunque al audio está cortado, hubo bronda y abucheos para los responsables de la puesta en escena, para la Venus, para el tenor y para el director musical.

lunes, 28 de marzo de 2011

EN DEFENSA DE LOS CANTANTES LÍRICOS ESPAÑOLES

A continuación reproduzco el manifiesto que anda circulando estos dias, a favor de los cantantes líricos españoles y que se quiere presentar a la Ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde.
Recientemente ha tenido lugar la presentación de la temporada 2011/2012 del Teatro Real, la primera que ha sido completamente diseñada por el Sr. Gerard Mortier, director artístico de dicho teatro. La presencia de cantantes españoles en la programación es prácticamente inexistente, de forma similar a como ha sucedido en la presente temporada 2010/2011, donde su presencia era minoritaria incluso en la ópera española “La página en blanco”. Para la próxima temporada, el Teatro Real tampoco va a contar con los cantantes españoles, ni siquiera para interpretar los papeles principales de la ópera “Ainadamar”, obra compuesta en castellano en torno a las figuras de Federico García Lorca y Margarita Xirgú.

Sin entrar a discutir las decisiones del Sr. Mortier sobre la programación del Teatro Real y los repartos elegidos, lo que nos parece intolerable son las declaraciones que ha realizado para justificar que no se contraten cantantes españoles para las obras programadas en dicho teatro. Según han recogido distintos medios, el Sr. Mortier considera que “los cantantes españoles carecen de estilo. Cantan un aria de Verdi como si fuera de Puccini” y ha remachado estas declaraciones diciendo que les hace falta una academia para corregir esta supuesta falta de estilo.

Dado que ningún responsable del Ministerio de Cultura, del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música o del Patronato de la Fundación Teatro Real ha salido en defensa de los cantantes españoles, nos vemos obligados a expresar públicamente nuestro rechazo a las declaraciones del Sr. Mortier y a defender la calidad de nuestro trabajo. A este respecto queremos exponer, en primer lugar, que:
          1.    Los cantantes españoles de ópera tienen, al menos, la misma calidad y nivel que sus compañeros    de otras nacionalidades.
          2.    Desde el siglo XIX, España ha sido uno de los países donde mayor número de cantantes de prestigio internacional han surgido. Esto continúa siendo de aplicación en el momento presente.
          3.    Los cantantes españoles son continuamente reclamados por los teatros de ópera más importantes del mundo –Viena, París, Berlín, Roma, Nueva York, Zúrich, Ámsterdam, Salzburgo, Milán etc.- para representar en ellos todo tipo de repertorio, obteniendo gran éxito de crítica y público año tras año.
          4.    En todos los países donde existe un teatro de ópera de características similares al Teatro Real, la presencia de cantantes nacionales de esos mismos países en las obras que se representan en ellos es habitual. El Teatro Real es una excepción a esta regla: en él no se contratan cantantes españoles. Esto ha sido así en la presente temporada y así es para la temporada 2011/2012, diseñada por el Sr. Mortier.
          5.    Es la primera vez que se escucha al director artístico de un teatro de ópera descalificar la calidad interpretativa de todos los cantantes de una determinada nacionalidad, basando su crítica precisamente en la nacionalidad de dichos intérpretes. Esto es suficiente, a nuestro juicio, para desacreditar el supuesto conocimiento del Sr. Mortier sobre los cantantes y sobre estilo de canto: es obvio que nada tiene que ver con el lugar de nacimiento de las personas.

Por las razones expuestas, consideramos que el Sr. Gerard Mortier no está capacitado para dirigir el Teatro Real, pero dejando a un lado la discusión sobre sus conocimientos acerca de la voz, entendemos que el empleo de criterios absolutamente discriminatorios para la contratación de cantantes -algo que nos parece aún más grave al tratarse de un teatro público-, debería ser suficiente para provocar su destitución.
Por todo ello, los abajo firmantes solicitamos:
          1.    La destitución del Sr. Gerard Mortier como director artístico del Teatro Real, y
          2.    Que los cantantes españoles tengan las mismas oportunidades que sus compañeros de otras nacionalidades para cantar en dicho teatro, de manera que su presencia en él no sea algo excepcional, tal y como ocurre en estos momentos.


https://docs.google.com/document/d/1WuvNHkmB3uwfZjbV0vZK_mKVeP5Dz4tJp0WkGLzm_hw/edit?hl=en&authkey=CMmZ87cB&pli=1#
Los que quieran unirse al manifiesto (no es necesario ser cantante lírico), sólo tienen que pinchar en el enlace anterior, añadir nombre, apellidos y DNI; y pinchar en "Saved". 
Si ya habéis firmado, revisadlo para ver si aparece vuestra firma, porque lo han borrado varias veces y a pesar de las copias de seguridad, puede haberse borrado.

sábado, 19 de marzo de 2011

I Vespri Siciliani. Teatro Regio Torino


No pudimos disfrutar de la retransmisión televisiva de estas Visperas, desde fuera de Italia, pero ahí estaba la radio.

Cuatro pinceladas de lo escuchado ayer, que no tengo mucho tiempo: Kunde no tuvo su noche, puesto que la voz, desde la zona del paso hacia arriba, no le iba. Por ej, dio un falsetone para coronar la siciliana del último acto. Me hubiera gustado escuchar a Sondra, pero al final canceló debido a un resfriado, que ya le perjudicó en la noche de estreno. La sustituyó Maria Agresta, que cumplió como Elena, con momentos muy buenos, combinados con otros en los que la voz careció de apoyo y algún que otro problema de fiato. Franco Vassallo, es malo y punto (y creo que ni ha nacido en España, ni tiene nacionalidad española). Ildar Abdrazakov, se marcó un un fantástico Procida, con un gran "Oh tu Palermo". Pero lo mejor de la noche fue la orquesta y la dirección. ¡Por fin una representación de una ópera de Verdi, que suena a Verdi! Grandísima la dirección de Noseda.

La duchessa Elena Maria Agraste
Arrigo, giovane siciliano Gregory Kunde
Guido di Monforte Franco Vassallo
Giovanni da Procida Ildar Abdrazakov
Il sire di Bethune Dario Russo
Il Conte Vaudemont Dario Russo
Ninetta Giovanna Lanza
Danieli Matthias Stier
Tebaldo Cristiano Olivieri
Roberto Seth Mease Carico
Manfredo Roberto Guenno



Orchestra e Coro del Teatro Regio
direttore d'orchestra Gianandrea Noseda
maestro del coro Claudio Fenoglio

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martes, 15 de marzo de 2011

Festival del Humor: Temporada Teatro Real 2011-212

Temporada

Y su creador:
En Europa Press
El director artístico del Teatro Real, Gerard Mortier, ha calificado este martes de "exigente" la próxima temporada 2011-12, la primera que firma íntegramente y que se abrirá con 'Elektra' de Strauss, el viernes 30 de septiembre.

En un momento que tanto el director general del coliseo madrileño, Miguel Muñiz, como el presidente del Patronato, Gregorio Marañón, coincidieron en definir de "difícil" y "crítica" desde el punto de vista presupuestario, el intendente belga se ha mostrado partidario de adaptarse a estos nuevos tiempos pero sin renunciar a su "misión": "Dar carácter europeo al Teatro Real".

El presupuesto para la temporada que viene ronda los 14 millones de euros (en 2011 ha sido de 15,8 millones) y con esa cifra, Mortier se ve perfectamente capaz de asumir una programación "de calidad", que "atraiga a nuevos públicos". En su opinión, en tiempos de crisis no se puede malgastar el dinero (un 44% público y un 56% de las actividades del Teatro) en costosas puestas en escena. También está mirando mucho el caché de los artistas, con los que confiesa ser "muy duro en las negociaciones".

MAYORÍA DE ÓPERAS DEL SIGLO XX

La temporada 2011-12 cuenta con 13 óperas de las que nueve de ellas son del siglo XX, una preferencia que ya manifestó el director artístico del Real a su llegada al coliseo. Junto a 'Elektra', otros dos títulos del siglo XX ('Pelléas et Mélisande' de Debussy, en colaboración con el Liceo, y 'Lady Macbeth de Mtsensk', de Shostakovich) conforman el primer bloque de las que Mortier ha denominado "grandes óperas" de la citada centuria.

Dentro de las "obras del repertorio menos conocido", se incluyen el programa doble y nueva producción del Real 'Iolanta' de Tchaikovsky y 'Persephone' de Stravinsky (enero de 2012); 'La clemenza di Tito' de Mozart (febrero de 2012); 'I due Figaro', de Mercadante (marzo 2012) con dirección escénica de Emilio Sagi y musical de Riccardo Muti; y 'Cyrano de Bergerac' de Franco Alfano (mayo de 2012) cuyo cartel encabezará Plácido Domingo.

Mortier ha diseñado además una programación pensada para "crear nuevos públicos" con obras como 'C(h)oeurs', un proyecto de Alain Platel con música de Verdi y Wagner (marzo 2012) que será estreno mundial; 'The life and Death of Marina Abramovic', un encargo de Teatro con música de Antony & de Johnsons (abril de 2012); 'Poppea e Nerone', con música de Monteverdi orquestada por Philippe Boesmans (junio de 2012); y 'Ainadamar' de Osvaldo Golijov, una elegía sobre García Lorca (julio de 2012). En versión de concierto podrán escucharse 'La finta giardiniera' de Mozart; 'Don Quichotte' de Massenet y 'Rienzi' de Wagner.

ARTISTAS

Entre los directores musicales que se acercarán al Teatro Real por primera vez, Mortier citó a Semyon Bychkov, Hartmut Haenchen, Marc Piollet y Riccardo Muti. Por su parte, también pisarán por primera vez el coliseo madrileño los directores de escena Martin Kusej, Peter Sellars, los hermanos Ursel y Karl-Ernst Herrmann, Alain Platel, Petrika Ionesco y la propia Marina Abramovic.

En la lista de cantantes, junto al ya citado Plácido Domingo, sobresalen otros nombres como los de Deborah Polanki, Camila Tilling, Ekaterina Scherbachenko, Dominique Blanc, Yann Beuron, Willem Dafoe, Ángel Ódena o José Manuel Zapata.

Por su parte, la programación de ballet contará con la presencia de Les Ballets de Monte-Carlo, una Gala de Ballet Ruso, Danza Contemporánea de Cuba y Les Ballets C de la B. Como novedad, se inicia el ciclo 'Las noches del Real', una serie de encuentros con grandes artistas que iniciará Sir Neville Marrimer y continúan Las Mañanas Familiares, Los Domingos de Cámara, el Programa Pedagógico (se triplicarán los abonos jóvenes) y Ópera Ciudadana (charlas, conferencias, cursos, exposiciones).

¿QUÉ ES EL PATRIMONIO ESPAÑOL?

Preguntado por la ausencia en esta programación de títulos de autores españoles, Mortier preguntó rotundo: "¿Qué es el patrimonio español?" El director artístico aseguró que el patrimonio español "es mucho más grande de lo que se piensa" y recordó que la obra de Mercadante se escribió en España y puede considerarse una obra española, como también 'Ainadamar', que tiene como protagonista a Lorca.

Aún así, Mortier, que se mostró partidario de "no reducir el patrimonio español a una idea nacionalista", adelantó algunos proyectos de cara a los años venideros: un encargo a Mauricio Sotelo sobre textos de Lorca; otro a la compositora sevillana Elena Mendoza sobre textos de Onetti; o un espectáculo de flamenco con Israel Galván sobre los gitanos.

Otra novedad que anunció Mortier, que está convencido de que en los próximos cinco años que figuran en su contrato "el equilibrio se instalará", es la presencia del Festival de Pascua de Salzburgo que dirige Simon Rattle con tres títulos: 'Parsifal', en 2013; 'Salomé' en 2014; y 'Carmen' en 2015.

Por otra parte, respecto a la escasez de artistas españoles en la programación, el intendente belga no ha dudado en afirmar que "ningún director de ópera ha hecho tanto" por los artistas españoles como él y ha criticado que, a pesar de las "buenas voces" que hay en España "falta estilo". "Cantan Verdi como Puccini y el estilo mozartiano es muy malo", señala. "Necesitamos crear una escuela lírica. Ese es mi sueño", ha añadido.

Para el director general del INAEM, Félix Palomero, la temporada 2011-12 del Teatro Real tiene una "altísima calidad" y una "amplia paleta estilística en una línea de apertura al nuevo público sin renunciar al de siempre".


En el BOE del Teatro Real, o lo que es lo mismo El País:
El director belga se ha mostrado muy confiado en el éxito que alcanzará su propuesta, pero no ha querido ocultar que se trata de una programación "exigente". "Creo en el público, siempre ha acudido allá donde he trabajado. Y además, queremos atraer a nuevos espectadores al teatro. No entiendo que a principios del siglo XXI nos asusten todavía los compositores muertos del siglo XX. Hay que abrir nuestra reflexión", ha pedido. Y eso, aunque la coyuntura económica y el conservadurismo de algunos abonados pueden casar mal con los títulos que ha pensado para su segunda temporada al frente del Real.
(...)
Para el repertorio menos conocido, destacó Mortier I due Figaro de Mercadante. "No está Rossini, pero tenemos a Mercadante que es tan genial y además hay que descubrirlo", lanzó el director flamenco. Además, subrayó la inclusión de la Clemenza di Tito como una de sus "mejores producciones", concretamente la calificó como su "osito Teddy".

En El Economista:
Escepticismo ante la programación

Con estos mimbres, las críticas no se han demorado demasiado entre la Asociación de los amigos de la Ópera de Madrid. Acostumbrado a ellas, Gerard Mortier tendrá que soportar el enfado de quienes no entienden por qué no hay óperas españolas o por qué se ha olvidado de los intérpretes patrios. Una razón que no se entiende, cuando en sus inicios, fue Mortier adalid de lo autóctono y por ende el mayor defensor de la creación de una ópera en Flandes -lo que dejó reflejado en una suerte de panfleto publicado por él mismo bajo el título "Escándalo cultural flamenco"-.

Claro, que hay de todo como en botica. El día que el flamenco abandonó la dirección del Festival de Salzburgo sus opositores descansaron insertando una esquela a toda página con su nombre.


¿Reimos o lloramos?

No voy a comentar nada más que lo publicado en prensa, que ya es bastante.

Por cierto, ya tiene grupo en Facebook

miércoles, 2 de marzo de 2011

Les Huguenots, en Madrid


La representación de una ópera como Les Huguenots, en nuestros días, es un auténtico acontecimiento, marcado en rojo en el calendario de muchos aficionados en el mundo. Este año, primero en Madrid y en junio, en Bruselas, son las citas con esta emblemática ópera de Meyerbeer, paradigma de una ópera que ya no existe.

Es por eso que se esperaba con gran expectación las representaciones en el Teatro madrileño,  que se han realizado en versión concierto. La carencia de una puesta en escena, que acompañe y esté al servicio de esta gran ópera, tiene el aspecto positivo, que el director de escena de turno, no la masacre. Pero también tiene uno negativo, y es que con la duración de la obra y debido a la música que contiene, puede caer en el aburrimiento más soporífero, sino cuenta con una dirección orquestal que saque el jugo, la belleza, el contraste, de esta auténtica enciclopedia musical que son Les Huguenots.

Meyerbeer, crea una partitura ecléctica, con elementos barrocos, como esas reminiscencias a Bach, a los recitativos handelianos, o el uso del obligato con instrumentos como la viola d´amore en la romanza de Raoul; melodias populares francesas como en la cavatina de Urbain; la tradición de la ópera francesa, con los ballet y grandes coros; las melodías italianas y la armonía alemana. Todo estos elementos conforman una orquestación suntuosa e inusual, una ópera de contrastes, de grandes escenas combinadas con momentos intimistas, pero todo ello, en grandes cuadros de conjunto, sin la división en números más cerrados, de  la ópera italiana. Probablemente, es en cuarto acto donde se observan con más claridad, estos contrastes, con la escena de La Bendición de las Espadas, y el Gran Duo de Raoul y Valentine.

En Madrid, el encargado de dar vida a esa partitura orquestal, fue el director Renato Palumbo, que tuvo que lidiar con la Orquesta del Teatro Real , lo cual ya es bastante. Palumbo no se enfrentaba por primera vez a Huguenots, puesto que en 2002, ya los dirigió en Martina Franca. El mayor problema de su dirección es la falta de tensión generalizada, cayendo en bastantes momentos en el aburrimiento. Sólo parecía salir de ese tedio en los momentos de vigor, en los concertantes, pero tuvo verdaderos problemas en los momentos más intimistas incapaz de mostrar la delicadeza de Meyerbeer.

El Coro Inermezzo, titular del Teatro Real, fue reforzado con el Coro de la Comunidad de Madrid. Recordemos que el coro es una parte importantísima de ésta ópera y podemos decir que salieron airosos de esta piedra de toque, en la que la parte femenina estuvo mejor que la masculina.

Uno de los mayores problemas para poner hoy en día, unos Hugonotes en escena, y quizás el más importante, es encontrar un elenco de cantantes que pueda cantar cada uno de los personajes de esta ópera.  De hacer interpretaciones memorables, ya ni hablamos. Casi hay que conformarse con que saquen sus personajes adelante. Comencemos con el tenor, verdadero protagonista de Huguenots, Raoul de Nangis, que fue creado para Adolph Nourrit, uno de los mayores exponentes de la escuela tenoril antigua y alumno de García. Para cantar Raoul, se necesita un tenor con gran extensión y con grandes medios, pudiendo hablar de un tenor spinto pero que sea un tenor di grazia, para afrontar una partitura endiablada. Debe soportar el peso orquestal y sobrepasarlo, así como los continuos concertantes y coros.

Es por  la dificultad de la partitura, que le papel de Raoul (que también interpretó Duprez, y por tanto, con los agudos a voz plena) que tenores tan dispares hayan interpretado el role, desde un Lauri-Volpi, un Corelli o un Giacomini, a tenores con muchísimo menos peso vocal como Blake, o en los últimos años Gregory Kunde (que lo retomará el año que viene), Osborn o como en Madrid, Eric Cutler. Cutler, es un lírico-ligero, con un instrumento pequeño, y con una voz muy nasal que liberó en pocos momentos. La voz, por supuesto, quedó tapada en los momentos concertantes y sólo lució y de forma muy modesta, en los momentos más intimistas, aunque tuvo momentos críticos por ejemplo, en el Gran Duo. También tuvo problemas con los agudos, que se le quedaban atrás.

Valentine, fue interpretada por Jiuliana Di Giacomo. Recordemos que Meyerbeer escribió Valentine para la soprano Marie Cornélie Falcon, que dio nombre a esa tipología de soprano, una mezcla de soprano drámatica y mezzo, con una impportante coloratura. Di Giacomo posee una voz importante, con peso, con graves, pero que por arriba se descontrolaba, con agudos abiertos y gritados. Es muy joven  y tiene material, pero técnicamente tiene que trabajar mucho, porque ese registro agudo no es de recibo.

Annick Massis, volvió a interpretar a la Reina Marguerite. Massis es una soprano ligerísima, sin ningún peso vocal, carente de algo parecido a un centro, timbre paupérrimo, completamente perdida en la coloratura de su aria  principal (O beau pays de la Touraine), un horror.

El trio femenino fue completado por Karine Deshayes, interpretando el paje Urbain. Cumplidora, es como mejor se la podría definir, con su cavatina "Nobles seigneurs, salut". No cantó el Rondó (que fue añadido por Meyerbeer para Marietta Alboni), que fue cortado, al igual que se cortaron el ballet del acto tercero y el aria de Raoul del último acto.

Dimitry Ulyanov interpretó a Marcel, y quizás fue éste el cantante que mejor parado salió de la función. Posee una verdadera voz de bajo, algo raro en los tiempos que corren, sin problemas en los graves ni por arriba. Aunque es cierto que tiene un cierto entubamiento y sonidos algo guturales. Probablemente, lo mejor de la noche fue el canto de la Coral "Segneur, rempart et seul soutien", dando muestra de la rotundidad de sus medios vocales.

Más flojos resultaron el Conde de Saint-Bris de Marco Spotti, dedicándose a poner voz de ogro bajo, y el flojísimo barítono Dimitris Tiliakos con unos agudos abiertos.

Y por último añadir, algo que me cabreó bastante ayer, aunque pueda parecer algo menor, en comparación con todo lo escrito arriba: la falta de que las voces sonaran empastadas. Fue un auténtico suplicio escuchar las partes concertantes, con voces que iban cada una por su cuenta, y ayer fue la tónica general.

Recordemos el reparto completo:

MEYERBEER: Los hugonotes (versión concierto).
-A. Massis (Marguerite de Valois)
-J. Di Giacomo (Valentine)
-K. Deshayes (Urbain)
-E. Cutler (Raoul de Nagis)
-M. Spotti (El conde de Saint-Bris)
-D. Tiliakos (El conde Nevers)
-D. Ulyanov (Marcel)
Coro Titular del Teatro Real,
Coro de la Comunidad de Madrid
Orquesta Titular del Teatro Real.
Dir.: R. Palumbo.

jueves, 24 de febrero de 2011

IL BUATORE BUATO


Difícil, muy difícil hablar y comentar hechos y situaciones en las que no se está presente, que se desarrollan en otro país y que, sólo se conoce por lo que se recoge en medios periodísticos, blogs y foros. Por todo lo anterior, soy una “atrevida” por querer comentar lo que está sucediendo en el Teatro alla Scala de Milán.  Pero no me resisto, aunque mi opinión se aleje de la realidad.

Como bien sabréis, se está representado estos días en la Scala, Tosca. Y casi todos los días, hay noticia. Caídas del cartel, abucheos para el director de orquesta, para los cantantes…  y en la función del día 22 de febrero,¡abucheos para los abucheadores!

Empecemos por el principio. Se representa la errática producción de Bondy del Met, aunque con  ciertas modificaciones (recordemos que es una coproducción del Met, Mónaco y la Scala). El maestro Daniele Gatti,  renuncia a dirigirla trece meses antes, por motivos artísticos y se busca como sustituto al joven director, y  titular del Palau de les Arts, Omer Meir Wellber. Unos días antes del a “prima”, comienzan los rumores de que tanto Kaufmann, como la soprano Oksana Dyka (ya abucheada en Pagliacci), se van a caer del cartel. La noticia se confirma, argumentándose que la baja de los cantantes (a la que hay que añadir la del tenor del segundo reparto,  Marco Berti) es debida a un virus…

El 15 de febrero es la “prima”, esa noche cantan Sondra Radvanovsky (que andaba en Torino, con los ensayos de Las Visperas Sicilianas) y Aleksandrs Antonenko. Al final de la función, abucheos centrados en Omer Meir Wellber. Lissner arremete contra los abucheadores.  El debate se centra en si los loggioni abucheadores se han pasado o tienen razón. El 17, aparece Dyka y Carlo  Ventre (de nuevo baja de Kaufmann), de nuevo abucheos. A la tercera va la vencida y canta Kaufmann, que no se salva de los abucheos. Por último, el día  22, parte del público educado (y pongo educado, en contraposición de maleducados, que es como muchos consideran a aquellos que expresan su disconformidad por medio del abucheo), increpan y casi llegan a las manos con esa parte del público que ha abucheado.

Pero, ¿por qué se abuchea? Existe una parte del público que considera legítima la forma del abucheo, como una forma evidente de mostrar su disconformidad de lo que ocurre en escena. No es nuevo, se puede hablar de una tradición en el mundo de la ópera. Para otra parte del público, los “educados” como yo les llamo, este tipo de manifestaciones son totalmente inadecuadas e incluso las califican como “carcas, retrógradas y maleducadas”. Dentro de este grupo de abucheadores,  existen grupos “duros” de aficionados, que tendría como equivalencia en el mundo taurino, el famoso Tendido del Siete, en Las Ventas de Madrid, y en el caso de La Scala,  el Loggione. Aficionados que yo creo son necesarios en el mundo de la  ópera, aunque en ocasiones no se esté de acuerdo  con lo que hacen.

Esta temporada de la Scala está siendo movidita. Recordemos Pagliacci-Cavalleria, que comenzó con una huelga de trabajadores del teatro que obligaron a suspender la primera función. Pero no sólo eso,  recordemos también la sonora bronca que recibieron José CuraOksana Dyka y el director Daniel Harding. Y ahora lo que está sucediendo en estas funciones de Tosca, comenzando por la prima, en la que se caen los “primeros espadas”. No es la primera vez, que primeras figuras actuales, por h o por b, no cantan la prima… Otros, como Alagna se atrevieron a cantar aunque salieron escaldados…

¿Por qué tanta contestación?  ¿Es únicamente por el bajo nivel de los cantantes y directores? ¿Se abuchea esa falta de seriedad (se anunciaban unas horas antes quienes cantarían) en un teatro como la Scala? ¿Se está intentando volver a un teatro como lo era antaño que “daba y quitaba”? ¿Se está abucheando a Lissner de forma indirecta? Preguntas difíciles de responder, por ésta que escribe.

Desde luego, escuchada, Pagliacci-Cavalleria los abucheos a Cura están más que justificados. Respecto a la soprano y Harding, quizás en otras ocasiones no lo hubieran hecho. Pero también es cierto, que en  otros tiempos más “duros” también  se hubieran llevado su ración de abucheos. Y en Tosca, por lo que  pude escuchar ayer, ocurre tres cuartos de lo mismo, con  un “Vissi d´arte” por parte de Dyka, digamos que muy deficiente. Y un Jonas Kaufmann, que cantó como canta siempre, pero que quizás, al ser Puccini (y ya sabemos que para cantar Puccini, necesitas una técnica a prueba de bombas) puso en evidencia todavía más sus problemas vocales. ¿Abucheos censurables? A mi modo de ver no. Si se critica  la baja calidad artística, completamente de acuerdo, pero abucheos por que sí o, utilizar a cantantes y directores como rehenes de otras cosas que nada tienen que ver con la ópera, no puedo estar de acuerdo. Y por supuesto,  totalmente censurable, esos enfrentamientos entre aficionados que casi llegan a las manos.

Tosca no ha sido, ni va a ser retransmitida. El único audio que he escuchado proviene del programa La Barcaccia, de ayer:


EDITO: Han aparecido 2 videos, con audio de la función




Vídeos de lamadonnadegliangeli

domingo, 20 de febrero de 2011

Gregory Kunde, regresa a Barcelona (¿de nuevo Percy?)


El tenor norteamericano, que en estos últimos días se encontraba en Torino, ensayando Arrigo de Las Visperas Sicilianas, regresa de nuevo a Barcelona. Todo parece indicar que será el encargado de sustituir a José Manuel Zapata, en las próximas funciones de Anna Bolena que quedan por representar en el Liceu de Barcelona. Recordemos que ya fue el encargado de sustituir a José Bros, como Percy en la primera de esta tanda de representaciones de Bolena, en el Liceu.

lunes, 14 de febrero de 2011

¡Feliz San Valentín!


Vídeo de CurzonRoad


O del mio amato ben perduto incanto!
Lungi è dagli occhi miei
chi m'era gloria e vanto!
Or per le mute stanze
sempre lo cerco e chiamo
con pieno il cor di speranze?
Ma cerco invan, chiamo invan!
E il pianger m'è sì caro,
che di pianto sol nutro il cor.

Mi sembra, senza lui, triste ogni loco.
Notte mi sembra il giorno;
mi sembra gelo il foco.
Se pur talvolta spero
di darmi ad altra cura,
sol mi tormenta un pensiero:
Ma, senza lui, che farò?
Mi par così la vita vana cosa
senza il mio ben.

¡Ay! de mi bien amado he perdido el encanto!
Lejos está de mis ojos
quien me era gloria y orgullo.
Ahora por las silenciosas habitaciones
siempre la busco y llamo
con el corazón lleno de esperanzas...
Pero busco en vano, llamo en vano.
Y el llorar me es tan querido,
que sólo de llanto nutro el corazón.

Me parece, sin él, triste cada lugar.
La noche me parece el día;
el hielo me parece fuego.
Si a veces espero
darme cura,
sólo me atormenta un pensamiento:
pero, sin él, ¿qué haré?
Me parece así la vida
cosa vana sin mi amado.

sábado, 12 de febrero de 2011

Angela Gheorghiu: Aida y Jonas Kaufmann: Radames


Vídeo de Darjaius



Y Antonio Pappano, dirigiendo, en una grabación discográfica para la EMI (además de un recital y un disco con arias de Mozart). Así lo ha confirmado la propia Gheorghiu en una entrevista para qobuz:
Confirmez-vous le projet d’enregistrement d’Aïda pour EMI ?
— Oui, avec Jonas Kaufmann encore et Antonio Pappano à la direction. J’ai aussi un projet de récital avec des airs très sérieux. Et peut-être un disque Mozart.

lunes, 7 de febrero de 2011

Roberto Alagna y las boleradas





Vídeos de myyellowlabfan

Vídeo de Phebus74


Vídeo de twistty100


Es que me gana. Adoro cuando Alagna se mete en cosas "raras" como el disco de Luis Mariano, el de Sicilianas o éste, titulado Latino. ¡Quiero este disco YA!

domingo, 6 de febrero de 2011

Anna Bolena en el Liceu


Creo recordar que, para una entrada que realicé referida a una retransmisión de Bayreuth, utilicé, como título de la entrada, "¡Qué les corten la cabeza!". Pues bien, ese título le hubiera venido ni que pintado para expresar lo que se pudo escuchar el viernes noche por CatMùsica, en el Liceu.

Edita Gruberova, interpretó la reina que da nombre a esta ópera de la trilogía Tudor de Donizetti. Edita, que "jugaba en casa" (el Liceu, es uno de esos teatros en los que se la tiene auténtica devoción), recibió oavaciones, bravos y vítores, en una interpretación horrorosa, de Bolena. A Grube sólo le quedan los pianos. La voz está seca, sin ningún armónico, con una emisión durísima, metálica, que hace que sea un suplicio escucharla. Sólo me queda la duda de si en directo, la voz suena distinta (algo así como lo que ocurría a Kraus en sus últimos años de carrera, en los que la voz escuchada en vivo, distaba mucho de la que recogían los micrófonos de grabación). Pero de una cosa que se le escuchó ayer, no tienen la culpa los micrófonos: los portamentos. Es incapaz de alcanzar las notas agudas sin utilizarlos y a veces ni eso, como en el final del "Coppia iniqua", donde se quedó calada. Además tuvo la ventaja de un maestro batutero que le dio todo el tiempo del mundo para el "lucimiento" de la soprano.

La otra gran protagonista es la mezzo letona, Elina Garança. Fue la única que demostró qué es el belcanto. Una voz bonita, que sabe qué tiene que hacer, con una cuidada línea de canto y que en un terreno "imparcial" sería la auténtica vencedora en el duo de reinas. Pero hay algo que me ocurre con ella, y esto es totalmente subjetivo, y es que no me dice nada, la noto muy plana en su interpretación. Pero como digo, esto es totalente subjetivo.

José Bros, se encargo de Percy. Como dijo el consorte, hay que ser muy valiente... para salir a cantar como tiene la voz, porque además optó por hacer la versión con agudos. Bros cada vez que supera la zona del pasaje, sufre y sufre mucho, porque la voz se le abre, sus agudos abiertos y gritados son casi cosa habitual en los últimos tiempos. Yo a veces me pregunto si el oyente habitual de ópera sabe distinguir entre un agudo abierto y gritado, de uno timbrado y colocado, teniendo en cuenta las cosas que se leen (de muchos críticos/periodistas, ni me lo planteo...). Por cierto, para los que andan diciendo que, debido a que un tenor, ensancha la voz (por ej., pasar de lírico-ligero a lírico) hace que se resienta la zona del pasaje y del agudo, que se escuchen a éste señor: http://www.youtube.com/watch?v=C4NJJH1AROs.La zona del pasaje y del agudo se resienten cuando no hay técnica. Y lamentablemente si escuchamos a Bros hace diez años, ya tiene abiertos los pasajes y el agudo. Es mas, la voz no le gira. En un momento de ascensión al agudo, tuvo que truncar la nota para poder bajar otra vez. ¿Donde está el problema? Que la legión de seguidores que tiene en los foros donde silencian a cualquier "disidente", hace que parezca un cantante decente y digno de ser escuchado. Pero es mentira. La cruda realidad es que a Bros se le perdonan cosas que a cualquier otro tenor, no digamos si le hace sombra, le costaría el despelleje. Ya lo hacen cantando perfecto...

Colombara, como Enrico. Llega un momento en el que ya no sabe cómo colocar la voz para buscar graves. Alguno de ellos, parecían eruptos. Además, durante el primer acto, la voz parecía que tenía una lija de grado medio en la garganta, con unos rascones más que evidentes.

Del resto del reparto, Prina, quiso demostrar que tenía más graves que Orfila, y lo hizo con unos graves que no tiene, poniendo voz de "señora camionera" (con todos mis respetos para las camioneras). Y como ya dije más arriba, Andriy Yurkevych, como maestro batutero, con una dirección tediosa al servicio de la dama.

No voy a subir la grabación completa de la ópera, puesto que, me dio muchísimos problemas a la hora de grabar, pero su voy a poner unos "jailaits" de la función del viernes:

Da quel di:


Duo y final acto primero:


Duo Anna-Seymour acto segundo:


Duo Enrico-Seymour acto tercero:


Vivi tu, acto tercero:


Al dolce guidami, acto tercero:


Coppia iniquia, acto tercero:

domingo, 30 de enero de 2011

Tosca, desde el Met


Tosca - Puccini

Floria Tosca, a celebrated singer ..... Sondra Radvanovsky (Soprano)
Mario Cavaradossi, a painter ..... Marcelo Álvarez (Tenor)
Baron Scarpia, chief of police ..... Falk Struckmann (Baritone)
Cesare Angelotti, former Consul of the Roman Rep. ..... Peter Volpe (Bass)
A Sacristan ..... Paul Plishka (Bass)
Spoletta, a police agent ..... Dennis Petersen (Tenor)
Sciarrone, a gendarme ..... James Courtney (Bass)
A Jailer ..... Harold Wilson (Bass)
Chorus and Orchestra of Metropolitan Opera
Marco Armiliato - Conductor

Metropolitan Opera, New York

Acto primero: http://www.megaupload.com/?d=WNEX5MNR

Acto segundo y tercero: http://www.megaupload.com/?d=QG6FPT1M

Pass:zerlinetta

sábado, 29 de enero de 2011

La Forza del Destino, en Parma


Probablemente, la de anoche fue la “prima” más tranquila de las óperas que se llevan representadas esta temporada en Parma (contando el Festival Verdi), si bien La Forza del destino, abría la Stagione Lirica, del Teatro Regio. Si bien es cierto que, antes si habían surgido problemas, como las sustituciones de Daniela Dessì por Dimitra Theodossiu , y Francesco Hong por Aquiles Machado.

Dimitra Theodossiu, que debutaba como Leonora, tuvo una noche irregular. Combinó momentos maravillosos, con pianos, medias voces… con un agudo estridente y abierto, que afearon su interpretación. Pero es una soprano con temperamento y personalidad, cosa que si consiguiera arreglar esos problemas, puede ser una buena Leonora. Aún así, hubo peticiones incluso de bis, para su “Pace, pace”.

Aquiles Machado, se encargó de dar vida a Álvaro (que creo que también debutaba). Bueno es un decir, porque cantó de forma monótona y rutinaria, sin transmitir absolutamente nada. Todo cantado en forte, porque no tiene la voz para el personaje. Vocalmente, no le encontré muchas diferencias con respecto a la última vez que le escuché, hará ¿2 años?, en La Leyenda del Beso, en el Teatro de la Zarzuela. Sigue teniendo el agudo abierto y desparramado, aunque intenta cubrirlo, no lo consigue. Me sorprenden los comentarios que he leído últimamente, sobre su recuperación vocal (algo así como lo de Alagna) porque como digo, yo no noté esa mejora. Lo único que ha cambiado, es su aspecto físico, que ha adelgazado muchísimo.

El barítono Vladimir Stoyanov, cantó Carlo di Vargas. Fue, junto a la Theodossiu, lo mejor de la noche. Tampoco es que fuera una interpretación que pasará a los “Annales verdianos”, pero en los tiempos que corren la verdad, es que no me disgustó. Es un barítono (vamos, no un señor que pone voz de barítono), que posee la voz para cantar el rôle, aunque Su Carlo no es que tuviera muchos matices. Aún así, se comió a Aquiles en el duo final.

El resto del reparto bastante horroroso, con un Scandiuzzi (Padre guardiano), que además de su emisión de gola, no dio una nota en su sitio. Muy olvidables, la Preziosilla de Mariana Pentcheva y el Fra Melitone de Carlo Lepore. (¿He dicho alguna vez que ODIO toda la parte de Preziosilla y Melitone?)

La dirección musical corrió a cargo de Gianluigi Gelmetti, que consiguió que la orquesta no sonara “chimpumpera” como en anteriores ocasiones, pero poco más…

De la puesta en escena, de esas que no molestan. Yo la verdad, es que cada vez más, les presto menos atención...

El reparto completo es el siguiente:

LA FORZA DEL DESTINO
Melodramma in quattro atti
su libretto di Francesco Maria Piave
dal dramma Don Álvaro o La fuerza del sino
di Ángel Perez de Saavedra
Musica GIUSEPPE VERDI
Edizione critica a cura di Philipp Gossett e William Holmes, the University of Chicago Press, Chicago e Universal Music Publishing Ricordi srl, Milano
Personaggi Interpreti
Marchese di Calatrava ZIYAN ATFEH
Donna Leonora DIMITRA THEODOSSIOU

Don Carlo di Vargas VLADIMIR STOYANOV
Don Alvaro AQUILES MACHADO
Preziosilla MARIANA PENTCHEVA

Padre guardiano ROBERTO SCANDIUZZI

Fra Melitone CARLO LEPORE
Curra ADRIANA DI PAOLA
Un alcade ALESSANDRO BIANCHINI
Mastro Trabuco MYUNG HO KIM
Un chirurgo GABRIELE BOLLETTA
    
Maestro concertatore e direttore
GIANLUIGI GELMETTI
Regia, scene, costumi, coreografia e luci
STEFANO PODA
Maestro del coro
MARTINO FAGGIANI
ORCHESTRA E CORO DEL TEATRO REGIO DI PARMA
Nuovo allestimento del Teatro Regio di Parma
La grabación corresponde al AUDIO de la función, porque si habéis visto los videos, el streaming del video es bastante malo. Si alguien está interesado por el video, que lo pida y lo subiré.

Atto primo - Atto secondo: http://www.megaupload.com/?d=MGW5EQL6

Atto terzo: http://www.megaupload.com/?d=YHU11VJT

Atto quarto: http://www.megaupload.com/?d=7TPZLRC1

sábado, 22 de enero de 2011

Gala 70 aniversario de Plácido Domingo


A veces parece que el mundo de la ópera se divide entre "Dominguistas" y "Antidominguistas", o eso es lo que nos quieren hacer creer algunos. Me niego. Existe un grupo de aficionados , entre los que servidora se encuentra, a los que les gusta mucho Domingo en determinados personajes y en otros, pues como que no. Y también creo que en los últimos años, está haciendo cosas que no debería hacer, como por ejemplo, recurrir a papeles de barítono para seguir añadiendo rôles a la larguísima lista de personajes interpretados por el gran Domingo (porque sí, es grande). Que Plácido está a la vuelta de todo y puede hacer lo que le venga en gana, nadie lo discute, pero a veces parece que está prohibido valorar negativamente esos experimentos. En fin. ¡Ojalá tuvieramos en la actualidad un tenor como el Domingo, de los años 70!

Pero hablemos de la gala homenaje. Una gala en la que se echaron de menos muchos nombres... Y en los que sí estuvieron presentes muchos ganadores de Operalia, y algunos que no actuaron como Aragall, Elena Obratzova y Angela Gheorghiu. El programa fue el siguiente:


Primera Parte

Freudig begrüßen wir die edle Halle - Tannhauser - Coro y Orquesta del Teatro Real
Da geht er hin - Der rosenkavallier - Deborah Polaski
Ich sah das Kind an seiner Mutter Brust - Parsifal - Angela Denoke
Du bist der Lenz - Die Walküre - Anja Kampe
Au fond du temple saint - Pescadores de Perlas - Paul Groves y Bryn Terfel
Obertura - La Forza del Destino - Orqhesta Teatro Real
Credo in un Dio crudel - Otello - Juan Pons
O don fatale - Don Carlo - Dolora Zajick
Te Deum - Tosca - Bryn Terfel y Coro del Teatro Real

Segunda parte

Va pensiero - Nabucco - Coro y Orquesta del Teatro Real
Ella giammai m'amo - Don Carlo - René Pape
Qual fiamma avea nel guardo! - Pagliacci - Inva Mula
Nemico della patria - Andrea Chenier - Lado Atanelli
Sola, perduta, abbandonata - Manon Lescaut - Ainhoa Arteta
L'alba separa dalla luce l'ombra - Tosti - José Bros
Meine lippen sie kussen so heiB - Giuditta - Sonya Yoncheva
Tres horas antes del dia - La marchenera - Ana María Martínez
Madamina il catalogo e questo - Don Giovanni - Erwin Schrott
PLA-CI-DO (regalo de Tan Dun, estreno absoluto)
Tutto nel mondo è burla - Falstaff - Maite Alberola, Lado Atanelli, Raúl Gimenez, Paul Groves, Xavier Moreno, Inva Mula, Natascha Petrinsky, Juan Pons, Dolora Zajick, Miguel Ángel Zapater, Coro del Tetro Real.

De la primera parte, destacaron sobre todo La Zajick con su O Don Fatale, pese a un apurillo al final del aria; Terfel tanto en el duo de Pescadores como en el Te Deum y sorprendentemente bien Juan Pons en el Credo de Iago.

La segunda parte del concierto, comenzó con Pape y su aria de Felipe II. Pape sólo anduvo cómodo por el centro, rebuscando graves en la zona de abajo que no encontró (evidentes cambios en la voz, cuando engolaba y cuando dejaba de engolar), e intentó medias voces que no siempre salieron. Mula, perdidísima como Nedda. Arteta, pese a la evolución de su voz, de su sentimiento y emoción en Manon Lescaut, no puede cantarla; carece de los graves necesarios y la voz sufrió en la mayoría de subidas al agudo en el que se le descontrolaba el vibrato. Bros no está para cantar, ni Percy , ni Tosti, ni mucho menos el Rodolfo de Bohème, como le comentó a Albert Garceran en una entrevista. Ayer rozó el gallo en la canción de Tosti al querer dar un La; y es que esa voz está abierta y eso no se puede achacar a un resfriado. Sonya Yoncheva, una mezcla de Yoryu y Netre y última ganadora de Operalia, muy bien en la opereta. Y Erwin, salvo algún engolamiento, mejor que las últimas veces que lo he escuchado, aunque es de juzgado de guardia cómo terminó el aria. Lo de Tan Dun, pa´el que le guste

La sorpresa final para Plácido, fue la intervención de Teresona (showomantotal!!!!) que hizo emocionar a Plácido y al que le cantó el "Happy Birthday" a lo Marilyn.

Entrevista a Plácido Domingo, realizada por Iñaki Gabilondo: http://www.megaupload.com/?d=ZBDMSLHW
Primera parte de la Gala: http://www.megaupload.com/?d=LOQOTCPL
Segunda parte de la Gala: http://www.megaupload.com/?d=YLQDC3E1

Pass: zerlinetta

miércoles, 19 de enero de 2011

Cavalleria Rusticana-Pagliacci. Teatro alla Scala


PAGLIACCI

opera in 1 prologo e 2 atti di Ruggero Leoncavallo

Nedda, Oksana Dyka

Canio, José Cura

Tonio, Ambrogio Maestri

Beppe / Arlecchino, Celso Albelo

Silvio, Mario Cassi

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano

direttore, Daniel Harding

regia, Mario Martone

scene, Sergio Tramonti

costumi, Ursula Patzak
http://www.megaupload.com/?d=3U4G3ZUQ


CAVALLERIA RUSTICANA

melodramma in 1 atto di Giovanni Targioni-Tozzetti e Guido Menasci

musica di Pietro Mascagni

Santuzza, Luciana D'Intino

Lola, Giuseppina Piunti

Turiddu, Salvatore Licitra

Alfio, Claudio Sgura

Mamma Lucia, Elena Zilio

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano

direttore, Daniel Harding

regia, Mario Martone

scene, Sergio Tramonti

costumi, Ursula Patzak

http://www.megaupload.com/?d=1H6GNU6U

Pass: zerlinetta

lunes, 17 de enero de 2011

Rayuela


Había una caja como de zapatos y la Maga de rodillas puso el disco tanteando
en la oscuridad y la caja de zapatos zumbó levemente, un lejano acorde se instaló
en el aire al alcance de las manos. Gregorovius empezó a llenar la pipa, todavía
un poco escandalizado. No le gustaba Schoenberg pero era otra cosa, la hora, el
chico enfermo, una especie de transgresión. Eso, una transgresión. Idiota, por lo
demás. Pero a veces le daban ataques así en que un orden cualquiera se vengaba
del abandono en que lo tenía. Tirada en el suelo, con la cabeza casi metida en la
caja de zapatos, la Maga parecía dormir.
De cuando en cuando se oía un ligero ronquido de Rocamadour, pero
Gregorovius se fue perdiendo en la música, descubrió que podía ceder y dejarse
llevar sin protesta, de legar por un rato en un vienés muerto y enterrado. La
Maga fumaba, tirada en el suelo, su rostro sobresalía una y otra vez en la sombra,
con los ojos cerrados y el pelo sobre la cara, las mejillas brillantes como si
estuviera llorando, pero no debía estar llorando, era estúpido imaginar que
pudiera estar llorando, más bien contraía los labios rabiosamente al oír el golpe
seco en el cielo raso, el segundo golpe, el tercero. Gregorovius se sobresaltó y
estuvo a punto de gritar al sentir una mano que le sujetaba el tobillo.
—No haga caso, es el viejo de arriba.
—Pero si apenas oímos nosotros.
—Son los caños —dijo misteriosamente la Maga—. Todo se mete por ahí, ya
nos ha pasado otras veces.
—La acústica es una ciencia sorprendente —dijo Gregorovius.
—Ya se cansará —dijo la Maga—. Imbécil.
Arriba seguían golpeando. La Maga se enderezó furiosa, y bajó todavía más el
volumen del amplificador. Pasaron ocho o nueve acordes, un pizzicato, y
después se repitieron los golpes.
—No puede ser —dijo Gregorovius—. Es absolutamente imposible que el tipo
oiga nada.
—Oye más fuerte que nosotros, eso es lo malo.
—Esta casa es como la oreja de Dionisos.
—¿De quién? El muy infeliz, justo en el adagio. Y sigue golpeando,
Rocamadour se va a despertar.
—Quizá sería mejor...
—No, no quiero. Que rompa el techo. Le voy a poner un disco de Mario del
Mónaco para que aprenda, lástima que no tengo ninguno. El cretino, bestia de
porquería.

Rayuela, Capítulo 28. (Julio Cortázar)


Vídeo de stand1989

domingo, 16 de enero de 2011

Marilyn Horne, 77 años


Vídeo de conmaleta

Hoy la gran mezzo norteamericana cumple 77 años. ¡Brava!

P.D. Tras conocer la opinión que tiene sobre ella, un conocido "crítico de voces", hace que me reafirme, en que no tiene ni p*** idea. He dicho.

viernes, 14 de enero de 2011

Black el payaso...

O de cómo un payaso, se convierte en rey.





Hacer de un mísero payaso, un soberano triunfador;
cambiar en éxito el fracaso, ésta es la fuerza del amor.
Correr el áspero camino, sin que se entibie nuestro ardor
vencer con ímpetu al destino,
¡Esta es la fuerza del amor!.
Como una rosa encendida viniste a mi soledad,
para ofrecerle a mi vida una nueva claridad.
Como una rosa encendida, el triunfo supe obtener
y he de llevarla prendida a tu gloria, mujer.
Lograr que el ánimo despierte,
frente a la angustia y el dolor;
mirar con júbilo a la muerte ...
¡Esta es la fuerza del amor!


BLACK EL PAYASO (1942).Zarzuela en un prólogo y tres actos. Liberto de Francisco Serrano Anguita y música de Pablo Sorozábal.
Romanza de Black "Hacer de mi un mísero payaso", interpretada por Renato Cesari.

lunes, 10 de enero de 2011

La edad de la inocencia


Era una tarde de enero de comienzos de los años setenta. Christine Nilsson cantaba Fausto en el teatro de la Academia de Música de Nueva York.
Aunque ya había rumores acerca de la cons¬trucción -a distancias metropolitanas bastante remotas, "más allá de la calle Cuarenta"- de un nue¬vo Teatro de la Opera que competiría en suntuosidad y esplendor con los de las grandes capitales euro¬peas, al público elegante aún le bastaba con llenar todos los inviernos los raídos palcos color rojo y dorado de la vieja y acogedora Academia. Los más tradicionales le tenían cariño precisamente por ser pequeña e incómoda, lo que alejaba a los "nuevos ricos" a quienes Nueva York empezaba a temer, aunque, al mismo tiempo, le simpatizaban. Por su parte, los sentimentales se aferraban a la Academia por sus reminiscencias históricas, y a su vez los melómanos la adoraban por su excelente acústica, una cualidad tan problemática en salas construidas para escuchar música.
Madame Nilsson debutaba allí ese invierno, y lo que la prensa acostumbraba a llamar "un públi¬co excepcionalmente conocedor" había acudido a escucharla, atravesando las calles resbaladizas y llenas de nieve en berlinas particulares, espaciosos landós familiares, o en el humilde pero prácti¬co coupé Brown. Ir a la ópera en este último vehículo era casi tan decoroso como hacerlo en carruaje propio; y retirarse de igual manera tenía la inmensa ventaja de permitir (con una alusión jocosa a los principios democráticos) trepar en el primer transporte Brown de la fila, en vez de esperar hasta que apareciera la nariz congelada por el frío y congestionada por el alcohol del cochero particular reluciendo bajo el pórtico del Teatro. Una de las mejores intuiciones del cochero de alquiler fue descubrir que los norteamericanos desean alejarse de sus diversiones aún con mayor prontitud que llegar a ellas.
Cuando Newland Archer abrió la puerta del palco del club, recién subía la cortina en la escena del jardín. No había ningún motivo para que el joven llegara tarde, pues cenó a las siete, solo con su madre y su hermana, y después se quedó un rato fumando un cigarro en la biblioteca gótica con estanterías barnizadas en nogal negro y sillas coronadas de florones, que era la única habitación de la casa donde Mrs. Archer permitía que se fumara. Pero, en primer lugar, Nueva York era una metrópolis perfectamente consciente de que en las grandes capitales no era "bien visto" llegar temprano a la ópera; y lo que era o no era "bien visto" jugaba un rol tan importante en la Nueva York de Newland Archer como los inescrutables y ancestrales seres terroríficos que habían dominado el destino de sus antepasados miles de años atrás.
La segunda razón de su atraso fue de carácter personal. Se le pasó el tiempo fumando su cigarro porque en el fondo era un gozador, y pensar en un placer futuro le daba una satisfacción más sutil que su realización, en especial cuando se trataba de un placer delicado, como lo eran la mayoría de sus placeres. En esta oportunidad el momento que anhelaba era de tan excepcional y exquisita calidad que incluso si hubiera cronometrado su llegada con el director de escena no podría haber entrado en el teatro en un momento más culminante que cuando la prima donna comenzaba a cantar: "Me quiere, no me quiere, ¡me quiere!", dejando caer los pétalos de una margarita entre notas tan diáfanas como el rocío.
Ella decía, por supuesto "¡M´ama!" y no "me quiere", ya que una ley inalterable e incuestiona¬ble del mundo de la música ordenaba que el texto alemán de las óperas francesas, cantadas por artistas suecas, debía traducirse al italiano para mejor comprensión del público anglo-parlante. Esto le parecía muy natural a Newland Archer, igual que todas las demás convenciones que moldea¬ban su vida, como tener que usar dos escobillas con mango de plata y su monograma esmaltado en azul para hacer la raya de su cabello, y la de jamás aparecer en sociedad sin una flor en el ojal (de preferencia una gardenia).
"M´ama... non m´ama..." cantaba la prima donna, y "¡M´ama!" con un estallido final de amor triunfante, en tanto apretaba en sus labios la des¬hojada margarita y levantaba sus ojos hacia el sofisticado semblante del pequeño y moreno Fausto-Capoul, que trataba en vano, enfundado en su estrecha casaca de terciopelo púrpura y con su sombrero emplumado, de parecer tan puro y ver¬dadero como su ingenua víctima.
Newland Archer, apoyado contra la pared del fondo de su palco, quitó sus ojos del escenario y examinó el otro lado del teatro. Justo frente a él estaba el palco de la anciana Mrs. Manson Mingott, cuya monstruosa obesidad la imposibilitaba, desde hacía tiempo, de asistir a la ópera, pero que en las noches de gala estaba siempre representada por los miembros más jóvenes de la familia. En esa ocasión, el palco estaba ocupado, en primer lugar, por su nuera, Mrs. Lovell Mingott, y su hija, Mrs. Welland; detrás, y un tanto retirada de aquellas matronas vestidas de brocado, se sentaba una joven con traje blanco, que miraba extasiada a los amantes del escenario. Cuando el "¡m´ama!" de Madame Nilsson hizo vibrar el teatro silencioso (en los palcos siempre se dejaba de hablar duran¬te el aria de la margarita), un cálido color rosa tiñó las mejillas de la joven, que se ruborizó hasta las raíces de sus rubias trenzas; el rubor se exten¬dió por la juvenil curva de su pecho hasta donde se juntaba con un sencillo escote de tul adornado con una sola gardenia. Bajó los ojos hacia el in¬menso ramo de lirios silvestres que tenía en su regazo, y Newland Archer vio que las yemas de sus dedos, cubiertos por blancos guantes, tocaban suavemente las flores. Sintiendo su vanidad satis¬fecha, Archer suspiró y volvió los ojos al escenario.
No se había ahorrado gastos en la escenografía, que fue calificada de bellísima aun por quie¬nes compartían con Archer su familiaridad con la Opera de París y de Viena. El primer plano, hasta las candilejas, estaba cubierto con una tela verde esmeralda. A media distancia, algunos montículos simétricos de un verde musgo de lana cercado por argollas de croquet hacía de base para arbustos que parecían naranjos y estaban salpicados de enormes rosas rosadas y rojas. Gigantescos pensamientos, muchísimo más grandes que las rosas y muy parecidos a los limpiaplumas florales que hacían las señoras de la parroquia para los clérigos elegantes, sobresalían del musgo bajo los rosales; y aquí y allá una margarita injertada en una rama de rosa florecía con la exuberancia pro¬fética de los remotos prodigios de Mr. Luther Burbank.
En medio de este jardín encantado, Madame Nilsson, vestida de cachemir blanco con incrusta¬ciones de satín azul pálido, un pequeño bolso que colgaba de un cinturón azul y gruesas trenzas amarillas colocadas cuidadosamente a cada lado de su blusa de muselina, escuchaba con ojos ba¬jos los apasionados galanteos de Mr. Capoul, y asumía un aire de ingenua incomprensión a sus propósitos cuando éste, con palabras o gestos, indicaba persuasivo la ventana del primer piso de la pulcra casa de ladrillo que sobresalía en forma oblicua desde el ala derecha.
"¡Qué adorable!" -pensó Newland Archer, cuya mirada había vuelto a la joven de los lirios silvestres-. "No tiene idea de qué se trata todo esto". Y contempló su absorto rostro juvenil con un estre¬mecimiento de posesión en que se mezclaba el orgullo de su propia iniciación masculina con un tierno respeto por la infinita pureza de la joven. "Leeremos Fausto juntos... a orillas de los lagos italianos...", pensó, confundiendo en una nebulo¬sa el lugar de su planeada luna de miel con las obras maestras de la literatura que sería su privile¬gio varonil enseñar a su novia. Fue recién esa tarde que May Welland le dejó entender que a ella "le importaba" (la consagrada frase neoyorquina de aceptación que dice una joven soltera), y ya su imaginación, pasando por el anillo de compromiso, el beso en la fiesta y la marcha nupcial de Lohengrin, la ponía a su lado en algún escenario embrujado de la vieja Europa.
                                                                                                  La Edad de la inocencia (Edith Wharton)



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